El blog de música : Música del mundo : Blog Musical

Monegros Desert Festival

2009-06-18T01:57:00.000-07:00

El 18 de julio de 2009, el Festival Monegros arranca una nueva edición con Orbital y Carl Cox liderando el cartel.

La historia del Monegros Desert Festival comenzó en 1993 cuando 200 personas decidieron, al finalizar una sesión en el club F135, continuar la fiesta en forma de Rave en una finca cercana. Esta finca, donde se sigue celebrando el Festival, está situada en la Nacional II, que une Barcelona y Madrid atravesando los más de 100 kilómetros del Desierto de los Monegros, entre Zaragoza y Cataluña, y que, con sus colinas cortadas y su color de tierra y cobre, tanto recuerda al paisaje típico de los westerns clásicos.

La idea de combinar techno y aventura cuajó, y el público creció sin parar durante los siguientes años, por efecto del boca en boca sobre todo.

Los primeros DJ's de auténtica relevancia internacional llegaron a finales de los Noventa: Carl Cox, Laurent Garnier, Derrick May... En el año 2.000 ya se había duplicado la asistencia, alcanzado un aforo de 10.000 personas. A partir de ese momento, la apertura a otros estilos como el Hip Hop, el electro o el house fue un paso natural. A partir del 2004, el cartel empieza a presentar actuaciones de formaciones míticas dentro la escena musical: Snoop Dog, The Prodigy, Underworld, Cypress Hill, Orbital... La evolución constante ha marcado la trayectoria del Monegros Desert Festival y se ha convertido, año tras año, en una cita indispensable en la agenda de miles de jóvenes.

Ahora el Monegros Desert Festival celebra sus 15 años con 5 escenarios funcionando 20 horas ininterrumpidamente, más de 50 artistas. Techno, electro, house, minimal, hip hop, drum'n'bass... Una producción impresionante en un marco único.

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El apoyo a Callejeros de los que sobrevivieron

2008-09-23T02:50:00.000-07:00

Todos los medios muestran una sola campana: la de Fernández Bonomini y los demás. Pero estaría bueno que muestren la campana de Mercedes Blanco y de los 2 mil sobrevivientes que están con la banda".

De esta manera, vía email a Clarín, un joven expresaba su desacuerdo con la generalización del sustantivo "padres" de Cromañón, Señalaban que muchos de los "otros" padres no culpan a Callejeros, aunque una parte, como Nora Bonomini y el abogado José Iglesias, quieran verlos condenados.

"Los sobrevivientes que apoyan a Callejeros tienen derecho. También perdieron gente (como la banda). También estuvieron adentro. El dolor no es solo de Iglesias".

La postura de quienes apoyan a Callejeros se ve reflejada en la remera que dice "No incentivaban la pirotecnia. No coimearon. No cerraron la puerta. ¿Culpables de qué? En verdad, de esas tres cosas sólo no están acusados de haber cerrado la o las puertas. De lo otro, es justamente lo que se está evaluando en juicio oral.

Mientras se hacía la investigación, Callejeros casi no tocó. Dos años después de la tragedia, volvió a los escenarios en Córdoba, en un recital multitudinario. Y repitió. Desde diciembre de 2004, sacaron dos discos: Señales (2006), y recientemente Disco escultura, con referencias a Cromañón y críticas no muy elípticas a quienes los criticaron, como Gustavo Cordera, de la Bersuit. Declaraciones de Patricio Santos Fontanet a Clarín son una síntesis de la mirada del grupo sobre sí mismo: "Todos dicen: 'Le pudo pasar a cualquiera pero les tocó a ustedes'. Entonces, si le pudo pasar a cualquiera pero me pasó a mí, callate la boca, no hables porque me pasó a mí. Yo no te juzgo a vos, vos no me juzgues a mí".

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Catupecu Machu

2008-09-02T03:17:00.000-07:00

El grupo liderado por Fernando Ruiz Díaz, estará presentando nuevamente su ultimo disco "Laberintos entre aristas y dialectos". Será este sábado en el Auditorio Sur, en Av. Meeks 1080, en Temperley. La cita para ver a la banda de Villa Luro comienza a las 21. Las localidades (a $40) se consiguen a través de www.ticketek.com.ar o llamando al 5237-7200. La banda se presentará con Fernando Ruiz Díaz: guitarra y voz Javier Herrlein en batería Martín Macabre González en teclados y sintetizadores y Sebastián Cáceres en el bajo.

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Joan Baez: "Mi país es un poco retardado"

2008-07-30T01:41:00.001-07:00

La pionera de la canción traerá mañana nuevos temas al Palau de la Música de Barcelona.

CRISTINA MERINO - BARCELONA

--El año pasado actuó en el festival de Cap Roig con las entradas agotadas. ¿Cómo recuerda aquel recital?
--Fue estupendo, hacía 20 años que no pisaba España. Pensaba que el público se habría olvidado de mí, pero no fue así: resultó fantástico.

--¿Qué le espera al público que acuda al Palau de la Música?
--Será un repaso de mi repertorio más clásico y más reconocido pero, puesto que en septiembre publico un nuevo disco, también presentaré algunas de las canciones. Tiene que ser así porque, con 50 años de trayectoria, hay mucha gente que solo reconoce mis primeros temas. Pero los que han seguido mi carrera quieren también las canciones de mis últimos trabajos.

--¿Qué puede adelantar de este nuevo disco?
--Es un disco muy apacible, muy natural. He trabajado con escritores mucho más jóvenes que yo, y también con Steve Earle como letrista, cantante y productor. Pienso que es el disco más próximo a mis inicios que he hecho en mucho tiempo.

--¿Cómo ha sido eso de trabajar mano a mano con Steve Earle?
--Creo que hemos realizado un trabajo fantástico. Él está un poco loco, pero yo también, así que nos hemos entendido muy bien.

--El título del disco es Day after tomorrow, una canción de Tom Waits.
--Es una canción bellísima de su disco Real gone en la que habla del terror de la guerra. Está inspirada en un soldado, probablemente combatiente en Irak o Afganistán, cuyo sueño es, simplemente, volver a casa, pero es válida para hablar de cualquier conflicto.

--Este año cumple 50 años sobre los escenarios. ¿Qué piensa cuando echa la vista atrás?
--¡Es medio siglo, casi toda una vida! No es nada que me haga sentir tristeza o nostalgia... ¡Sigo aquí!

--Por primera vez ha decidido dar su apoyo a un candidato a la presidencia, Barack Obama.
--No va para nada conmigo dar mi apoyo a un partido político. No creo en esa clase de acción política, pero él ha inspirado a tanta gente joven, ha movilizado a la juventud negra, les ha convencido de tal manera de que por fin tienen a alguien en quien pueden confiar que decidí poner mis energías en apoyarle más que simplemente mostrar mi desacuerdo con John McCain.

--¿Qué es, en su opinión, lo le hace tan seductor?
--Seguramente que en mi país estábamos necesitados de que alguien nos hiciera sentir parte de un proyecto común, necesitábamos compartir la ilusión por hacer algo juntos. Y esto es algo que yo no sentía desde Martin Luther King.

--¿Cree que tiene posibilidades?
--Sí creo en sus posibilidades, pero ya veremos. Mi país es un poco retardado, no es muy inteligente, así que habrá que confiar en cierta sabiduría popular para que pueda convertirse en presidente. No sé quién logrará llegar finalmente a esa estúpida Casa Blanca, pero quizá Obama consiga dejar huella con su sueño de un país mejor.

--¿Qué causas concentran sus protestas hoy?
--Si sobrevivimos al calentamiento global, seguiremos teniendo un montón de causas por las que luchar. Pero el medio ambiente será nuestro principal reto. Es tan terrible que es muy fácil acabar por no pensar en ello y dejarlo de lado, pero el hecho es que los osos polares desaparecen, los icebergs se deshacen y la madre naturaleza se rebela contra nosotros por ser tan idiotas.

--Es una visión realmente pesimista.
--Nunca fui muy optimista, pero eso no ha impedido que yo continúe llamando la atención.

Refiere: elperiódico

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Tom Waits actuará dos noches de julio en el Auditori del Fòrum

2008-06-19T01:29:00.001-07:00

El artista, que viene a España por primera vez, abrirá la gira en San Sebastián. El promotor afirma que el cantante adora Barcelona y que "deseaba actuar aquí"

JORDI BIANCIOTTO - BARCELONA

Se acabaron las especulaciones: Tom Waits actuará en Barcelona y por partida doble. El Auditori del Fòrum acogerá el 14 y 15 de julio sendas paradas de la etapa europea del Glitter and doom tour, que comenzará un poco antes, el 12 de julio, en el Kursaal de San Sebastián. Fechas que suponen el debut en España de uno de los artistas más esperados desde hace décadas. Una figura de culto que ofrece recitales con cuentagotas.

Para muestra, el sucinto itinerario de esta gira europea: solo siete ciudades y 11 actuaciones. Después de Barcelona y San Sebastián, Waits y su banda de cinco músicos actuarán en Milán, Praga (capital en la que también debuta), París, Edimburgo y Dublín. Punto y final de un tour en el que el artista no presenta ningún nuevo disco, y cuyo repertorio es aún una incógnita. Comenzarán a despejarse dudas una vez comience la gira estadounidense, el 17 de junio en Phoenix, Arizona.

PROMOTORA PUNK
La confirmación llega tras cuatro meses de negociaciones "divertidas y angustiosas al mismo tiempo", según las describe Xavi Manresa, responsable de la promotora Cap Cap. Se trata de una empresa especializada, desde 1988, en punk y hardcore, que ha traído a grupos como Green Day, The Offspring y Fugazi. ¿Chocante? Bueno, Waits fichó en 1999 por la discográfica indie Epitaph, que atiende, sobre todo, a este género musical, lo cual dejó clara su aversión a las multinacionales y el show business oficial.
El Grec persiguió a Waits durante años, y lo cierto es que sí llegó a pisar el escenario del anfiteatro de Montjuïc... pero como espectador. En el 2002, el californiano, acompañado de su pareja y sus tres hijos, pasó unos días de vacaciones en Barcelona, y acudió con Xavi Manresa (a quien conoció por su conexión con Epitaph) a ver una obra de Shakespeare. Desde entonces, el promotor se propuso traerlo a Barcelona. En el 2004 no pudo ser. Ahora, sí.

PREDILECCIÓN PERSONAL
"A Waits le encantó la ciudad; fue a museos, comió bien y me dijo que tenía ganas de actuar aquí", explica Manresa. Según dice, es el artista, de 58 años, quien elige las ciudades en las que actúa, y no atiende a lógicas de mercado. Londres, por ejemplo, no figura en el tour, y solo ha actuado allí una vez en las últimas dos décadas. "Su manera de ver la vida es diferente", sintetiza el promotor. Describe al creador de Time como "un tipo muy afable, a quien le encanta charlar, incluso de política", y que es "bastante anti-establishment". En definitiva, "auténtico punk", lo cual no parece reñido con otros valores. "Es una persona muy familiar; por eso sus giras son tan cortas", indica.
El aspecto más delicado de la contratación fue encontrar el local idóneo. El artista exige un teatro o un auditorio de capacidad media, y desea que el local cuente con una caja escénica, algo habitual en los teatros tradicionales y recintos operísticos, pero que no existe en el Auditori del Fòrum. Por ello, se deberá construir una expresamente. Toda petición será atendida para que Waits ofrezca dos recitales que se prevé superen las dos horas y de las que es difícil pronosticar el guión. No olvidemos que hablamos de una gira que, como indicó Waits en su simulacro de rueda de prensa en internet, atiende al "rumbo cambiante" de la constelación Eridano.

refiere : elperiodico.com

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Andres Calamaro, después de haber ganado su segundo Gardel de oro “Los cacerolazos son para las dictaduras”

2008-03-28T02:04:00.001-07:00

Por Karina Micheletto. Andrés Calamaro está exultante. Feliz, sin más, sin preocuparse por disimularlo, portador de un tipo de felicidad expansiva. Pasaron pocos minutos desde que se anunció que La lengua popular lo hizo ganar su segundo Gardel de Oro, después del de 2006 (Charly García es el otro único doble ganador del galardón dorado, con la diferencia de que aquel doblete se dio en épocas de menor legitimación mediática del premio).

Los camarines del Gran Rex, dispuestos en medio de un intrincado laberinto de pasillos de metal, parecen devolver el espíritu de fiesta que intentan transmitir los Premios Gardel, y que en el desarrollo de la entrega se hace tan difícil de sostener. Aquí, en cambio, hay ánimo de vestuario ganador: llegan los cantitos de la barra de Bajofondo, hay abrazos varios, sonrisas por todos lados. La de Calamaro, entre ellas. Ya en su camarín, el músico descorcha un champagne y propone: “Brindemos porque, a pesar de todo, existe una noche para la música”. Su noche, claro.

Rodeado de algunos periodistas, Andrés Calamaro está con ganas de hablar, y esta vez sin el mail de por medio, su vía dialógica favorita para dar forma a las entrevistas. Hace un rato, les dijo a los que lo escuchaban agradecer su premio: “Ahora pueden volver a sus casas o irse a algún piquete paquete”. Así que el tema de los piquetes paquetes, además de ser el tema nacional del momento, también es el que elige Calamaro para empezar a bajar a la realidad en medio de tanta expansión celebratoria. “No hay que fiarse de la reacción de Buenos Aires, ya sabemos cómo votó hace poco. En ese sentido, es una ciudad que se parece mucho a Madrid”, comienza su reflexión. “Como a todos, me sorprendieron las imágenes que mostraba la televisión, me sorprendió este fenómeno que se dio. Vi que los primeros que salieron con un micrófono fueron los de CQC. Otra vez, apareció el humor como la forma más seria de meterse con algunas cosas. Todo lo que vi por tele me trajo imágenes del pasado, me recordó esa guerra que nunca ganamos en las Malvinas o al Mundial teñido de sangre. ¿Qué es lo que pienso de todo esto? Que los cacerolazos hay que hacérselos a las dictaduras, nunca a la democracia. Y por suerte o por desgracia yo tengo años suficientes para recordar el silencio con el cual se toleró el período más trágico de nuestra historia.”

Y sigue Calamaro: “Acá hay un tema técnico que es la Sociedad Rural y la Federación Agraria juntas. Desconozco la interna de las negociaciones de la protesta, desconozco qué es lo que empuja a la gente a celebrar nuestras tragedias. Tampoco sé cuál es la verdadera tragedia, si hay tragedia en las retenciones o en la falta de alimentos en las góndolas. Pero estoy seguro de que desconfío de un piquete en Callao y Santa Fe, o en Las Cañitas, o en Recoleta. Lo dice él, un chico de departamento de Barrio Norte, que tantas veces habló y cantó desde esa sensibilidad. Y lo reafirma: “Yo soy del centro y sé cómo es esa gente...”.

–Entre sus palabras de agradecimiento habló del fin del disco, y dijo que no ve solución al problema. ¿Realmente no ve ninguna?

–Es que sé que no hay solución. Hay debates en la blogosfera que proponen una suerte de David y Goliat. En todo caso, el momento para abrir ese debate hubiese sido diez años atrás. Ya pasó el tiempo. Sabemos lo que significa el disco, es el envase de nuestra cultura. La pérdida del disco como objeto físico y la proliferación absoluta de la música ofrecida en un formato virtual es un hecho. Esto ya no va a cambiar. Y no es el negocio del disco lo que se acaba, porque sabemos que hace décadas que las antiguas compañías de discos fueron absorbidas por las multinacionales, que quién sabe qué ramificaciones tienen. Suena frívolo que diga que faltó un piquete contra el IPod a tiempo... Pero el disco para nosotros era como un cuadro o un libro, y que desaparezca es tan grave como si desaparecieran los cuadros o los libros. Crecimos mirando vidrieras de disquerías, yendo a preguntar si ya salió el disco que esperábamos, yo hice todo el circuito de discos usados de Parque Rivadavia o Parque Centenario. Y no me parece justo ni poner al músico en papel de víctima, ni pensar que tocando en vivo se van a salvar todos. Entre otras cosas porque yo hace 25 años era un delfín de Miguel Abuelo, y en 25 años voy a tener 70 años. Y me va a pesar tener que vivir de las giras, ¿no?

–La Cámara del Disco Argentina, que es la que organiza estos premios, tiene una única estrategia: la denuncia a la piratería. ¿Le parece una buena estrategia?

–Yo no tengo una estrategia para salvar el oficio artesanal de los músicos que grabamos discos. Hace ocho años edité en forma de disco quíntuple una solución que pensé posible para mí, que era la anarquía y el caos absolutos. En aquel momento pensé que el CD tenía un sobreprecio digno del tráfico de armas. Fue la solución que se me ocurrió entonces. Ahora, no se me ocurre otra.

–Al recibir el premio también recordó a Miguel Abuelo. ¿De qué manera estuvo presente para usted en esta noche?

–Hace un par de semanas me di cuenta de que esta noche coincidía con el aniversario redondo de la muerte de Miguel. Por eso escribí esto: “20 años no es nada según Gardel, pero son muchos años sin Miguel”. Miguel nos faltó cada día de estos 20 años y nos quedó mucho por descubrir de él. Fue un poeta fértil de verdad, auténtico, valiente, profundo. Y en estos 20 años fue recordado sólo dentro del marco de los ’80, de Los Abuelos, salió perjudicado por el mal uso de la palabra pop. Para mí sólo existe el rock. Una prueba la tuvimos en estos premios: Emmanuel Horvilleur ganó como mejor artista pop; Dante estaba ternado en rock. No tiene ningún sentido, si son hermanos de la misma costilla.

–Ganó dos Gardel de Oro, en poco tiempo pero en momentos bien diferentes de su carrera. ¿Qué diferencia al de 2006 de éste?

–Aquel Gardel era épico, heroico. La Bersuit lo había ganado el año anterior y me ofreció su amistad y su infraestructura moral y artística para tocar. Pero, después de tanto tiempo sin tocar, la sensación de estreno era pesada. Aquel año, la mochila era haber dejado las giras por cinco años. Y una cosa es dejar de andar en bicicleta cinco años; otra es volver a andar con cinco mil personas mirándote fijo, a ver si te caés. Esta noche, en cambio, yo me conformaba con aplaudir a mis colegas y amigos, a Bajofondo, a Catupecu, a tantos, y espero estar acá para aplaudirlos el año que viene.

Ya es madrugada, queda mucha gente esperando para felicitar al Gardel de Oro, y la manager de Calamaro llega al camarín para anunciar que, afuera, “los piqueteros están bajando por Corrientes”. Y que es mejor desalojar el teatro pronto. La estrategia da resultado y Calamaro deja de hablar, toma el último sorbo de champagne, saluda con amabilidad, agradece. Lo espera su esposa detrás de la puerta. Afuera del teatro no hay ningún piquete, claro. Sólo los técnicos desarmando las últimas escenografías, los teatros de Corrientes ya cerrados y la ciudad preparada para pasar la madrugada.

Vía Pagina 12

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Lou Reed recreará 'Berlin', su disco maldito, en Portaferrada

2008-03-27T03:52:00.001-07:00

• El cantante neoyorquinoofreceráel recital el 25 de julio en Sant Feliu de Guíxols

• La muestra acogerá el homenaje a Joni Mitchell a cargo de Herbie Hancock

JORDI BIANCIOTTO
BARCELONA

La gira Berlin, de Lou Reed, nos esquivó el verano pasado, pero habrá reválida: una segunda parte del tour llevará el montaje, con una treintena de músicos y coristas, el 25 de julio al Festival de Portaferrada, de Sant Feliu de Guíxols. Se trata de la única actuación en Catalunya, según ha podido saber este diario, en la que Reed presentará, con 35 años de retraso, el disco maldito oficial de su carrera y una de las obras de culto preferente de la historia del rock.

El cantante, guitarrista y compositor neoyorquino emprenderá el 23 de junio en Cork (Irlanda) una nueva gira europea de Berlin con 16 actuaciones. Además de Portaferrada, acogerán el recital Madrid (22) y Benidorm (26). San Sebastián figura como candidata para el día 24, pero ese concierto no está confirmado. En Sant Feliu de Guíxols, Reed actuará en un recinto al aire libre, el Espai Port, remodelado para acoger a 2.000 personas. Las entradas se pondrá a la venta a mediados de abril.

BANDA AMPLIA

El espectáculo Berlin consta de la interpretación íntegra de este álbum de 1973, una obra conceptual con principio y fin. El formato será el mismo que en la gira del 2007: un coro de una docena de voces infantiles, sección de viento y de cuerda, y la banda de Reed ampliada, que incluye al guitarrista Steve Hunter (que tocó en la grabación original) y la insólita pareja de bajistas de lujo integrada por Fernando Saunders y Rob Wasserman.

DISCO 'GRAMMYZADO'

Otro plato fuerte irrumpe en la programación de Portaferrada: la presentación de River: The Joni letters, de Herbie Hancock, que tendrá lugar al día siguiente, 26 de julio. El disco es un homenaje a la cantautora canadiense Joni Mitchell publicado el pasado septiembre, que ha obtenido una sobresaliente recepción crítica y que se hizo, semanas atrás, con dos premios Grammy, el de mejor obra de jazz contemporáneo y el trofeo estrella, el de mejor disco del año.

El concierto será, al igual que el de Lou Reed, el único que se realizará en tierras catalanas, y también tendrá lugar en el escenario del Espai Port.
A falta de la presentación del cartel completo de la muestra, que se realizará a mediados de abril, este diario ha podido saber que la programación incluirá una parcela de artistas femeninas de jazz en la que figura la Maria Schneider Orchestra.

Por el peso de los nombres ya confirmados, queda claro que el circuito de festivales de la Costa Brava (con Cap Roig y Peralada en competencia con Portaferrada) volverá a pisar fuerte en el 2008 y a rivalizar con la propia oferta de Barcelona.

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La nueva gira del argentino Fito Páez hace parada en Marbella

2008-03-26T12:59:00.001-07:00

El compositor argentino acude con su piano para desnudar las canciones fundamentales de su extensa y variopinta carrera

J. Z. MÁLAGA El cantante y compositor argentino Fito Páez, uno de los artistas fundamentales del rock latinoamericano, regresa a España para realizar una breve gira durante el próximo mes. El público malagueño podrá disfrutar de la esencia de sus composiciones en el concierto que el artista ofrecerá en el 27 de abril. La discográfica de Páez informó en un principio de que el recital se celebraría el día 26 de abril en el Teatro Cervantes, aunque esta mañana ha precisado que dicho concierto tendrá lugar un día más tarde en el Palacio de Ferias y Congresos de Marbella.

Páez acude a nuestro país con la intención de grabar un DVD del recital que ofrecerá el 24 de abril en el Palacio de Congresos de Ifema, de Madrid. Murcia, el 20 de abril y Barcelona (día 23) son, junto con Marbella, las otras ciudades escogidas por el autor de 'Dar es dar' para mostrar su talento sobre el escenario. Acompañado únicamente de su piano, el artista irá desgranando las piezas fundamentales de su extenso repertorio, que se ha convertido por méritos propios en una referencia de la mejor música cantada en español.

Nacido en 1963 en Rosario (Argentina), a finales de la década de los ochenta Fito Páez se unió a la banda de Juan Carlos Baglietto, para pasar después a la de Charly García. Dos grandes maestros que empujaron a Fito a grabar 'Del 63', su primer disco, inspirado en el rock, el jazz, el tango y el folclore. En 1984 apareció su segundo disco y, desde entonces, la carrera de Fito Páez ha sido ejemplar. Ha colaborado con Caetano Veloso, Luis Alberto Spinetta, Joaquín Sabina y Phil Ramone, entre otros muchos artistas.

Discos fundamentales. El músico, que a lo largo de toda su carrera ha vendido más de tres millones de discos, ha publicado álbumes esenciales, como lo son 'Ciudad de los pobres corazones', 'El amor después del amor', trabajo que ostenta el récord del disco más vendido del rock argentino; 'Circo Beat', 'Abre', 'Naturaleza sangre' y el más reciente, 'Rodolfo', grabado también a voz y piano, tal y como actuará en esta nueva gira española.

Lejos de detenerse en el campo de la composición, Fito Páez también ha firmado como guionista y director dos películas y un cortometraje, ha participado como actor en seis filmes y ha compuesto varias bandas sonoras.

Via laopiniondemalaga.es

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Bruce Springsteen agota todas las entradas para el concierto del 15 de julio en Donostia

2008-03-19T05:08:00.001-07:00

Bruce Springsteen agota todas las entradas para el concierto del 15 de julio en Donostia. Las localidades se pusieron a la venta el20 de diciembre.

Donostia. Las entradas para el concierto que Bruce Springsteen y la E Street Band ofrecerán el día 15 de julio en el estadio de Anoeta de Donostia están ya agotadas, según informó ayer la promotora Get In.

Las localidades para asistir a este recital se pusieron a la venta el pasado 20 de diciembre, cuando se formaron grandes colas en los establecimientos autorizados y se vendieron unos 35.000 tiques en 24 horas. Las 5.000 entradas restantes para completar el aforo se han vendido desde entonces paulatinamente hasta agotarse por completo en sus tres modalidades cuyos precios eran de 61, 71 y 75 euros, 4 más que las de los recitales de Madrid -17 de julio- y Barcelona -19 y 20 de julio-. Los socios del Fútbol Club Barcelona serán los únicos que puedan acceder a las únicas entradas que quedan, para el concierto que tendrá lugar el día 19 en la ciudad condal.

Hasta el momento, en la gira de Springsteen no han participado ni su esposa, Patti Scialfa, ni el teclista Danny Federici, compañero de Springsteen desde principios de los años 70, este último por problemas de salud.

Los temas de Magic que siguen sonando son Radio nowhere , aunque no para abrir los recitales, como hizo en 2007, además de Gypsy biker , Livin´ in the future , Last to die o Girls in the summer clothes , esta última en el arranque de los bises. Los clásicos de su discografía que mantiene en el set list de 2008 son The river , Badlands , Jungleland , The promised land y, ya en el bis, Backstreets , Kitty´s back o Born to run .

Según los rumores que se han desatado, pronto surgirán nuevos temas, ya que se habla sobre la posible publicación de un disco del Boss este año; él mismo ha confirmado que está envuelto en varios proyectos, uno de ellos acústico. n.g.

Vía noticiasdegipuzkoa.com

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La Academia de Música premia a Fito & Fitipaldis por la mejor gira

2008-03-16T01:19:00.000-07:00

Más de un millón de espectadores han vibrado en los conciertos de su quinto superventas, 'Por la boca vive el pez'

16.03.08 - ÓSCAR CUBILLO

la Mejor Gira' en la 12 Edición de los Premios de la Música. El bilbaíno Fito Cabrales ha merecido el galardón gracias a la gira de su quinto disco oficial, el superventas 'Por la boca vive el pez' (DRO, 2006), del que ha vendido más de 300.000 copias. En total ha ofrecido 103 conciertos presenciados por un millón de espectadores. Cinco de ellos se celebraron en Argentina y Chile; allí con Andrés Calamaro.

Una vez completada la agotadora hoja de ruta, Fito se ha retirado a descansar y a pensar en su próximo álbum, aunque hará una aparición pública el 3 de abril en Valladolid para recibir personalmente el reconocimiento concedido por la Academia de la Música, un organismo creado por la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) y por Artistas, Intérpretes y Ejecutantes, Sociedad de Gestión de España (AIE) «con el ánimo de aunar, defender y promocionar los intereses de los profesionales que configuran el panorama musical desde su actividad industrial, académica, auxiliar o creadora».
En 2008 se están cumpliendo objetivos más altos de los que soñó Fito Cabrales, cuando robó tiempo a su antiguo grupo, el también exitoso Platero Y Tú, para editar su primer disco en solitario, el humilde y hostelero 'A puerta cerrada', que divulgó a lo largo de una gira de telonero de Extremoduro y con la que abrió brecha entre el gran público. Una década después, recibió el Disco de Diamante por haber vendido más de un millón de copias legales de su discografía.

Fito se encuentra en un pináculo popular que nadie ha superado en el circuito español. Y no se halla ahí arriba por mera casualidad. La actual situación es fruto del trabajo meditado y paciente y de la fe en sus posibilidades del cantante, guitarrista y compositor, y de su amigo y mánager personal, el Polako; así motejado por haber nacido en Barcelona.

El valor de un grupo

Ellos dos solos montaron la primera gira triunfante del grupo en locales medianos, de unas mil personas de aforo. Ni siquiera tenían oficina y el Polako, con la sencilla ayuda de un teléfono móvil, lo organizaba todo: alquiler de salas, negociación de cachés y condiciones, planificación de itinerarios... El Polako, parlanchín inveterado, siempre andaba atendiendo un teléfono que no dejaba de sonar ni de echar humo.

En un gesto que les honra y que demuestra su autoconfianza, Fito & Fitipaldis sólo actuaban en salas en las que se abonaba entrada. No querían dar conciertos gratis y al aire libre «porque entonces la gente no se acostumbra a pagar», justificaba el Polako, dando la razón al común de los promotores, que asevera que «un grupo vale lo que genera en taquilla».

Fito & Fitipaldis plantaron entonces una semilla que ha dado mayores cosechas cada año. Ahí medraba todo: el público, los aforos de los recintos, las ciudades donde requerían su presencia... Y el Polako y Fito se asociaron con la influyente agencia de conciertos Last Tour International y así han logrado organizar esta gira mastodóntica y merecidamente premiada; una gira de 103 bolos ante aforos entregados y vibrantes.

Via ideal.es

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El músico Jean Michel Jarre actuará en Madrid, Barcelona y Valladolid en el mes de abril

2008-02-13T01:23:00.001-08:00

Jean Michel Jarre actuará en Madrid, Barcelona y Valladolid el próximo abril

Considerado uno de los padres de la música electrónica, Jean Michel Jarre ha incluido España en su nueva agenda de conciertos, con citas en Barcelona, Madrid y Valladolid en las que mostrará en directo la nueva versión de su éxito discográfico 'Oxygéne', con motivo de su 30 aniversario.

El músico francés ha revisado este mítico disco aplicándole la última tecnología disponible, y volviéndolo a grabar a modo de actuación en directo en su propia casa.

Su primera parada española será el 21 de abril en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, para estar el 22 en el Auditorio del Campo de las Naciones de Madrid, y concluir su visita un día después en el Miguel Delibes de Valladolid.

Las actuaciones del músico francés están inscritas en una gira que comenzó el pasado 12 de diciembre en París, y que recorrerá pequeñas salas de Londres, Berlín, Italia y Estados Unidos presentando a su público la nueva versión discográfica que ha titulado 'Oxygéne: Live in your living room'.

Vía Terra Actualidad - EFE
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Luis Eduardo Aute Palau de la Música de Barcelona

2008-02-12T01:52:00.000-08:00

Aute abraza cuarenta años de trayectoria con sensación de 'estar empezando'

El artista Luis Eduardo Aute arranca mañana en el Palau de la Música de Barcelona la gira de su último trabajo, 'Humo y Azar', en el que ha reunido cuarenta años de trayectoria, con la sensación de 'estar empezando' su carrera.

El cantautor madrileño, de padre catalán y nacido en Manila (Filipinas), ha presentado hoy una gira que hasta finales de año le llevará primero a México, Argentina y Cuba, países esos dos últimos en los que también expondrá sus pinturas.
'Humo y Azar' es un trabajo reunido en un doble disco y en un DVD que recoge la actuación en directo que Aute ofreció en julio de 2007 en el Palacio Museo de Viana de Córdoba.

En el concierto barcelonés, incluido en el Festival de cantautores Barnasants, Aute ofrecerá durante dos horas y media una muestra de las canciones de amor interpretadas a lo largo de esos cuarenta años, sin renunciar a temas clásicos como 'Una de dos', 'Al alba' o 'Slowly'.

Los dos CD de 'Humo y azar' contienen canciones emblemáticas, entre ellas 'Pasaba por aquí', 'Imán de mujer', 'Alevosía', 'Mojándolo todo', 'Dos o tres segundos de ternura', 'Hafa Café' o 'Cada vez que me amas', entre otros.
Artista polifacético -músico, pintor, poeta y cineasta-, Aute ha señalado que a pesar de llevar cuarenta años en la música y cincuenta en la pintura 'estoy como si estuviera empezando, no tengo sensación de obra hecha, sino de obra por hacer, tengo sensación aún de aprendizaje'.

Aute, que ha intercalado en la rueda de prensa de presentación del recital el catalán y el castellano, ha dicho que a sus conciertos acuden menos personas 'de mi edad que de edades comprendidas entre los 20 y 30 años'.
'Son personas que ponen atención a las canciones, personas solitarias con problemas, con una necesidad de encontrar interlocutor que entienda las sensaciones de ser solitario', ha considerado Aute a partir de la experiencia extraída de sus conciertos y de las cartas o mensajes que le escriben.

Aute rechaza la palabra público y en lugar de ella prefiere utilizar personas, 'personas que están ahí y que necesitan escuchar algo que les va a aliviar y a hacer pensar'.
Las canciones de Aute son 'muy intimistas', ha valorado el propio cantautor, quien a la hora de escribir se inventa un interlocutor imaginario 'que me entienda, que me apoye'.
'Humo y azar' es el tercer álbum grabado en directo por Aute tras 'Entre amigos (1983) y 'Mano a mano', junto a Silvio Rodríguez (1993).

En Argentina y en Cuba el cantautor ofrecerá paralelamente a su recital una retrospectiva de su obra plástica, en una muestra de su actividad artística en la que separa las canciones 'intimistas y frágiles' de la pintura 'violenta y de gran formato, con energía', aunque ambas 'tienen el denominador común del ser humano como paisaje'.

En el capítulo de proyectos, Aute ha destacado la presentación de una canción dedicada a la barcelonesa Plaza Rovira, del barrio de Gràcia, en la que vivió su familia y él mismo.
La canción la presentará Aute en agosto como broche final a las fiestas del barrio barcelonés de Gràcia y la ha escrito en castellano aunque 'probablemente tendrá una adaptación en catalán'.

Terra Actualidad - EFE

Cambios en la gira de Jack Johnson en Barcelona y Madrid

2008-02-11T08:58:00.001-08:00

Cambios en los recitales de la gira de Jack Johnson en Barcelona y Madrid

Debido a la gran demanda de entradas y afluencia de público, los conciertos en España de Jack Johnson tienen que buscar recintos de mayores dimensiones.

Los previstos para el sábado 11 de marzo en el Palau Olímpic de la Vall d'Hebron (Barcelona), y para el domingo 12 de marzo en La Riviera (Madrid) cambian de recinto y se celebrarán en el Palau Olímpic de Badalona y La Cubierta de Leganés respectivamente.

JACK JOHNSON + Matt Costa + ALO
Sábado 11 de marzo 20:00h
Palau Olímpic de Badalona (Barcelona)
Domingo 12 de marzo 19:00
La Cubierta de Leganés (Madrid)

Vía qatro.net

Barón Rojo, su rollo es el rock

2008-02-11T08:44:00.001-08:00

El grupo de los hermanos De Castro volvió a tocar en Granada ante un público que se lo pasó en grande

El grupo de los hermanos De Castro pasó este fin de semana por Granada y Almería para celebrar el éxito de su tercer disco en directo aunque, al menos en Granada, la asistencia menguó en relación al reventón de 2007. A pesar de ser intocables en concierto, quizás no sea un grupo para repetir todas las temporadas.
Como anfitriones estuvieron los Borriqueros, una banda que está ahí, pero merecería estar más arriba por su muy digno rendimiento en concierto.

Los barones han remodelado una vez más el grupo, terminando con la estabilidad que aportaron Ángel Arias y José Martos; sus puestos los ocupan ahora Tony Ferrer, un histórico del rock español y Rafa Díaz de 'Easy Rider'. Si en la batería se tiene el buen tono de Martos, en el bajo sí se nota una mayor presencia del nuevo bajista en el resultado final, más grueso y omnipresente. Los hermanos De Castro mantienen el mismo reparto de papeles de los últimos años, el estelar y solista para el entusiasta Armando, que mantiene en alto la comunicación y las partes más explosivas del grupo, y la cada vez mayor discreción de su hermano Carlos, con una aspecto -aparte de estar muerto de frío-, no se sabe si de ausencia o concentración.

El programa del concierto es muy similar al que grabaron en el doble 'Desde Barón a Bilbao' -que mas o menos es el de siempre-, y donde se agradecen cosas menos transitadas como 'Fronteras', 'Cueste lo que cueste', 'Hombres de las cavernas' o 'Caballo desbocado' con ese riff inspirado en Angus Young. Material distinto de la colección de 'Obligatorios': 'Resistiré', 'Con botas sucias' 'Incomunicación', 'Concierto para ellos'... material que no pueden dejar de tocar y que al cabo de los años no languidece instrumentalmente porque va recibiendo retoques, como la larga intro a slide de 'Volumen Brutal' o el desarrollo blues de 'Incomunicación', con un Armando cada día mas lejos de encontrar sus límites y los fraternales punteos doblados o las coreografías de ambos, tan exactos como siempre. Material que adelantado por los lados es ya un clásico de rock duro, de buena crianza instrumental, aunque en ocasiones con sonrojantes simplezas literarias.

Hablan poco y tocan mucho, pero mucho, lo suyo y lo de otros, con guiños a Blackmore, ACDC.. en un medley a mitad de 'Los roqueros van al infierno', precedido por esa exhibición del precio de los peines marca Fender que sigue siendo las 'Czardas' de Vittorio Monti con las dos guitarras en formación y a todo trapo por el mástil.

El público, formado por una sorprendente mezcla de gente de los ochenta y los dos miles, con la notable ausencia de la generación intermedia, se lo pasó en grande, y es que Barón Rojo sigue siendo una magnífico grupo encima de un escenario, respetado por los propios, y gozoso para los ajenos. Algunas de sus canciones forman parte ya del acervo popular.

ideal.es

http://www.baronrojo.net

Actuará Led Zeppelin en el festival de Bonnaroo, en EU

2008-02-11T08:27:00.001-08:00

Tras el festival, que se celebrará del 12 al 15 de junio, los veteranos rockeros podrían incluso emprender una gira, señala el rotativo. Anteriormente ya se habían difundido rumores de que la banda planeaba dar un concierto en Nueva York.

Londres.- Tras su celebrado regreso en Londres, la banda de rock británica Lez Zeppelin volverá a tocar a finales de esta primavera (boreal) en el festival estadounidense de Bonnaroo, en el estado de Tennessee, informa hoy el “Daily Mirror” en su edición digital.

Desde el anuncio del concierto en Londres, que se celebró a principios de diciembre y en el que más de 20 millones de fans se disputaron los 20.000 tickets, corren rumores sobre una posible gira mundial.

Tras éxitos como ” Whole Lotta Love” o “Heratbreaker”, la banda se retiró de los escenarios en 1980 debido a la muerte por alcohol de su batería, John Bonham.

El concierto de Londres, el primer show en directo de la banda desde hace décadas, fue realizado en memoria del productor Ahmet Ertegun, que contribuyó enormemente al éxito de Led Zeppelin. Aunque oficialmente sólo estaba prevista esa actuación, los rockeros no han descartado hasta ahora la posibilidad de ir de gira.

DPA

Atahualpa Yupanqui será recordado en la tierra donde descansan sus restos

2008-02-09T17:59:00.001-08:00

El cantautor argentino Atahualpa Yupanqui será homenajeado hoy y mañana, jueves, cuando se cumplen cien años de su nacimiento en Cerro Colorado, la tierra que eligió como refugio y donde descansan sus restos, al pie de un viejo roble.

El pueblo, al norte de la provincia de Córdoba (centro), a unos 960 kilómetros de Buenos Aires, será el epicentro de los festejos que coronen este 'año yupanquiano' para recordar 'el legado siempre vigente' de Atahualpa, dijo a Efe Roberto Chavero, el hijo del artista, quien preside la Fundación Atahualpa Yupanqui.
Cerro Colorado acogerá hoy una muestra de artesanía regional, 'mientras que en un escenario montado junto a la iglesia del pueblo, distintos músicos locales van a homenajear al Tata (padre)', adelantó Chavero.

También hoy se inaugurará la muestra 'Yupanqui y su Cerro Colorado', con fotografías y objetos personales del cantante, guitarrista y poeta que son atesorados en un museo local que funciona en la finca de descanso de 'don Ata', nacido el 31 de enero de 1908 en el paraje de Campo de la Cruz (provincia de Buenos Aires) con el nombre de Héctor Roberto Chavero.
En el marco de esta exposición, se presentará el libro 'Guitarra, dímelo tú', de Liliana Abdala, un estudio de la poética de Yupanqui, y se realizarán talleres de quena, música latinoamericana y 'guitarra yupanquiana' -la particular forma de interpretar el instrumento que tenía Atahualpa.

Hoy se llevará a cabo un acto en el museo, donde se descubrirá una placa por los cien años del natalicio de Yupanqui, mientras que cerca de la medianoche el cantautor argentino Jairo, que cultivó la amistad con Yupanqui cuando ambos vivían en Francia, dará un recital en el parque local, a espaldas del Cerro Colorado.
'El espectáculo se llama 'Atahualpa por Jairo' y es un recital de canto y baile, con la guitarra de Juan Falú y el ballet de Juan Saavedra', contó Jairo a Efe.

En el museo de Cerro Colorado se instaló además un 'escenario abierto' para que 'con el canto, la poesía o la palabra, cada uno que se acerque pueda expresar espontáneamente su homenaje', apuntó Chavero.

Hoy por la tarde, el parque de la localidad cordobesa acogerá otro recital, donde actuará Roberto Chavero y el brasileño Demetrio Xavier, entre otros artistas.
Atahualpa Yupanqui murió en Nimes (Francia) el 23 de mayo de 1992, a los 84 años, y sus cenizas descansan en la finca de Cerro Colorado, a la sombra de un roble.

Vía Terra Actualidad - EFE

Pedro Aznar y David Lebón en Punta Ballena

2008-02-09T17:57:00.001-08:00

Hoy a las 22.30 hs. el boliche Medio y medio recibe a dos artistas que marcaron la música argentina. Pedro Aznar y David Lebón estarán junto al tecladista Andrés Beeuwsaert para dar un show de una hora y media, en el que recorrerán temas de antes y de ahora.

Con este espectáculo, el bajista Aznar y el guitarrista Lebón se juntaron para dar un ciclo de recitales en el teatro Ateneo, de Buenos Aires, y que luego se extendió por otros puntos de Argentina, llegando ahora a Punta Ballena. La cita es junto a la playa de Portezuelo, entrando en el cruce del Camino Lussich e Interbalnearia.

Vía elpais.com.uy

Más de diez mil personas presenciaron el recital de Los Auténticos Decadentes

2008-02-08T02:57:00.001-08:00

Fue imponente el marco de público que convocó el segundo recital de verano realizado anoche en la costanera de Puerto Madryn, donde Los Auténticos Decadentes desplegaron su repertorio haciendo disfrutar de su música a más de diez mil personas.

Al igual que en la oportunidad anterior la banda logró copar la rambla de Madryn, y logró divertir a un público variado, ya que se observó desde niños, hasta adultos, pero fue la concurrencia joven la que le imprimió brillo al espectáculo.
Se observó la presencia de gente que arribó de otras ciudades de la región para presenciar el recital gratuito y al aire libre que cada año ofrece el Municipio local.

Hubo un amplio operativo de seguridad que controló el predio y las inmediaciones para que la circulación vehi cular y el movimiento de espectadores sea el adecuado.
La banda repasó las canciones de su última placa y despertó la algarabía con los clásicos que los llevaron a la fama.

Los Auténticos Decadentes es un conjunto musical argentino formado en el año 1986 por Cucho, Nito y el Francés. Su estilo es una mezcla entre diferentes ritmos, que van desde el rock cumbiancha y llegan a la Balada o el Bolero inclusive, formando así un sonido único. Es considerada como una de las bandas de música más importantes del país, por su extensa trayectoria, la calidad de sus obras, su popularidad y su poder de convocatoria. Festejando 20 años tocaron en el Luna Park de Buenos Aires y grabaron un dvd en vivo que se editará a fin de año.

Sus canciones se cantan en los estadios de futbol por las "hinchadas" de todo el continente. En los últimos años han logrado un éxito en México muy importante, tocando en 2006 en el Palacio de los Deportes y en el 2007 en el Teatro Metropolitan. Algunas de sus canciones son ya clásicas en la vida nocturna latinoamericana como "Corazón", "Loco (Tu Forma de Ser)", "Entrega el Marrón", "El Murguero", "Los piratas", "La guitarra", "Vení Raquel".

Vía diariodemadryn.com

http://www.losautenticosdecadentes.com

Nick Cave & The Bad Seeds tocarán en Donostia el 24 de abril

2008-02-05T23:49:00.001-08:00

Será en el Polideportivo Anoeta, donde presentarán Dig, Lazarus, Dig!!!, su último disco.

La próxima gira europea de Nick Cave & The Bad Seeds recalará el 24 de abril en el Polideportivo Anoeta de Donostia-San Sebastián y, al día siguiente, actuarán en la sala Razzmatazz de Barcelona, según informaron en su web oficial (www.nickcaveandthebadseeds.com).

Nick Cave & The Bad Seeds es una banda de rock/post-punk con una alineación internacional y fluctuante. Los dos primeros miembros se conocieron en la desaparecida banda australiana The Birthady Party: Nick Cave (cantante y compositor) y Mick Harvey (músico). Luego se les unirían Blixa Bargeld (guitarrista de la banda alemana Einstürzende Neubauten), Hugo Race (guitarrista) y Barry Adamson (bajista y pianista). Con esta alineación en 1984 la banda debutó con el álbum From Her To Eternity. Entre sus trabajos poderosos The Good song, Nocturama.

La gira Europea del 2008 comenzará el 21 de abril en Lisboa y acabará el 7 de junio en Atenas, pasando por ciudades como París, Amsterdam, Dublin y Copenhague.

En esta gira Nick Cave & The Bad Seeds presentarán su nuevo disco, Dig, Lazarus, Dig!!!, que saldrá a la venta el 3 de marzo. En este decimocuarto trabajo de estudio, la banda ha tenido la estimable ayuda del conocido productor Nick Launay, quien también colaboró en el penúltimo álbum del grupo, Abattoir Blues/Lyre of Orpheus.

Vía eitb24.com
fotoblog

El grupo El Canto del Loco vuelve al velódromo de Anoeta en abril

2008-02-05T23:38:00.001-08:00

SAN SEBASTIÁN.DV. Debe de ser el grupo rockero que más veces ha actuado en la capital guipuzcoana. Los madrileños que componen la formación El Canto del Loco anuncian su enésima visita a Donostia y estarán de nuevo el viernes 25 de abril en un velódromo de Anoeta, que parece ser su casa.

Será la novena visita a Donostia, si el archivo no falla, donde actuaron por última vez en el mes de junio del 2006, precisamente en el mismo velódromo y presentando su exitoso cuarto disco Zapatillas, de momento su última grabación en estudio. El grupo dice estar grabando ya sus nuevas canciones y siguen presentando en consecuencia su caja recopilatoria en CD-DVD, Arriba el telón!. Dani Martín, David Otero, Chema Ruíz y Jandro Velázquez han pasado -además de por Anoeta- por Gazteszena, por Sagüés en Semana Grande, por el Kursaal y han actuado tres veces en la plaza de toros de Ilunbe.

Emergieron como fenómeno de fans, con un estilo rockero que abrevaba de las fuentes estilísticas del rock en castellano tipo Los Brincos y Tequila y su larga saga posterior. Un tipo de canciones pegadizas, interpretadas con desparpajo por un Dani Martín, que se ha ido convirtiendo en un rostro muy popular gracias además a sus apariciones televisivas y que levanta las típicas pasiones de los ídolos pop entre sus seguidores más jóvenes, particularmente entre la masa femenina. Se pueden leer las correrías del cuarteto en un reciente libro autobiográfico

El concierto de El Canto del Loco se anuncia 24 horas después de que el rockero australiano Nick Cave pase por el cercano polideportivo. Y antes de esas dos actuaciones, y en una temporada de ajetreo musical, se ha anunciado también en el velódromo el mano a mano Rosendo-Barricada (4 de abril), Iván Ferreiro (13 de marzo, Gazteszena), la recuperación del suspendido recital de Marlango (30 de marzo, Victoria Eugenia) y en el mismo teatro el doblete de Luz Casal (días 8 y 9 de abril) o la actuación promocional de Cómplices (10 de abril).

Febrero: Recital callejero de Callejeros

2008-02-04T04:05:00.001-08:00

Según admitió Horacio Lucero de la productora Musicalísimo, el grupo porteño Callejeros actuaría en Villa María el próximo sábado 23 de febrero.

“El lunes tendremos una reunión para cerrar el tema”, dijo el empresario al ser consultado. El espacio del concierto sería el anfiteatro municipal de Villa María, donde habitualmente se realiza el Festival de Peñas. Allí también tocaron Los Redondos, Los Piojos y La Renga.

Sobre la actualidad del grupo, cuyos miembros están procesados en la causa Cromañón por estrago doloso, se sabe que hay disco en puerta. “Están mezclándolo”, dijo una fuente allegada a Callejeros.

Vía LA VOZ DEL INTERIOR

JACK JOHNSON-SORPRENDE CON SU NUEVO SONIDO

2008-02-03T16:32:00.001-08:00

Con la aparición del quinto álbum de Jack Johnson, “Sleep Through The Static”, termina la espera de millones de fans que se enamoraron del cantante con su anterior trabajo, el multipremiado "In Between Dreams".

Reportes de hace meses comentan que el amante del surf agregó guitarras eléctricas a su clásico sonido de pop acústico. Sonido que ya se puede escuchar en el primer sencillo que se desprende de esta nueva producción, titulada If I Had Eyes.

Es una delicia descubrir que Jack Johnson nos puede sorprender con un sonido que podría recordarnos los momentos más pop de los Red Hot Chilli Peppers, lo cual significa un gran paso en la carrera del cantante originario de Hawai.

Artista: Jack Johnson
Titulo: Sleep Trough The Static
1er Sencillo: If I Had Eyes.
Fecha Lanzamiento: Febrero 5

Unas 8.000 personas disfrutaron del cierre de la Fiesta de la Pera

2008-01-31T01:37:00.001-08:00

Pese al temor por el clima, llenaron el predio de Allen La reina y el show de León Gieco, los platos más fueres.

ALLEN (AA).- Un masivo apoyo de todo el valle tuvo la noche de clausura de la X Fiesta Nacional de Pera.

El dato de una asistencia estimada en 8 mil personas devolvió tranquilidad a los organizadores que temían que el clima les arruinara la noche de coronación de la reina y el show de León Gieco.

Al cierre de esta edición, la gente aguardaba con ansias los espectáculos artísticos en el escenario mayor que, con mucho éxito, lució durante la noche del sábado y madrugada del domingo a JAF y a Vicentico.

Pasadas las 19 de ayer, gradualmente se iba incrementando la cantidad de público que ingresaba al predio del Sindicato de Camioneros.

Cientos de familias llegaron en micros o autos desde diferentes puntos del Alto Valle, dispuestos a disfrutar la última velada del homenaje a la producción.

El paso obligado inicial fue por la globa comercial que núcleo a varias propuestas. Desde productos de bellezas hasta servicios crediticios.

También registró afluencia el espacio de los microemprendedores locales que presentaron una vez más sus productos a todos los visitantes.

Otro de los atractivos fue el espacio que ocuparon los estudiantes del CEM 66, donde además de mostrar en funcionamiento el novedoso brazo robótico que le valió de innumerables reconocimientos, expusieron una singular silla de ruedas automática que recibe instrucciones por varios medios.

A pesar de que el constante clima de lluvia amenazó el desarrollo normal de la celebración, sus organizadores ya habían asegurado que "harían todo lo posible para garantizar el desarrollo normal durante la última jornada", a fin de no repetir el traspié de la noche de apertura -viernes-, cuando la intensa tormenta inundó el predio y obligó a "levantar" todos los números previstos, incluso la ansiada presentación de "Catupecu Machu".

En tanto, la noche del sábado, fue coronada exitosamente por el ex cantante de los "Fabulosos Cadillacs", quien deslumbró a los cerca de 8 mil asistentes, con un show de más de una hora y media.

Tras ello, pasadas las 4, un prominente espectáculo de fuegos artificiales sorprendió a todos, ya que no figuraba dentro de la programación.

Sin embargo, el público no ahorró críticas al momento de analizar la presentación de JAF y los constantes problemas de sonido, que por minutos paralizaba toda la actividad.

Más allá del duro revés que enfrentó la veintena de comerciantes de comidas rápidas que debieron resignarse a perder toda la mercadería que tenían para el viernes, las últimas dos jornadas lograron revertir la situación. "No tuvimos una ganancia buena pero por suerte tampoco registramos pérdidas, a pesar del miedo que teníamos por lo que pasó el viernes", indicó Matías Pereyra, dueño de un local de venta de hamburguesas, mientras atendía a una extensa filas de personas deseosas de cenar.

Anoche, el escenario se iluminó a pleno cerca las 21.50 cuando ingresó el tradicional "Ballet de la Patagonia" . Luego, fue el turno de las ocho postulantes, que a cada instante denotaban su nerviosismo ante el veredicto del jurado que conocerían minutos después.

Tras la entrega de los premios a los ganadores del concurso de pintura, llegó la presentación del reconocido cantante melódico local Lino Andrés, quien emocionó a todos con su repertorio.

Cerca de la medianoche llegaría el momento esperado con la coronación de la nueva soberana y de sus dos princesas.

Via rionegro.com.ar

NICK CAVE EN BARCELONA!

2008-01-30T00:37:00.001-08:00

Parece que no vamos a tener que preocuparnos (al menos los que somos de la Ciudad Condal) en si finalmente se celebrará el concierto en Donosti o no, ya que parece confirmada la presencia de Nick Cave & The Bad Seeds (sí, con los mismísimos) en la próxima edición del Primavera Sound 2008 que se celebrará en el Parc del Forum.

La noticia ha aparecido en un principio publicada a modo de fecha en la agenda de conciertos de la banda, y poco después y debido a la gran cantidad de comentarios al respecto aparecidos en el foro del PS, la propia organización ha tenido que admitir la contratación del australiano y compañía, aunque todavía no se conoce el día exacto de su actuación.

Los fans estamos de enhorabuena.

Beta.

Feist actuará en Madrid y Barcelona

2008-01-30T00:26:00.001-08:00

A los conciertos de Nick Cave & The Bad Seeds, Animal Collective, Einsturzende Neubauten, The Mars Volta y Queens of the Stone Age ya podemos añadir otro a la agenda imprescindible de la temporada: Feist actuará en Barcelona y Madrid el próximo mes de Junio.

El 7 de Junio actuará en el Apolo de Barcelona mientras que el 8 hará lo propio en la sala Heineken de Madrid. Las entradas ya están a la venta al precio de 23 euros (más comisión de venta).

Si en Séptimo Vicio ya elegimos a "The Reminder" como uno de los mejores discos de 2007, los dos videoclips lanzados con motivos de sus singles nos ofrecen algunos de los momentos más inspirados del pasado ejercicio. Puro color, finura y coreografías luminosas.

Fuente: David López - septimovicio.com

"Catupecu Machu" y "Los Cafres" en la costa atlántica

2008-01-29T02:05:00.001-08:00

Mega 98.3, continúa con su ciclo de Megaescapes de la temporada 2008 en las ciudades de Mar del Plata y Villa Gesell.

El martes, Catupecu Machu hizo vibrar el Complejo Pueblo Límite en un show de más de 2 horas en el que casi ningún tema de su discografía quedó fuera.

Por su parte, el recital de Los Cafres se realizó antes de ayer, miércoles 23 de enero, en la ciudad de Mar del Plata, a la cual los oyentes de la radio arribaron por la tarde, lo que les dio tiempo de dar un paseo por la playa y disfrutar una parrillada completa.

El show, que se realizó en Abbey Road, duró casi 2 horas y fue una verdadera fiesta en donde los asistentes pudieron escuchar canciones de toda su discografía.

Algunos oyentes de la mencionada radio se dieron el gusto de subir al escenario y compartir junto a Los Cafres los últimos momentos del recital.

Bersuit: Mucho vestuario, poco arte en el en el Patinódromo municipal

2008-01-28T01:47:00.001-08:00

Juan M. Quintanilla. Gustavo Cordera y sus secuaces pasaron por el Patinódromo: dieron un show fallido, acorde a una banda que ya no tiene nada más que ofrecer. Crónica sobre un mamarracho musical.

Bersuit (ex Vergarabat) estuvo en Mar del Plata. El pasado viernes, la banda liderada por Gustavo Cordera se presentó en el Patinódromo municipal, en un show de dos horas y media. Hasta aquí lo que podría ser el comienzo de una crónica tradicional de un recital más en este verano 2008, plagado de propuestas llegadas de Buenos Aires.

Sin embargo, el desarrollo normal de esta crónica se ve interrumpido por el desencanto que generó a este cronista presenciar el show del conjunto de Avellaneda.
Bersuit se cayó en picada; nada es lo que insinuó ser en los años previos a la masificación llegada con Libertinaje y De la cabeza. Algo cambió de repente en las formas de Cordera y compañía y las insinuaciones de los primeros años de trayectoria, se vinieron, de repente, a pique. Un show chato, con escasos puntos altos, donde poco fue lo que se pudo disfrutar en los más de 210 minutos que duró el recital. Desde afuera, pareció más un ensayo a puertas abiertas, con 6000 personas presenciándolo, que una presentación oficial del último disco (Bersuit), editado a fines del año pasado.

Foto: Nocturama Fotoblog

Comenzaron con Laten Bolas, el corte de difusión que suena en todas las radios, y siguieron con Mi vida, una cumbia rockera, con ritmo pegadizo para deleite de los más nuevitos en esto de seguir a la banda. Después fue el turno del popurrí con parte del repertorio de los primeros discos (Y punto y Asquerosa alegría). Un breve repaso de lo mejor de la discografía en donde se pudo escuchar efímeramente La papita, La logia iambo iombo, Como nada puedo hacer, Tu pastilla, Los elefantitos, Vamos no llegamos y Cielo trucho.

Así, en escasos quince minutos quedó representado lo más rico de Bersuit Vergarabat. Sólo un rápido paseo por las canciones que los identificaron como La banda under de la escena musical porteña. Una lástima.

Luego, llegó el momento de dar a conocer en vivo el nuevo disco. De eso se trataba el show. Pero ni siquiera esta idea parece estuvo bien desarrollada. Con una banda que sonaba correctamente y una gran puesta en escena de luces y pantalla gigante, Gustavo Cordera desencajaba en la armonía lograda por el resto de los integrantes de la banda, llegando al colmo de tener las letras anotadas en un papel en la mano. Su voz, desgastada, era muy bien sostenida por la de los “coristas” Daniel Suárez y Cóndor Sbarbatti.

Pasaron De ahí soy yo, bases de tango con apariciones de murgas para subirse a la moda ecológica de los grupos de rock argentinos (eso sí: gran producción de vestuarios para esta pieza: tangueros, murgueros, banderas alusivas y mucha coreografía arriba del escenario del patinódromo marplatense). Luego siguieron Ebrio sin razón (interpretada por el guitarrista Alberto Verenzuela), Humor linyera (un solo de voz y piano de Juan Subirá) y gran parte del tracklist del nuevo disco intercalado con canciones de Hijos del culo, La argentinidad al palo y Testosterona.

Pero también hubo tiempo para un par de mamarrachos musicales, totalmente innecesarios para un grupo con ocho discos de estudios y mucha variedad para poder omitir esto: El lechero y El guerrero; dos tracks del nuevo disco que muy poca gente cantó o bailó.
El final, luego de un par de amagues con abandonar el escenario, llegó con los “hits” Se viene, Murguita del sur y Sr. Cobranza. Un réquiem pegadizo para que los desmemoriados se queden con la imagen de un show potente y gente descontrolada saltando sin parar.

Pero nada de eso sucedió. Hubo un espectáculo con gran producción de vestuarios (lejos quedaron los tradicionales pijamas que usaban en cada presentación en vivo) y sonido potente; Murguitas y rock-pop cumbiero interpretados sin demasiado entusiasmo y la presentación en vivo de un disco que no convence a muchos. Un desperdicio, sobretodo para aquellos que pagaron 60 pesos por una platea.

(por Juan M. Quintanilla - ciudadabstrakta.com)

Café Tacvba se robó la noche

2008-01-28T01:35:00.001-08:00

Cone Cahuitl (Rubén Albarrán) se mantuvo de pie al frente del escenario. En silencio, cerró los ojos y entonces recibió toda la energía que unas 40 mil personas emitieron. “¡Tacvba, Tacvba!” se escuchó cual grito de guerra en la Plaza de Toros México, y entonces el músico no pudo ocultar su emoción.

Desde el inicio de la jornada en el Festival Rock en Exa, la noche del viernes, fue claro que la noche le pertenecía a Albarrán, Emmanuel del Real, Joselo y Quique Rangel.
Varias horas fueron las que tuvieron que esperar sus miles de seguidores para reencontrarse con el cuarteto mexiquense, en lo que fue prácticamente su segunda actuación masiva previa a su recital en el Palacio de los Deportes, que se realizará el 12 de marzo, como parte de su gira mundial.

En las gradas de la Monumental, algunos jóvenes intentaron acaparar la atención de la muchedumbre, y encendieron cartulinas para luego lanzarlas. Rápidamente otros muchachos les pidieron que se detuvieran o podían provocar un lamentable incidente. Los ánimos estaban realmente encendidos.
La ovación y los piropos (por parte de las féminas) fueron principalmente para Cone Cahuitl y Meme. “¡Te amo!”, gritó excitada una chica al vocalista de Café Tacvba, quien salió al entarimado ataviado con su traje y su ya inconfundible sombrero color blanco.

“No controles” fue la primera de las siete canciones que los Tacvbos interpretaron esa noche en la Plaza de Toros México.
Le siguieron “Las flores”, “Volver a comenzar”, “Eres”, “El fin de la infancia” y “La chica banda”.
El ya tradicional “¡Parapapa parapapa paraapampa pa pa eu euuu! retumbó en la Plaza de Toros. Era la señal de que la canción “El baile y el salón” estaba por comenzar. Una pareja se tomó de las manos, y se unió a la petición, misma que el cuarteto cumplió a su público.
Abuchean a Azul Violeta

La diferencia generacional entre los fans de Azul Violeta, Molotov, Liquits y Kinky fue clara. Mientras la primera fue abucheada durante su actuación en el mencionado festival, las otras dos gozaron de gran recepción por parte de la audiencia.
Y es que aunque el grupo jaliciense —cuya alineación original regresó a los escenarios tras siete años de ausencia— cuenta ya con una amplia experiencia en la escena musical, los jóvenes demostraron sentirse más identificados con las propuestas de las otras tres bandas.
El resto del cartel del Rock en Exa estuvo conformado por Los Concorde, Bengala, Volován, Thermo y Sonidero Nacional.
La música calmó los ánimos

Sólo la música logró calmar los ánimos encendidos entre el público del festival Rock en Exa, luego de que un par de horas previo al concierto se suscitara una batalla entre la seguridad del lugar y cientos de asistentes.
Botellas, cajas de cartón y cuanto objeto tuvieron a la mano fueron arrojados por decenas de jóvenes, que enfurecidos intentaron incomodar a los policías que les impidieron saltar de las gradas al ruedo. Con gritos, recordatorios a sus progenitoras y palabras altisonantes respondieron los chicos a los policías que tomaron a los muchachos que llegaron al ruedo.

(vía vanguardia.com.mx)

La actriz Juliette Lewis regresa a Madrid y Barcelona con su banda The Licks Juliette & The Licks

2008-01-25T01:34:00.001-08:00

La banda liderada por la actriz estadounidense reconvertida en estrella del punk-rock Juliette Lewis, regresa a España para presentar su nuevo álbum, 'Four on the floor', con el que actuará hoy en Madrid y el viernes en Barcelona.

De candidata al Óscar por 'El cabo del miedo' (1991), donde compartía con Robert de Niro una de las escenas más conocidas del cine reciente, a drogadicta reconocida. La redención de Juliette Lewis llegó a través de la que siempre fue su primera vocación, la música.
Con el punk-rock de Juliette & The Licks llegó la catarsis para Lewis -'Kalifornia', 'Asesinos Natos'-, quien logró amplio reconocimiento crítico con su debut 'You're Speaking My Language', álbum que ya llevó al directo en España hace dos años.
Ahora el cuarteto regresa para ofrecer una breve gira de dos conciertos que comenzará mañana en Madrid, en la sala Heineken, y que les llevará el viernes a Barcelona -Espacio Movistar- con los que el público español podrá disfrutar de nuevo de la provocadora energía sobre el escenario de la estadounidense.

Terra Actualidad - EFE

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RECITAL GRATUITO EN LA COSTA MADRYNENSE Esta noche la Mancha de Rolando se presenta en Brown y Lugones

2008-01-24T00:36:00.001-08:00

Esta noche La Mancha de Rolando se presenta en Brown y Lugones

Los ya tradicionales recitales de verano comienzan hoy con la presentación de La Mancha de Rolando; que actuará desde las 22.00 en el escenario de Boulevard Brown y Lugones, con entrada libre y gratuita.
Este grupo está integrado por Carlitos (bajo); Conde (piano); Franchie (guitarra); Tano (batería) y Manuel Quieto (voz y guitarra), es una banda de rock de la provincia de Buenos Aires, más precisamente de Avellaneda, nacida en los 90´.

Comenzaron a tocar en el barrio y con amigos hasta que en 1994 deciden grabar su primer disco -El cóctel del Tío Pupi-. Los cuatro integrantes de la banda inician al año siguiente su primera gira por la costa atlántica. Ese año son votados como Banda Revelación en la encuesta del Sí de Clarín y superados en la del No de Página 12 solamente por La Renga. En 1996 graban La Ley del Gomero, su segundo disco, con invitados como Chizo de La Renga, el Pelado Cordera de Bersuit Bergaravat y Calvin de los Auténticos Decadentes. Durante 1998 tocan en varios lugares, entre ellos Cemento, y continúan con su ya tradicional gira de recitales por diferentes barrios, plazas y parques de Buenos Aires. En 1999 comienzan con otra exitosa gira por la costa atlántica, al igual que en años anteriores, donde presentan su última producción -Cintas mágicas- un compilado de edición limitada que reúne nuevas versiones de temas ya editados, temas en vivo, acústicos y las últimas canciones de la banda.

El 2000 los encontró presentando su quinta producción -Animal humano-. Primer Cemento es la grabación en vivo del recital del 27 de abril de 2001 y 10 años en la ruta es un compilado con lo mejor de los recitales realizados durante el 2000 y el 2001.
A fines del 2001 editaron Juego de locos que es presentado en la Costa Atlántica durante el verano, con gran convocatoria en los balnearios, teatros y bares. Invitados a participar del Cosquín Rock, luego hacen la presentación oficial de Juegos de locos en Cemento, y realizan una gira por el interior del país, que los lleva a ciudades como Córdoba, Rosario, Santa Fe, Mendoza, Río negro y Neuquen. El verano del 2003 los encuentra nuevamente por las playas y por segundo año consecutivo en Cosquín. Cintas mágicas, Volumen 2 (2003) es un disco con nuevas versiones de clásicos y algunos temas estreno, todo en formato acústico.

Viaje fue lanzado en marzo de 2004 a través del sello PopArt producido por el ex GIT, Pablo Guyot, tuvo muy buenas críticas de la prensa y gran difusión gracias a los cortes Calavera y Buscar.

En abril de 2006 lanzan Espíritu, producido por la misma banda, sus 12 tracks terminan de darle un sonido que los identifica. Con el título Riesgo, amor y fantasía lanzaron el primer DVD de la banda con videoclips, sets acústicos y videos inéditos del realizador Diego Pernía.

http://www.MANCHA DE ROLANDO.com

LA BANDA BRITÁNICA VISITARÁ MADRID Y BILBAO The Police actuará en Valencia el día 2 de julio en el estadio Ciudad de Valencia

2008-01-23T02:32:00.001-08:00

CARLOS AIMEUR

VALENCIA.- Han sido meses de ardua negociación. De hecho, en los mentideros musicales se comentaba la posibilidad como una hipótesis razonable, pero es hoy cuando la Diputación de Valencia anunciará el concierto sorpresa del verano. Casi a traición. The Police estarán en el estadio Ciudad de Valencia del Levante el 2 de julio, en una nueva fecha en España que unir a las dos ya confirmadas del 4 de julio en Bilbao y el 5 de julio en Madrid, dentro de la primera edición europea del festival Rock in Rio.

Valencia, además, será la única ciudad que acoja el tour europeo de The Police ya que las otras dos actuaciones serán en el marco de sendos festivales. La presencia del trío formado por Sting, Andy Summers y Stewart Copeland, llega tras haberse especulado con la posibilidad de celebrar el concierto en otras localidades de la Comunidad Valenciana.

Fue el apoyo decidido del presidente de la Diputación de Valencia, Alfonso Rus, el que concretó el cierre del contrato entre los managers del grupo y las instituciones valencianas. Alfonso Rus será precisamente quien presente el concierto hoy en la sede de la corporación junto al responsable de la promotora musical Music Community, Enrique Ybarra.

El concierto entra dentro de los planes provinciales para 2008 Sona la Dipu. Asimismo, la corporación será la patrocinadora de un segundo concierto de una primera figura del pop-rock internacional dentro de esta iniciativa.

En principio, y según fuentes consultadas, esta actuación sería la del colombiano Juanes, ganador de 13 premios en los Grammys Latinos, de quien ya se había anunciado que ofrecería un concierto el próximo 1 de Julio en la Plaza de Toros de Valencia.

En su espectáculo en Valencia el artista colombiano interpretará los nuevos temas de su último disco La vida es un ratico, junto a canciones tan consolidadas como 'A Dios Le Pido', 'Fotografía', 'Volverte a ver' o 'La Camisa Negra'. El cantante de Medellín es una de las principales figuras de la música latina y cuenta con una legión de seguidores en España.

Con todo, el protagonismo recaerá en el concierto de The Police. El trío británico regresó el pasado año a los escenarios para celebrar el treinta aniversario de su debut discográfico, en una gira mundial en la que dieron un único concierto en España, el 27 de septiembre en Barcelona. Desde el inicio de esta gira, en mayo del año pasado, The Police ha ofrecido casi cien conciertos en todo el mundo y ha vendido más de dos millones de entradas.

Considerada como de una las formaciones imprescindibles de finales de los setenta y ochenta, el trío tiene en su haber algunas de las canciones más populares de las últimas décadas, como 'Every breath you take', 'Roxanne', 'Every little thing she does is magic' o 'Don't stand so close to me'.

The Police también tiene previsto actuar el 4 de julio en las campas de Kobetamendi en la primera jornada del festival Bilbao BBK Live, que en su tercera edición se prolongará durante tres días, hasta el 6 de julio.

Si bien tanto la contratación de Bilbao como la de Valencia se encuentran ya cerradas, ninguna de las dos aparece todavía en la página web oficial del grupo. El nuevo proyecto cultural de la Diputación de Valencia, Sona la Dipu, pretende ser una fórmula para facilitar la presencia en las principales localidades valencianas de los mejores conciertos internacionales.

via elmundo.es

Conciertos de Jack Johnson en Barcelona y Madrid en Marzo

2008-01-22T03:54:00.001-08:00

El emblemático campeón de surf y ahora cantante Jack Johnson, tocará el Sábado 11 de Marzo en el Palau Vall Hebrón de Barcelona y un día después en la Sala La Riviera de Madrid donde presentará su ultimo disco “In Between Dreams” y su nuevo aun no publicado.

“In Between Dreams” es el tercer trabajo y el que más éxito ha tenido hasta el momento de Jack Johnson, un álbum playero con sonidos grooves en el que destacan dos canciones “Sitting, Waiting, Wishing” y “Good People”.
Jack Johnson publica el próximo 27 de Febrero nuevo álbum, la banda sonora original de la película “Curious George”, con 13 canciones y colaboraciones con Ben Harper, Matt Costa y G. Love.
Finalmente Jack Johnson y su álbum “In Between Dreams” está nominado en dos categorías: mejor interpretación masculina y mejor colaboración pop en los próximos Premios Grammy que se entregarán el próximo 8 de Febrero en Los Ángeles.

http://www.jackjohnsonmusic.com/

La bestia del rock Juliette Lewis

2008-01-21T18:27:00.000-08:00

Juliette Lewis regresa a España con su banda para repasar lo mejor de sus dos discos 'Y muchas sorpresas'

JULIETTE & THE LINKS.- Día: 23 de enero. Lugar: Sala Heineken. Hora: 19.30. Precio: 23 euros.

JOSÉ LUIS ROMO

Fue la morbosa adolescente de 'El cabo del miedo', a las órdenes de Martin Scorsese, y la despiadada psicópata de 'Asesinos natos'. Pero Juliette Lewis ha dejado atrás los focos de Hollywood para trasladar su provocativa presencia a los escenarios con su banda de garage, Juliette & The Licks.

Un grupo con el que demuestra que lo suyo va en serio y que no es otra actriz oportunista metida a cantante. «Nunca me ha importado que la gente se interese en mi música por el hecho de ser famosa, nadie puede decirme qué tengo que hacer. Cantar siempre ha sido mi pasión», afirma.

La californiana regresa a España para promocionar la edición en DVD de su segundo álbum, 'Four on the Floor', en dos paradas: Madrid y Barcelona. «Tocaremos material antiguo, pero queremos hacer algo muy divertido, con sorpresas y también reinterpretaciones de nuestros propios temas. Para mucha gente será como vernos por primera vez». Quizá entre esas sorpresas se encuentre algún adelanto de las canciones del nuevo álbum que esta devota confesa de Led Zeppelin o The Pixies dice tener compuesto. «Aún faltan algunos meses para que se publique. De momento, estamos haciendo las primeras pruebas en el estudio y vamos a tratar de experimentar».

Pero el hábitat en el que mejor se mueve Juliette es el cara a cara con el público. Embutida en estilismos imposibles que ella misma elige (como llevar bikini y rodilleras o plumas indias en la cabeza combinadas con chándales dorados), hace alarde de actitud punk y contorsionismo para delirio de sus fans, sobre todo en rabiosos temas como You’re Speaking My Language o Sticky Honey.

«Nuestro rock es pasional, duro, muy fuerte. Estoy acostumbrada a trabajar con las emociones, por eso creo que conecto tan bien con el público. Siento electricidad en cada uno de mis shows y en ellos se puede ver mucho más de nosotros que en los discos».

Así pues, parece poco probable que la protagonista de 'Kalifornia' vuelva a los platós («adoro hacer películas, pero cuando estás todo el día en la carretera es imposible») y reniega de su pasado en la Meca del cine y de sus estancias en clínicas de rehabilitación –financiadas por la iglesia de la Cienciología– por sus adicciones. «Hollywood es tan sólo una ciudad superficial y vacía. Creo que nadie que quiera dedicarse de verdad al arte debería tomar drogas. Me he convertido en alguien muy espiritual y saludable, para hacer buenos espectáculos es muy importante mantener la forma». Ella, desde luego, está de primera.

elmundo.es

El recital de Kusturica en Santander se adelanta al día 31 de este mes

2008-01-21T00:31:00.001-08:00

La sala Argenta acogerá a la banda del cineasta No Smoking Orchestra

El recital de Emir Kusturica y la No Smoking Band, previsto para el 29 de febrero, se ha adelantado por causas ajenas al Palacio de Festivales al jueves 31 de enero, según se anunció ayer.
La actuación de la No Smoking Orchestra, banda creada en Sarajevo en 1980 por Nelle Karajilic, y dirigida en la actualidad por el cineasta Emir Kusturica tendrá lugar el 31 de enero, en la Sala Argenta del Palacio de Festivales, a las 20.30 horas. Las entradas que ya se han vendido para el recital serán válidas para la nueva fecha, mientras que a aquellos que no puedan acudir el 31 de enero, les será reintegrado el importe de las mismas. El Palacio ha pedido disculpas por los contratiempos ocasionados por este cambio, que según precisa se produce por «motivos ajenos» al mismo. La No Smoking Orchestra es una banda creada en la convulsionada Sarajevo de 1980 por Nelle Karajlic, quien originalmente pensaba hacer de aquella una agrupación anarco-punk, pero sin olvidar nunca sus raíces. Hoy, la cabeza visible de la banda es Emir Kusturica -conocido en occidente por su actividad cinematográfica-, y el desarrollo que ha alcanzado es notable. Musicalmente la banda -integrada en su totalidad por músicos de la ex Yugoslavia- es una extensión de la variedad y fragmentación de los Balcanes, con un espíritu de 'rock and roll' que convoca a su alrededor corrientes que provienen del jazz, el folk o la música gitana, con una notoria presencia de ritmos centroeuropeos, como la polca, e incluso árabes, producto de la presencia islámica en la región.

Bandas sonoras

La No Smoking Orchestra, compositores e intérpretes de las bandas sonoras de las últimas películas de Emir Kusturica, participaron entre finales de junio y mediados de julio en las representaciones de la ópera punk 'El tiempo de los gitanos' en la Opera de la Bastilla de Paris. La puesta en escena era de Kusturica , y la música, interpretada por la No Smoking Orchestra junto a la Garbage Serbian Philarmonic Orchestra, fue compuesta por Dejan Sparavalo, Nenad Jankovic, Stribor y Kusturica. Esta readaptación para ópera de la película con la que Emir Kusturica ganó el premio al mejor director en el Festival de Cannes de 1989, aparece en el nuevo disco de la banda, que salió al mercado en septiembre 2007 con el mismo título, 'Time of the Gypsies' (Decca/Universal). Kusturica y la No Smoking Orchestra, con su formación habitual, regresan a la carretera y estarán de nuevo en gira en 2008, con un repertorio que incluirá temas de las bandas sonoras de las películas de 'Gato negro, gato blanco' y 'La vida es un milagro', además de una adaptación 'Unza unza', para el escenario, de 'El tiempo de los gitanos', y sin duda de algunos títulos de la banda sonora del nuevo largometraje del director de 'Papá está en viaje de negocios'.

(via eldiariomontanes.es)

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L'Orfeó improvisará jazz por primera vez en un concierto con McFerrin

2008-01-14T03:52:00.001-08:00

Barcelona. (EUROPA PRESS).- El Palau de la Música celebrará a lo largo de este 2008 su centenario con una multitud de actos especiales, como el concierto que dará el 9 de mayo el Orfeó Català junto al artista de jazz Bobby McFerrin y en el que el coro por primera vez improvisará jazz, según explicó el presidente de la Fundación Orfeó Català - Palau de la Música Catalana, Félix Millet.

McFerrin, autor de la mítica canción 'Don't worry, be happy' y ganador de diversos premios Grammy, contará en esta ocasión con el acompañamiento del Orfeó Català, aunque la requerida improvisación hará que el coro probablemente no conozca las características de su actuación hasta las pruebas de sonido que se realicen el mismo día del concierto, tal como dijeron en rueda de prensa fuentes del Palau de la Música Catalana.

Entre los actos conmemorativos del centenario del Palau también destaca el concierto del maestro del sitar y referente de la música hindú, Ravi Shankar, que junto a su hija Anoushka ofrecerá el 1 de junio en el Palau uno de los tres conciertos de su última gira europea, ya que el músico se dedicará a partir de ahora a trabajar para su fundación.

Planes de internacionalización

El director del Palau de la Música Catalana explicó que uno de sus objetivos de futuro es que el Palau se internacionalice ya que, según consideró, es "un edificio carismático y patrimonio de la humanidad con una gran programación anual". Millet avanzó, además, que en 2009 el coro de cámara del Palau podría profesionalizarse -en Catalunya solo el del Gran Teatre del Liceu es profesional-.

El conseller de Cultura, Joan Manuel Tresserras indicó que debe tener el "reto de la modernización" para así "llegar a más públicos", y confió en que la institución siga profundizando "en lo que viene haciendo en los últimos años: hacerse más transversal, moderno, menos burgués y más vertido a los nuevos sectores dinámicos interesados en la música que proliferan en nuestro entorno".
El acto más moderno y "rompedor", según Millet, que ha programado el Palau para su centenario es una producción especial del Festival Sónar de la que los directivos del Palau sólo saben, según afirmaron, que será "espectacular y la gente estará encantada".

En la programación de este centenario también se ha tenido en cuenta el panorama nacional musical, del que se han elegido los recitales de Joan Manuel Serrat (10 de febrero) y Raimon (27 de febrero) y la conjunción de Enrique Morente con el jazzista Pat Metheny Trio (8 de julio).

La inauguración de este centenario se celebrará el jueves 7 de febrero con un concierto dedicado a los socios del Orfeó Català y el sábado 9 de febrero con un día de puertas abiertas y un concierto a cargo de la Orquesta Austrohúngara Haydn Philharmonie y el Orfeó Català.

Además de conciertos, la celebración del centenario del Palau contempla cuatro exposiciones --una de ellas virtual, ya que en la web del Palau se expondrán las 100 partituras y manuscritos más importantes que se archivan en la biblioteca de la institución--, un documental de casi una hora en el que Montserrat Caballé, Ángel Corella, Ult Lemper, Óscar Tusquets y Zubin Mehta muestran los valores artísticos y arquitectónicos del Palau.

El presupuesto estimado para toda la celebración del centenario asciende a seis millones de euros, 1,9 de los cuales se prevé recaudar en taquilla, mientras que el resto proviene de varias aportaciones: la Fundación del Palau aporta 1,1 millones de euros, el Ministerio de Cultura, 2 millones, la Generalitat colabora con 700.000 euros, el Ayuntamiento de Barcelona con 250.000 euros y la Diputación de Barcelona con 100.000 euros.
El presidente del Palau de la Música Catalana, Félix Millet, anunció que la entidad presentará de nuevo este año su candidatura al premio Príncipe de Asturias de las Artes.
En materia urbanística, Millet explicó que la fachada del Palau que da a la calle Amadeu Vives quedará a la vista cuando a finales de este año empiecen las obras de derrumbe del edificio que hay justo enfrente. Está proyectado, según el presidente del Palau, que en esa zona se haga una plaza simétrica a la que hay en la entrada principal y que además se construya el 'Hotel del Palau de la Música Catalanà en un espacio contiguo al Palau.

(via lavanguardia.es)

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Woody Allen y su banda de jazz abren hoy la nueva temporada del Palacio de Festivales de Cantabria

2008-01-04T03:24:00.001-08:00

El actor, director, Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2002 y ocasional clarinetista Woody Allen, acompañado de su banda de jazz, abrirá hoy viernes la programación de la nueva temporada del Palacio de Festivales de Cantabria. El recital será a las ocho y media de la tarde en la Sala Argenta del Palacio.

Junto a Woody Allen (clarinete) tocarán este viernes en el Palacio de Festivales Eddy Davis (director musical y banjo), Conal Fowkes (contrabajo), Robert García (batería), Cinthya Sayer (piano), Simon Wettenhall (trompeta) y Jerry Zigmont (trombón).
Woody Allen & his New Orleans Jazz band llegarán a Santander después de visitar otros tres teatros españoles: el Liceu de Barcelona, donde ofrecieron el concierto de Año Nuevo; el Kursaal de San Sebastián; y el Teatro de la Ópera de La Coruña, en el que recalaron ayer.
Estas cuatro citas de la banda en España están incluidas en la gira europea más extensa realizada por Allen hasta la fecha, y que pasará por Bruselas, Luxemburgo, París --con dos shows en el Théatre du Chatelet--, Budapest, Atenas y Lisboa.
Estos conciertos de Woody Allen en España suponen el regreso del cineasta neoyorquino tras el rodaje de la película 'Vicky Cristina Barcelona' el pasado verano en Barcelona y Asturias. La película está protagonizada por Scarlett Johansson, Penélope Cruz y Javier Bardem.

(via Terra Actualidad - Europa Press)

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Woody Allen reactiva su sintonía con BCN en su debut en el Liceu

El director y clarinetista viajó a la raíz del jazz ante un público respetuoso que tardó en calentarse. El recital incluyó dixieland, espirituales negros y citas a Louis Armstrong y Ernesto Lecuona

JORDI BIANCIOTTO - BARCELONA

El jazz de Nueva Orleans es esa música ejecutada por instrumentistas negros en antros humeantes del French quarter, en la capital sureña. Borremos la información y volvamos a empezar: el jazz de Nueva Orleans es también un género practicado por caballeros blancos neoyorquinos en teatros de la ópera europeos. No pasa nada; el respeto por las esencias está garantizado por el señor Woody Allen, un erudito de la tradición afroamericana que, anoche, en su debut en el Liceu, reforzó complicidades con Barcelona viajando al dixieland y el ragtime; al blues y a las canciones espirituales.
Un repertorio "de funerales, fiestas de cumpleaños, prostíbulos e iglesias de Nueva Orleans", apuntó Allen, que utilizó el inglés en sus contados comentarios. Tras desear a los asistentes un feliz Año Nuevo, planteó sus intenciones. "Intentaremos entretenerles el resto de la velada. Relájense". Se sentó, se quitó el jersey y sumó su clarinete a un calculado guión oficiado por la New Orleans Jazz Band. Del pasaje ceremonioso al ritmo de fiesta callejera; música fechada en las primeras décadas del siglo XX que permitía constantes lucimientos solistas. Entre estos, algunos solos ajustados, de improvisación un tanto limitada, a cargo del propio Allen. Desde luego, fueron los más aplaudidos.

CUATRO VOCES

Entre las canciones elegidas, guiños a Louis Armstrong, como Basin street blues, y rescates de partituras remotas, como I scream, you scream, we all scream for ice cream, con su juego de palabras lanzado por el trompetista Simon Wettenhall. La voz cantante corría entre este y Conal Fowkes, el pianista, con diversas incursiones a cargo de John Gill (batería) y el director de la banda, Eddy Davies (banjo).

Allen no cantó, aunque no hay que desestimar la exhibición solista de su pierna izquierda, en constante estado percutivo; un recital en sí mismo. Tanto él como toda la banda mostraron durante la actuación una actitud desenfada, propia de un club nocturno, que chocaba con el porte sobrio de un público que se limitaba a aplaudir las intervenciones solistas y que no se calentó hasta el final. Cosas del efecto Liceu.

Fowkes emprendió un curioso asalto latino con citas al cubano Ernesto Lecuona, del que rescató Say sí, sí, y Para Vigo me voy, con un texto en castellano que resolvió con agilidad. Hacia la recta final, Allen tomó la palabra por segunda y última vez para presentar a los miembros de la banda. Subrayó el "gran, gran, gran honor" que suponía para él actuar en el coliseo operístico, y reafirmó, por si alguien tenía algunas dudas, su simpatía por la ciudad. "Me encanta estar en Barcelona", aseguró el realizador y músico.

Y, ahora sí, con el público en pie, cayeron las piezas más reconocibles de la noche: Joshua fit the battle of Jericho, Down by the riverside y Sweet Georgia Brown; estrofas espirituales negras que calaron en un Liceu que dejó atrás la compostura y apoyó con palmas las interpretaciones. Transcurrida una hora y 45 minutos de actuación, Allen introdujo el clarinete en su maletín y desapareció con su discreción natural. Otra noche de civilizada y matizada allenmanía en Barcelona.

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Recomendaciones para el show de Soda Stereo

2007-12-21T10:48:00.001-08:00

Como en las anteriores presentaciones de Soda Stereo, la organización emitió un comunicado con una serie de recomendaciones para quienes vayan hoy al estadio de River Plate a ver la despedida del trío.

Se sugiere al público que conserve su entrada hasta finalizado el show (aunque seguramente muchos la conservarán como prueba del “haber estado allí”). No estará permitido el ingreso al estadio con bebidas ni comida, tampoco banderas más grandes de 1 metro por 1 metro, camisetas o prendas con insignas deportivas y, desde ya, nada de pirotecnia, objetos contundentes, cortantes o inflamables. Tampoco se podrá entrar al estadio con cámaras y filmadoras profesionales.

Quienes tengan entradas para campo y platea Belgrano ingresarán por Av. Udaondo y Av. del Libertador. Quienes hayan comprado para la platea San Martín o para popular tendrán acceso por Av. Figueroa Alcorta. Las puertas del estadio se abrirán a las 16 y se recomienda llegar temprano, para evitar colas molestas de último minuto cuando comience el show a las 21.

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Estalla la burbuja El show de esta noche cierra una gira con números para el asombro. Ayer, el trío se asomó al balcón de la Casa Rosada.

2007-12-21T10:46:00.001-08:00

Por Roque Casciero

Las burbujas son encantadoras, cualquier infante puede dar fe. Parecen formarse por arte de magia, como si el aire decidiera ponerse a brillar. Pero, claro, son efímeras. Y la “burbuja en el tiempo” que trajo de regreso a Soda Stereo está a punto de desaparecer. Sólo que, acorde con el gigantismo con que el trío se plantó diez años después de su primer adiós, esta burbuja hará mucho ruido al estallar: será esta noche en River, a esta altura casi la segunda casa de Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti. En esta nueva despedida, a diferencia de lo que sucedió en los conciertos anteriores, Soda sí tendrá como invitados a viejos compañeros de ruta como Carlos Alomar (ex músico de David Bowie e Iggy Pop y productor de Doble vida), Richard Coleman, Andrea Alvarez y Fabián Quintiero. También se supone que la lista de temas será más larga y que incluirá algunos temas que no sonaron en Buenos Aires. Pero lo que sí es seguro es que con este sexto show en el estadio más grande de la Argentina, Soda Stereo romperá un record más, el que ostentaban allí los Rolling Stones, con cinco presentaciones en una misma gira. Como para ir ensayando la épica del adiós, el trío se dio ayer el gusto de asomarse al balcón de la Casa Rosada, donde tuvo una entrevista de cuarenta minutos con la presidenta Cristina Fernández de Kirchner.

El de River no es el único número abrumador. Cuando termine el concierto de esta noche, la cantidad de personas que los habrá visto volver (y volver a despedirse) superará el millón, en 22 conciertos en buena parte de América. Fueron record también en Chile (130 mil espectadores), juntaron a 180 mil mexicanos en sus shows en el Distrito Federal, Monterrey y Guadalajara, a 95 mil peruanos, a 52 mil venezolanos... Y como si con los seis River no fuera suficiente, en su único show en el interior de la Argentina superaron la marca de 41 mil personas que habían establecido los Redonditos de Ricota en 2001: 48 mil vieron a Soda Stereo en el Chateau Carreras de Córdoba. A esta altura, nadie puede discutir que el trío fue y es la banda más importante de la historia del rock en español.

Si de cifras se trata, las especulaciones sobre los millones que embolsarán los músicos por este retorno que ya termina desvelaron a más de un cronista, especialmente porque circuló el rumor de que la vuelta sólo respondía a motivos económicos. Ellos lo desmintieron en la conferencia de prensa que hicieron el 21 de septiembre en Museum, donde por primera vez se los vio tocar juntos exactamente una década después de las “Gracias... ¡totales!”. En esa ocasión, Alberti dijo que no tendrían problema en admitir que volvían por el dinero “si fuera verdad”. “En ese caso, habríamos vuelto hace siete años, porque nos están ofreciendo muy buen dinero desde hace tiempo. Y estar juntos nos hubiera provisto una situación económica mucho mejor que estar separados.”

Lo cierto es que la relación entre el trío, que era pésima en el momento del adiós en 1997, mejoró con el paso del tiempo, e incluso se fortaleció durante la gira, según le dijeron a Página/12 fuentes muy cercanas a los tres. En Museum, Cerati recordó haber dicho que no querían volver cuando estuvieran muy patéticos. Desde el concierto inicial de la gira, el 19 de octubre, Soda Stereo puso en evidencia que no hay un asomo de patetismo en su propuesta artística, por más que el tono nostálgico haya envuelto hasta a sus integrantes. Las canciones del trío no sólo no envejecieron, sino que suenan contemporáneas en medio del revival ochentero actual.

“¡Por fin!”, gritó Cerati en River, ese ahora lejano 19 de octubre. “Una eternidad esperé este instante.” Y todo volvió a ser como había sido, al menos durante un par de meses. Cuando suene el último acorde del show de esta noche, seguramente la maquinaria seguirá funcionando con DVD’s y discos que dejarán constancia de la importancia de llamarse Soda Stereo. Mientras, Cerati se imaginará descansando en Uruguay, Zeta Bosio se preparará para viajar a otra escala (tiene programados sets como DJ en la costa y América Central) y Alberti pensará en retomar los ensayos con Mole, la banda que llegó a presentar justo antes de que se filtrara la noticia del retorno. Esta burbuja en el tiempo habrá explotado. ¿Será la última?

(via Página12)

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Soda Stereo termina su gira del regreso con un recital en River

2007-12-21T10:44:00.001-08:00

(21/12/2007) Soda Stereo culminará esta noche su gira “Me verás volver”, que duró 2 meses y abarcó 22 shows. En la
despedida, el trío tocará en River.

Habrá varios invitados en el show final, como Andrea Álvarez, Tweety González, Leo García, Leandro Fresco y Fabián Quintiero. Con todo, el invitado de lujo será Carlos Alomar. Este músico y productor trabajó con Tina Turner, David Bowie y Duran Duran, entre otros, y colaboró con Soda Stereo en la grabación de “Doble vida”, en 1988.

Considerada la banda de rock en español más influyente de la historia, Soda Stereo batió records de recaudación en su regreso. Ayer, en la previa del último show, Gustavo Cerati, Zeta Bossio y Charly Alberti visitaron a Cristina Kirchner en la Casa Rosada y se permitieron salir al balcón.

Calamaro cautivó al público que llenó el club Ciudad de Buenos Aires

2007-12-17T04:30:00.001-08:00

Ante 35.000 personas, el ex integrante de Los Rodríguez Andrés Calamaro estrenó canciones de su último trabajo discográfico "La lengua popular" y repasó las mejores de su carrera artística.

BUENOS AIRES.- Andrés Calamaro presentó temas de su álbum "La lengua popular" y los clásicos de su carrera, durante las dos horas del show que protagonizó ante 35 mil espectadores en el Club Ciudad de Buenos Aires.
El músico brindó un intenso y prolijo recital que fue creciendo hacia el final, y le puso color a la velada al agradecerle al fallecido periodista y escritor Víctor Sueiro el dejarle incluir su nombre en su tema "El Salmón".
"Gracias al gallego por permitirnos usar su nombre tantos años", afirmó el músico, antes de la despedida y después de más de dos horas de concierto. "El Salmón" inicia su letra con "Quiero arreglar todo lo que hice mal todo lo que escondí hasta de mí, debo contar lo que yo solo sé. Uh, perdón, Víctor Sueiro también".
Diego Gallardo y Julián Kanevsky en guitarras, Tito Davila en teclado, Candy "Caramelo" Avello en el bajo y José "Niño" Bruno en batería, acompañaron a Calamaro para repasar su discografía y estrenar siete canciones del nuevo CD.
El grupo Fito & Fitipaldis fue el telonero del concierto y se sumó luego en un tramo de la presentación junto a Calamaro, show que también tuvo como invitados a Ciro Fogliatta y a "Cachorro" López.
La convocatoria de Calamaro en el predio donde semanas atrás se desarrolló el Personal Fest superó la de ese festival y además obligó a los organizadores a sumar hoy otra presentación, en el club del barrio de Núñez.

Sus mejores canciones

El recital comenzó a las 21.20 con "El Salmón", para seguir con una canció del nuevo disco "Los chicos", sumar "Tuyo Siempre" y volver con otro del último CD: "Mi gin tonic".
El público acompañó con respeto los nuevos temas y disfrutó de los clásicos del ex integrante de Los Rodríguez, banda de la interpretó "A los ojo", con Fito and Fitipaldis, y "Canal 69" con Ciro Fogliatta.

"Ok perdón", "Todo lo demás" y "Te quiero igual", subieron la performance del músico que combinó instrumentos, entre el teclado y la guitarra.
El músico estrenó luego "Carnaval de Brasil", y agregó temas de su disco solistas como "Días distintos", "Lo que no existe más", "Crucifícame" para culminar ese tramo del recital con "Soy tuyo", del nuevo CD, y "Los aviones".
Para interpretar "Estadio Azteca", Calamaro invito nuevamente a Fito anf Fiipaldis, tramo que finalizó con el agradecimiento del músico a su público. "Muchas gracias Buenos Aires por cantar con ustedes".

La continuidad de la presentación fue con un tramo de éxitos del músico, que se inició con "Loco", siguió con "Crímenes perfectos" y "Sexy and barrigón".
Luego, Calamaro invitó a Fogliatta para interpretar "Madison Blues" de Elmore James, instante que aprovechó para presentar la banda, antes de estrenar "Cinco minutos" (Minibar) la canción de promoción de "La lengua popular".
Fogliatta lo acompañó también en "Canal 69", otro clásico de Los Rodríguez, y cerró lo programado con "Paloma", que puso al público a cantar.

Para los bises, el músico eligió "Me arde", "Estrella" y "Alta suciedad", para terminar a toda fiesta con "Flaca", en una puesta en escena que incluyó dos pantallas lateras y cinco en el fondo del escenario, donde se sucedieron imágenes del show y tramos de videos de sus temas.
La presentación de ayer no fue la despedida por Calamaro, si es la de esta noche donde interpretará casi el mismo repertorio con algunos temas cambiados por otros éxitos de su carrera como cantante solista. (DyN)

(lagaceta.com.ar) - (fotos elrancahuaso.cl)

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Led Zeppelin hizo delirar a 20.000 fans en su regreso a los escenarios y anunció una gira

2007-12-15T02:01:00.001-08:00

La banda, integrada por Robert Plant, Jimmy Page y John Paul Jones, brindó un show con los temas más representativos de su carrera.

Londres.- Led Zeppelin, un mito del rocanrol y una de las bandas más influyentes, volvió a tocar el lunes a la noche en Londres tras 20 años de separación, y anunció una gira mundial que, se espera, los traerá a Sudamérica.
Con la excusa de un homenaje a Ahmet Ertegun, dueño de Atlantic Records y descubridor de la banda, Robert Plant, Jimmy Page y John Paul Jones volvieron a escena con “Good Times and Bad Times”, su primer éxito en el O2 Arena de la capital británica.
Los Zeppelin reemplazaron al fallecido y pirotécnico John Bonham por su propio vástago Jason Bonham y arremetieron con una energía poco acorde con los sesenta y tantos años de los tres miembros originales.

La apertura estuvo a cargo de Bill Wyman -ex Rolling Stones- y sus Rhythm Kings, más Paolo Nutini (el último descubrimiento de Ertegun), los Foreigner y Paul Rodgers, según Ansa y DPA.
Ante miles de seguidores provenientes de todas partes del mundo, sumados a la crema y nata del rocanrol, los Zeppelin rockearon durante un par de horas.
“Es difícil construir el perfecto repertorio a partir de 10 discos. Pero hay temas que no pueden faltar, como éste”, explicó Robert Plant antes de tocar “Dazed and confused”. Fue en ese tema que Page punteó como en los viejos y buenos tiempos, con un arco de violín.

Después llegarían otros clásicos como “Stairway to heaven” -y con ella, la guitarra de dos mástiles de Page-, “Kashmir”, “Rock and Roll” y “Whole lotta love”. Sobre el regreso a la ruta mundial, los Zeppelin prefirieron jugar al misterio en boca de Page, quien dijo: “primero hagamos el O2 y veremos qué pasa a partir de ahí. No tengo aquí una bola de cristal”.
A lo largo de su carrera, Led Zeppelin vendió unos 300 millones de álbumes, y eran legendarios por sus excesos, pero también tuvieron una influencia enorme en la escena rockera.
Cuando los organizadores anunciaron el concierto, la web que vendía sus entradas se bloqueó cuando más de un millón de personas intentaron comprar una, que estaban a un precio de 180 euros cada localidad.
El mes pasado, un seguidor de Escocia participó de una subasta benéfica y pagó 170.000 dólares por un par de entradas para el concierto.
Al show asistieron el ex Beatle Paul McCartney, su hija Stella, las top model Naomi Campbell y Kate Moss, el grupo Oasis, Sting y su esposa Trudi Styler, Tony Banks y Mike Rutherford, de Genesis. A ellos se sumaron los dos integrantes de U2 Adam Clayton y The Edge, Dave Grohl de Foo Fighters y ex Nirvana, Lisa Marie Presley y Dave Gilmour de Pink Floyd. (Télam)

Una vuelta histórica

Venidos del mundo entero, miles de excitados fans de Led Zeppelin se congregaron desde muy temprano en la gran Arena al este de Londres para asistir al único concierto de reencuentro del legendario grupo de rock británico. “Algo así se vive sólo una vez en la vida”, dijo a AFP Richard Cooper, de 37 años, que llegó desde Memphis (sur de Estados Unidos) para el concierto, calificado por muchos como histórico.

(vía lagaceta.com.ar)

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POR LOS DERECHOS HUMANOS León Gieco llenó de música y fervor a una multitud que lo ovacionó en Tucumán

2007-12-12T02:59:00.001-08:00

El legendario pionero del rock argentino fue aclamado anoche por unas 15.000 personas en la plaza Independencia. Dedicado a Cristina.

“Quiero sacarme una foto con el público para que mañana salga en LA GACETA. Que los porteños vean que las cosas no pasan solamente en Buenos Aires”, propuso anoche León Gieco, aclamado por una multitud de unas 15.000 personas en el recital que ofreció en la plaza Independencia.

El legendario pionero del rock argentino dedicó su concierto a la flamante presidenta Cristina Kirchner porque, según afirmó Gieco, fue desde muy joven una activista de los derechos humanos.

“Hombres de hierro” fue el tema que cantó solo cuando abrió su recital. Poco antes de las 22, mientras se proyectaba en las pantallas gigantes un video del histórico recital BA Rock 74, Gieco salía al escenario desde dentro de la Casa de Gobierno. Solo con su guitarra, más tarde entonó “Memoria”.

Cuando le dedicó el concierto a la presidenta dijo: “porque va va a seguir con la política actual de Derechos Humanos”. “Es muy importante para mí actuar justo en Tucumán, en el Día Internacional de los Derechos Humanos”, añadió.

La banda ingresó al escenario para tocar “Soy un pobre agujero”, mientras en las tres pantallas se proyectaban fotos de los años 70, en las que se mezclaban imágenes de rock y de política. En una entrevista con LA GACETA, el cantautor dio detalles de su vida artística y de su compromiso social.

Via LA GACETA.com ©

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The Police en River

2007-12-04T03:42:00.001-08:00

Ante unas 60 mil almas, el trío británico ofreció el primero de los dos shows que realizará en el país, al que volvió después de 27 años. Fue un recital de altísimo nivel y mucha calidad.

Buenos Aires, 2 de diciembre.- Unas 60 mil personas tuvieron en la noche del sábado su revancha y disfrutaron de un estupendo concierto del trío rockero The Police en River Plate, que con el poder de su música logró que una amenaza de tormenta se convirtiera en apenas unas gotitas que cayeron en Núñez.
The Police volvió a la Argentina después de 27 años, cuando se presentó para unos pocos entendidos y visionarios en el estadio Obras y en la disco New York City.
Con un show de altísimo nivel que confirmó sus cualidades como instrumentistas, el grupo integrado por Sting en bajo y voz, Stewart Copeland en batería y Andy Summers en guitarra, despejó todos los prejuicios lanzados desde su reunión: muchos decían "que se juntaron por la plata" o que "no fueron capaces de grabar ni una canción nueva".
Nuevas generaciones de oyentes pudieron gozar de una de las bandas más influyentes de los ’80 y si esta afirmación genera dudas, sólo hay que remitirse al primer álbum de Soda Stereo para darse cuenta cuán importantes fueron Sting y sus amigos para el rock argentino.
Saliendo de la escena local, si los Police quisieran reclamar derechos de paternidad, los mexicanos de Maná deberían devolver la fortuna que han ganado copiando hasta la imitación burda y los acordes de las canciones de la Policía.
Pero los encargados de sacarse de encima cualquier duda fueron los mismos Police, ya que Copeland demostró que todavía es uno de los mejores bateristas del mundo, que Summers es un eximio guitarrista y Sting, un bajista con muy buen gusto que conserva su voz de manera impecable.
Añejados como el vino, el tiempo no ha afectado su talento y sólo se nota físicamente en Copeland y Summers.
Sting, en cambio, luce atlético, arreglado e insoportablemente lindo, demostrando que todavía es un galán capaz de humedecer conciencias.
Vestidos de negro, rodeados de una puesta en escena interesante que no los esconde sino que resalta sus roles, los Police se entregaron con mucho fervor en su primer concierto porteño.

El arranque fue con "Mensaje en una botella", un clásico de la banda, mientras Sting saludó en castellano y pidió que se mantengan las luces encendidas para poder ver a la gente.
Unos minutos después, las pantallas se cubrieron con los colores azul, rojo y amarillo que identificaron al trío, mientras Summer arrancó con los acordes de "Synchronicity II", y el estadio coreaba el "Oh Oh" inicial junto con Sting.
"Walking on the moon" mostró impecable la garganta de Sting y la perdurabilidad del vínculo con el público argentino, al que el bajista ha cuidado con varias visitas.
"Voices in muy head" fue la sorpresa extraída del disco "Zenyatta Mondatta" (1980), en la que Sting pidió palmas y recibió 60 mil pares, que luego saludaron maravilladas la sabiduría de Copeland en cada golpe.

La canción fue enganchada con "When the world is running down you make the best" y "Zenyatta Mondatta", que tiene la simpleza emotiva de una frase que reza "cuando el mundo se cae, vos hacés lo mejor que podés con lo que tenés a mano".
En "Driven to tears" de "Zenyatta", Summer mostró la agilidad de sus dedos para resucitar un solo sumamente emotivo que en aquellos años fue largamente imitado, mientras que el loquísimo "Hole in muy life" del esencial "Outlandos d’Amour" (1978) arrasó con las reservas morales del público que entonó un beatlesco "Yeah" hasta la afonía.

El new wave "Truth Hits everybody" ratificó la capacidad de Sting para crear estribillos simples y pegadizos como el de la hermosa "Every Little Thing She Does Is Magic" de "Fantasmas en la máquina" (1981), que los muestra como sabios caminantes del reggae blanco.
En "Wrapped around your finger", que aparece en "Synchronicity" (1983), un set percusivo emergió de las entrañas del escenario y Copeland se aposentó sobre él, arrancándole golpes a un gigantesco gong, mientras Summers asaltaba los recuerdos de la gente con los acordes iniciales. En esta canción, los aplausos se los robó Copeland.
"Do Do Do Da Da Da" del disco de "Zenyatta" es una canción tonta pero efectiva, es a los Police lo que "Obladi Oblada" fue a los Beatles, pero a las 60 mil almas no les importó y bailaron durante casi 4 minutos.

Con "Invisible Sun", acompañado por videos de campos de refugiados en Africa, nos recordaron que Sting fue el rockero políticamente correcto y con conciencia por excelencia en una etapa pre-Bono y antes de que el líder de U2 arrasara con todo teniendo el tupé de reunirse con George W. Bush, mala palabra para el rock.
Copeland volvió a lucirse con la percusión, mientras Sting le arrancaba algunos sonidos a un sikus para darle forma a "Walking in your footsteps", que habla de caminar la tierra caminada por los saurios.

Por en la pantalla, la banda volvió a reírse de si misma y tomó en broma lo de ser los dinosaurios del rock, mostrando imágenes de una verdadero Jurassic Park y demostrando que todavía los asiste la música.
La vieja y popularizada onomatopeya del "Io Ie" cobró vida 27 años después en las gargantas argentinas apenas la banda arrancó con "Can’t stand losing you", que entregaron cinco minutos de fiebre rockera a un ritmo descomunal.
Las luces rojas le dieron vida al estadio en "Roxanne", uno de los 20 hits más importantes de la historia del rock, que luego se sumergió en la tortuosa pero a la vez hermosa canción "Rey del Dolor".

"Every Breath you take" es una de las cinco mejores baladas de la historia del rock y según encuestas la mejor canción de los ’80, pero en esencia es la banda de sonido de amores posesivos y celosos. Más allá de esto, Sting se volvió a mostrar como un gran cantante y la banda lució impecable.
Satisfecho de alegría, Andy Summer se quedó en el escenario mientras sus compañeros huían hasta que los convocó nuevamente con los acordes de "Nex to you".
Mientras Sting cantaba, las pantallas devolvían imágenes de cuando los integrantes del trío eran jóvenes, hermosos y malditos, cualidades de las que podrán mostrar vestigios esta noche, en su segundo show en River Plate.

(diariodecuyo.com.ar)

Chambao se vuelve más étnico de la mano de La Mari en el disco 'Con otro aire'

2007-11-30T01:43:00.001-08:00

En el hall de un hotel en Bulgaria, durante un descanso de la última gira de Chambao, ocurrió una revelación: en una pared colgaba una foto de una mujer y un árbol en perfecta sintonía, con la copa floreciente sobre el cabello femenino. La Mari, voz del grupo, se quedó «flipada» al verla. Le transmitía un «no sé qué». Y sin saberlo aún, esta luminosa imagen acabaría por convertirse en el nexo de unión con su nuevo trabajo, 'Con otro aire', en la calle desde el próximo lunes.

«Le di muchas vueltas a la foto. Quería algo parecido para la portada del nuevo disco. Pero con algo de mi tierra», cuenta. «Fue en un viaje a Tarifa. Allí estaba, esperándome». Era un Acebuche silvestre, un árbol de la familia del olivo. «Muy verde, adolescente y con un toque místico», que representaba lo que quería contar en este álbum, el más íntimo y personal de la cantante de Chambao, en el que deja en un segundo plano los sonidos electrónicos y el 'flamenco chill' por los ritmos étnicos, la fusión caribeña y hasta la rumba.

Para ello ha jugado con «curiosos» instrumentos de cuerda como el kanun, el laúd o el saz, y cacofonías de raíz árabe; sin olvidar la guitarra flamenca del «maestro» Enrique Morente, que colabora en un tema del disco al igual que Estrella Morente. «Empecé a componer en marzo y a finales de junio ya tenía 9 temas. Nunca había producido y es bastante difícil exponer al resto lo que quieres. Pero estoy contenta. El disco suena muy personal», algo así como La Mari en estado puro.

Sin etiquetas

Estos nuevos tiempos de Chambao dejarán a los fieles del 'flamenco chill' un tanto sorprendidos, ya que las bases electrónicas ya no predominan como en anteriores trabajos. «No las he abandonado del todo. Sí, quizá, el ambiente trance de antes. Pero la música tiene esa magia, cada cual percibirá el disco de diferente manera», avisa.

La Mari no era ni es amiga de las etiquetas musicales, y si en algún momento dijo que Chambao era un grupo 'flamenco chill' fue para que el público «supiera donde estábamos». A lo que se niega -cuenta- es hacer cosas iguales con tal de vender. «El día que lo haga me iré de aquí. No me mueve esa idea».
En 'Con otro aire' vuelve otra vez a contar el fenómeno de la inmigración. Su primer single, 'Papeles mojados', relata la desventura de los que dejan su vida en el agua y la pena y rabia que siente la malagueña ante esa situación.
Otro tema, 'Voces', reivindica la palabra de los más desfavorecidos con ritmos rumberos.

El resto de las letras son interioridades de la artista, con las que trata su crecimiento personal, remacha La Mari, cuyos ojos verdes no han dejado de brillar como el acebuche gaditano.

La cantante firma la letra y música de 9 temas de su último cedé, que sale el lunes Enrique y Estrella Morente colaboran con la malagueña

Vía: ideal.es - 09.11.2007 - MATEO BALBÍN. COLPISA

Enlaces

Gemma Abrié (Ivanow Jazz Group) - Eric Sardinas - Pícnic Jazz - 26º Festival Jazz Terrassa 2007 - La Porteña Jazz Band

Javier Calamaro despedirá los temas de su álbum "Villavicio"

2007-11-23T01:29:00.001-08:00

Buenos Aires- El cantautor Javier Calamaro despedirá los temas de su álbum "Villavicio" al frente de su Orquesta Pirata, el viernes 30 del mes en curso en el Auditorio de Belgrano.

El disco fue editado por el sello Típica Records y ofrece temas propios como "Sordidez y sordera", "Granizo", "Culpable y convicta" y "Cuatro rosas y una vela", que se mezclan con clásicos del dos por cuatro de la talla de "La última curda", "Yira yira", "Tomo y obligo" y "Garúa".
Este trabajo significó un cambio de rumbo en la carrera artística de Javier Calamaro, consagrado ganador de 2 premios Gardel en las categorías Mejor Album Artista Masculino de Tango y Mejor Artista Tango Revelación.

"Nos jugamos con una interesante producción, con mucho contenido y cuidado por lo tanto esperemos poder brindarle al público el mejor espectáculo ya que la Orquesta Pirata está tocando como nunca", remarcó.
"Sin bien el disco es bien tanguero pero de los 2000, sin dejar de lado algunas perlitas de siempre, le agregamos una versión de 'El corralero' que yo había grabado hace algunos años en una placa solidaria y que siempre estaba en mi repertorio", contó.

El repertorio se completa con tangos clásicos donde Javier estuvo acompañado por dos grandes del género: "La Ultima Curda", que contó con la participación de Rubén Juárez en bandoneón en una versión sin arreglos grabada en el living de su casa; y "Yuyo Verde", junto a Adriana Varela.
Se suman "Garúa" (con arrebatos rockeros), "Nostalgias", "Yira, Yira", "Tomo y Obligo", "Equipaje", "Desencuentro" y "Mátame suavemente".

A lo largo de la producción de este material, Javier Calamaro y la Orquesta Pirata ofrecieron más de 20 conciertos, entre ellos, el Zócalo de México, el Festival de Tango de Buenos Aires y el Festival Internacional de La Falda, en Córdoba.

Vía: impulsobaires.com.ar

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Primavera cero El nuevo disco de Arbol... ¿es de Arbol?, pregunta el cronista del NO.

2007-11-22T01:01:00.001-08:00

“Este disco es Arbol”, responden los cuatro integrantes de esta agrupación que hasta hace no mucho tenía uno más. Los cuatro hablan del presente perfecto (han sido), del público (será) e incluso de política (ya fue).

Foto: Cecilia Salas
Por Daniel Jimenez

Desde que irrumpió en Haedo, allá a mediados de la futbolera década del ‘90, Arbol se distinguió por su crossover frenético de estilos y por la utilización de instrumentos poco convencionales para el rock: flauta traversa, violín, charango, caja y otras deformidades. Con esas texturas y una interpretación suburbana y adrenalínica del hardcore-punky-reggae–party cultivado en sótanos y salas del Oeste, Sebastián Bianchini, Pablo Romero, Hernán Bruckner, Martín Millán y Eduardo Schmidt rompieron todas las marcas y dieron vuelta la Argentina a bordo del exitosísimo Guau! (sí, el de Little Dreams, Trenes, camiones y tractores y El fantasma).

Semejante exposición llevó a la banda a un período prolongado e intenso de giras que fue carcomiendo el equilibrio interno del quinteto y que decantó en la partida, en buenos términos, del polifuncional Schmidt. Esto llevó a que los cuatro restantes Arbol decidieran parar un poco la pelota y entregarse a la experimentación del estudio, y a pensar nuevamente como unidad. Así, sin la figura paterna y protectora de Gustavo Santaolalla, se lanzaron a componer y a producir su propio material, que vio la luz bajo el nombre de Hormigas, después de un año de verdaderas sesiones de terapia, donde los músicos aseguran haber aprendido el secreto arte de “saber escuchar”.

–¿Hormigas es un disco de este cuarteto o es un disco de Arbol?

Pablo: –Arrancó arriba el pibe, eh...
Martín: –Nosotros nos sentimos Arbol, somos Arbol. Porque hace más de diez años que tenemos esta banda. El quinto integrante que se fue también era Arbol. Si se va uno, es Arbol sin un integrante.
Hernán: –¿Y si nos vamos los cuatro? (risas).
Martín: –No existe más la banda... hasta que nos llamen para juntarnos como Soda (risas). Este disco es de Arbol y lo sentimos así. Es un Arbol que está en un momento especial, porque nosotros vamos cambiando mucho: Arbol, Chapusongs, Guau! Somos muy eclécticos y buscamos todo el tiempo cosas nuevas. Y Hormigas es un disco que está por primera vez producido por nosotros sin una figura como la de Gustavo, por eso me parece que éste disco representa mucho en este momento.
Pablo: –Es lo que hoy quisimos hacer, al margen de que un integrante no esté.

–¿Pensaron en todo momento que lo podían hacer ustedes solos?

Martín: –Mirá, lo que pasó fue que... iba a decir algo importante, me olvidé.
Pablo: –Está viejo, eso es lo que pasa (risas).
Martín: –No, en serio, tiene que ver con... no me acuerdo, seguí vos (risas).
Hernán: –Sinceramente, si me preguntabas a principios de año si nosotros podíamos producir este disco, tal vez te decía que no. Porque tenía mucho miedo de discutir y aplicar toda la energía en eso y no en trabajar. Pero aprendimos a bancarnos las ideas del otro y las ganas de querer imponer las propias.

–¿Creen que el público de Arbol cambió en este tiempo?

Martín: –Yo sentía cosas muy fuertes en la época de Guau!, y creo que coincidió con un marco social muy claro: a la música la escuchan cada vez chicos más chicos. Hoy en día, pibes de diez años ya están escuchando rock y tienen su remera de La Renga, cuando hace quince años eso no existía. En los shows se ven muchos chicos y pienso que tiene que ver con toda una movida social.
Pablo: –Lo que pasa es que los fans de Guau! ya crecieron, ahora tienen diez años y fuman porro (risas). Hablando en serio, los pibes van creciendo. Si bien había muchos pibes que nos seguían por la historia pasada, les estamos dando nueva música y nuevas letras para investigar a Arbol de otra manera. Revoloteando, por ejemplo, parece una canción de amor, pero sólo habla de un mosquito. Cuando parece una cosa, no es. Entonces está bueno investigar. A veces la vida es más simple de lo que creemos y la complicamos sin necesidad.

–¿Fue muy difícil mantenerse lúcidos durante la etapa de Guau!?

Hernán: –En esa época estuvimos muy metidos con los viajes, así que cuando Eduardo decide irse cortamos con las salidas y nos conectamos con el disco. Nos pasábamos cinco horas por día encerrados en la sala y abandonamos el vértigo de los shows. En otras palabras, nos tomamos un año beatle. Salvando las distancias, claro. Entonces metimos los líquidos azules, verdes y amarillos en los tubos de ensayo del laboratorio de Arbol y salió un lindo experimento. Hay temas al palo, temas tranquilos y distinta temática en las letras. Creo que en Hormigas retornamos a una cosa más metafórica, a diferencia de Guau! que tenía letras más sintéticas. El disco se llama así no por los insectos sino por el concepto de trabajar en comunidad.

–¿Tienen miedo de que este disco no funcione bien entre los fans?

Martín: –Sí, a full. Pero es un costado de vértigo que está bueno. Todos estábamos muy ansiosos por mostrar el disco después de tanto tocarlo en la sala para nosotros. Pero esta vez fuimos herméticos porque no queríamos que se filtraran los temas.
Hernán: –Siempre hay algún amigo que no actualizó el firewall (risas). Mirá, hace poco tocamos en Lomas de Zamora para 5 mil personas que se sabían todas las letras nuevas, lo cual fue muy fuerte porque el disco salió hace menos de un mes.

–¿Extrañan algo de los días amateurs? Supongo que la cantidad de groupies debe haber aumentado...

Martín: –No te creas, eh...
Pablo: –Este... yo no puedo hablar del tema (risas).
Hernán: –Hmmmm, depende de los casos...
Pablo: –Antes había más anécdotas, me parece. Recuerdo ir a El Mocambo y que Fabiana, la mujer de Coco, el dueño, nos recibiera el primer demo. Nos dijo: “Bueno, toquen. Nosotros ponemos el sonido y ustedes se quedan con la barra”. Imaginate; doce años menos, flacos y con el pelo bien largo. Saltábamos y gritábamos: “¡¡¡Arghhhhhhhhhhhhhhh!!!”. Y era el primer show que dábamos. Y esta mujer nunca había visto una banda que hiciera tanto pogo y tanto hardcore. Habían puesto una tablita de aglomerado en el escenario y desde un costado la tipa me gritaba: “Me lo rompeeeeeeés y me lo pagaaaaaás” (risas). Y yo estaba gritando como un loco. Después, con los años, lo más interesante de El Mocambo era que estuviese así, todo precario. Era muy gracioso. Cuando lo reforzaron empezamos a engordar (risas).
Martín: –Fuera de joda, para mí la dirigencia política les tiene que dar una vuelta de tuerca a los shows porque no hay una legislación acorde con los lugares. Lo que pasa es que se pegó en un punto más delicado y profundo: la seguridad en la sociedad. Y eso le cayó al rock como un fierrazo en la cabeza. No hubo conciencia de la parte dirigente para manejarlo bien; al contrario, al rock lo enterraron. Y hoy en día no hay sitios para tocar y hay familiares de pibes de Cromañón que aún no tienen respuesta. Además, lo que se volvió una costumbre es... este... hoy estoy mal, perdón.
Pablo: –¡¡Está bien!! (risas).
Hernán: –Después editalo, por favor.
Pablo: –Martín, ¿y si probás con Fosfovita?
Martín: –Me estoy por mudar y estoy un poco quemado. Sepan disculpar.

–¿Se sienten pioneros?

Pablo: –Yo creo que en algún punto algo de eso hay. De la década del ‘90 hasta ahora me parece que lo importante pasó por romper moldes, como lo que hicieron los Babasónicos o Los Brujos. Y Arbol puso su semilla. Nunca quisimos hacer un disco de un solo concepto, por eso nos llamaron “rock latino” o “alternativo”; la famosa mezcla de todo. Creo que Arbol dio una vuelta de tuerca a eso y así pudimos pasar de la balada a un hardcore o a un tema electrónico.
Hernán: –Nuestro leitmotiv siempre fue hacer las cosas a la inversa. ¿Se debe hacer así? Entonces hagámoslo asá. Rosita, un tema que está en nuestro primer disco, tiene una letra re-macabra y oscura, y la música es de una canción de cuna. Para una banda de hardcore meter arreglos de voces de tres o cuatro personas o instrumentos no convencionales era una jugada distinta que se transformó en el sello de Arbol.
Pablo: –Pero al pionero lo ves después de veinte años, como Luca Prodan.
Hernán: –La idea es no copiar cosas de afuera, porque pintando tu aldea vas a pintar el mundo. Si querés hacer una banda de hip hop, lo podés hacer. Pero bancátela.
Pablo: –”Este es el apagón, papi” (imita la voz de Dante Spinetta). Me encantó lo que hizo con el disco.

–Cuando salieron, ¿existía una escena para Arbol?

Pablo: –Y... al principio nos costó mucho.
Hernán: –No sabían en qué batea meternos. Depende de qué tema se cortara del disco para ver en qué batea nos metían, porque no sabían cómo clasificarnos.
Martín: –Tenés que abrirte camino a machetazos hasta que encontrás tu propio estilo.
Pablo: –Después de tanto darle a un estilo, cuando pasen diez o quince años alguien te va a decir: “Ah, una música estilo Arbol”.
Hernán: –La primera vez que nos dijeron eso nos caímos de culo: “¿Che, y qué banda toca? Y, toca una banda estilo Arbol” (risas).
Pablo: –Onda Arbol... era que hacían muchas cosas a la vez. Pero el estilo no aparece de un día para otro, eh.
Sebastián: –Ahora está todo más abierto. Las radios pasan un montón de estilos y los pibes son respetuosos con las demás bandas en los shows. Antes si escuchabas tal cosa, no podías escuchar tal otra.
Pablo: –Ahora el rock está en una etapa de mutación. Sos indie o no sos indie, y esas cosas. Nosotros cuando tocamos en la Casa Rosada tratamos de tirar la mejor; entender que el rock es un movimiento muy difícil de parar. Y si no vemos la foto completa, nos cuesta más crecer a todos. La idea de tocar ahí era que el gobierno se comprometa más.
Martín: –Y que hagan leyes nuevas y que no nos sigamos rigiendo por leyes de 1945. No va, loco. En el mismo lugar hacés una obra de teatro para trescientas personas sentadas y para un show de rock te aceptan cien sentadas. ¿Qué es eso? Si es el mismo lugar... Si hay una emergencia, da lo mismo que sea teatro, rock o un acto de magia.
Pablo: –Por eso los shows de Hormigas los vamos a hacer todos bajo tierra (risas). Puede ser en una estación de subte, así que si quieren ver a Arbol, que se metan al subte. O si no arriba de una avioneta o encima del Sarmiento (risas).

–Si Arbol fuera una película, ¿qué música tendría?

Hernán: –La que no te esperás que esté. Aunque en la parte romántica no sé qué pondría...
Pablo: –¡Qué buena pregunta! Pará, ¿y si mejor hacemos la película de Arbol? Uhhh... qué buena idea, eh. Sería como Gira mágica y misteriosa, pero no tan...
Hernán: –... no tan mágica y misteriosa (risas).
Pablo: –Puede ser en blanco y negro y después todo azul... como Kill Bill. Está buena ésa, eh. Igual yo una canción de los Beatles le pondría, al menos un pedacito.

–¿En la Rosada repitieron el ritual de los Beatles en el Palacio de Buckingham?

Pablo: –Noooo, no. Nos portamos... bien.
Hernán: –Ya estaban avivados y pusieron cámaras de security en los baños (risas).
Martín: –Igual, un par de técnicos en una ventanita me parece que hicieron cosas indecentes... Pero yo no estuve, eh.
Pablo: –Sebas, ¿vos hiciste algo?
Sebastián: –Eh... no, yo no. ¿Hernán?
Hernán: –Yo estuve con Alberto Fernández, el de bigotes.
Pablo: –Y yo con López Murphy.
Martín: –Si López Murphy no estaba ahí...
Pablo: –Entonces habrá sido en la sede del PRO (risas).

Vía: Suplemento NO

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Pericles Cavalcanti “La cosa filosófica siempre está presente en mi música”

2007-11-22T00:48:00.001-08:00

Entrevista a Pericles Cavalcanti

Prestigioso autor de canciones que cantaban otros, hoy debutará en Buenos Aires.

Por Karina Micheletto

De este lado del mapa fue conocido primero como autor de canciones que cantaban otros, sobre todo Caetano Veloso. A partir de los ’90 comenzó a interpretar los temas que antes hacía para otros, y ahora es la primera vez que Péricles Cávalcanti mostrará su música en la Argentina. Será hoy a las 21, en el marco del ciclo “Noches brasileras”, que se organiza en Notorious (Callao 966). “Hace más de treinta años que trabajo como compositor, pero en un momento me di cuenta de que tenía ganas de meter mis propias manos en la masa”, explica el paulista sobre el cambio de rumbo en su carrera. Hubo otro cambio de rumbo anterior: antes de dedicarse profesionalmente a la música, Cávalcanti estudió filosofía. Claro que esa misma filosofía que estudió, asegura, sigue de lo más presente en todas sus canciones.

–¿El haber sido conocido primero como compositor de temas que cantaba Caetano fue una carga o una ayuda para su carrera como intérprete?

–De ninguna manera una carga, todo lo contrario... Cuando comencé a grabar mis primeras músicas, muchos no sabían qué era lo que yo había hecho antes: conocían las canciones, pero no que eran mías. A partir de mis propios discos empezaron a decir: “¡Ah, esa música era de Péricles!”, y ya era una carta de presentación, una pequeña ayuda. Luego empecé a grabar cosas inéditas y pude ampliar mi repertorio. Cuando otros empiezan a grabar tus canciones, en cierta manera ya no te pertenecen: cada uno le agrega su marca personal, la transforma un poquito. Para eso están la música y los músicos.

–¿Y tiene preferencia por alguna de esas marcas en sus canciones?

–No. Cada uno las graba a su manera y a su gusto, las transforma en otras. Y tienen estilos muy diferentes: Caetano, Simone o Arrigo Bernabé, Arnaldo Antunes o Adriana Calcanhoto... Ella comenzó a cantar más o menos en la misma época que yo, a principios de los ’90. Nos conocimos a través de Susana Moraes, la hija de Vinicius de Moraes, que es cineasta. Ella nos dijo por separado que teníamos que conocer al otro, y luego nos presentó. Hubo una identificación inmediata, y por eso Adriana tiene grabados en todos sus discos algo mío, excepto en el primero. Yo hice mucha fuerza para convencerla de que ella también tenía que meter las manos en la masa de sus propios discos, porque al principio no componía, en su primer disco tiene un solo tema suyo, que para mí era el mejor. Por suerte la pude convencer...

–Y antes, ¿cómo conoció a los del grupo tropicalista?

–Casi de casualidad, y en realidad no eran aún el Tropicalismo cuando yo los conocí, eso fue antes. Conocí a Caetano y a Bethánia cuando vinieron a trabajar a San Pablo, en el ’65, yo era un estudiante de 20 años y por causa de un primo mío, que era amigo de Caetano, llegaron a casa de mis padres. En cierto modo conviví con él, que todavía no era un músico profesional. Cuando ellos se fueron para Londres, yo fui a París y a Londres (en mi caso no a causa del exilio sino por elección personal). Abandoné la filosofía y viví dos años en Londres. Allí compartí muchas cosas con Caetano y su gente. En los ’70, cuando volví al Brasil, comencé a componer, y entonces acompañé el comienzo del Tropicalismo. Gal Costa fue la primera que grabó una canción mía, en 1973. Desde entonces, hasta hoy, soy amigo de todos ellos.

–Usted estudió filosofía. ¿Cómo terminó siendo músico?

–Siempre fui músico, toco desde niño varios instrumentos. Siempre me gustó la música y también la filosofía, pero antes de ponerme a pensar que sería músico profesionalmente, tenía que ir a estudiar, así que filosofía me pareció lo más cercano a mis intereses. De todos modos, no concluí la carrera, pero me gusta y me interesa, y en cierto sentido aplico muchos conceptos filosóficos en mis canciones. A veces en forma explícita, como en la “Samba del eterno retorno”, o en una canción llamada “Porto Alegre”, cuya letra son dos episodios de La Odisea. La cosa filosófica siempre está muy presente en mi música, porque para mí no hay división. Yo crecí en los ’60, en una época en que había una mixtura entre la alta cultura y la baja cultura que se daba muy naturalmente en las artes. No existía esa idea de especialización que hay hoy. Al contrario, lo que más me interesa son las mixturas de todo tipo.

–¿Cómo definiría el panorama de la música popular brasileña actual?

–¡Caótico! (risas). Caótico, pero para bien. El Brasil es muy grande y muy diferente entre sus regiones, por eso sus músicas necesariamente tienen que ser diferentes y variadas. No significa que en medio de esta variedad todo lo que se escucha sea bueno, pero hay suficientes cosas buenas... Me agradan mucho las nuevas generaciones que hacen fusiones de samba con hip hop, o con rock o pop, cosas de ese tipo. Moreno Veloso, por ejemplo, o Rodrigo Amarante, con quien tengo el placer de trabajar... También tengo la suerte de que muchos de los músicos de las nuevas generaciones me hayan dicho que les gustaron mis discos. Así que, bien... ¡Tan viejo no estoy!

Via: Pagina12

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Color Humano

2007-11-20T01:32:00.001-08:00

(Color Humano - Foto: Ricardo Perotta)

Color Humano

David Lebón: bateria y coros

Edelmiro Molinari: guitarra y voz

Rinaldo Raffanelli: bajo y voz

Este trío fue fundado por Molinari tras la disolución de Almendra. Color Humano es el título de un tema que había compuesto para la agrupación de Spinetta. Con la formación inicial grabaron el primer disco en 1972.

Ese año Oscar Moro reemplazó a Lebón y modificó el estilo musical hacia uno más rockero. Así registraron un álbum que fue concebido como doble, pero que sacaron a la venta como dos simples, con diferencia de me ses entre uno y otro. Raúl Porchetto tocó y cantó como invitado.

Si bien la banda tenía mucho pres tigio y vendía bastante bien, no solían presentarse muy seguido en vivo, lo que le fue restando popularidad.

Participaron de la película "Rock hasta que se ponga el sol" y en la tercera edición del Fes tival B.A.Rock. La banda se disolvería en 1974, previo concierto de despedida, por conflictos internos y, principalmente, por los deseos de Molinari de radicarse en Los Angeles.

En septiembre de 1995, Molinari-Rafanelli-Moro fueron tentados por un oferta para presentarse en vivo en The Roxy. El show fue grabado y editado a fines de ese año, con todas canciones viejas. «Estos temas no son nada viejos, yo los siento modernos. La música que hacíamos en los '70 eran bastante avanzada para la época y no ha envejecido. Hoy suena más densa, mas fuerte, pero es la misma», explica Rafanelli. Las nuevas versiones de "Coto de caza", "Hace casi dos mil años" y "Mañana por la noche" son la prueba.

Edelmiro Molineri

Discografía
Color Humano, 1972
Color Humano 2, 1973
Color Humano 3, 1974
En el Roxy, 1995

Via: rock.com.ar

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Las ideas y el corazon de Skay Beilinson: “Yo tengo el sonido de la guitarra grabado en los huesos”

2007-11-18T09:27:00.001-08:00

En su nuevo disco, el guitarrista y cantante encuentra la mejor expresión musical para un escepticismo no exento de esperanza. Reacio a considerar lo suyo como una “carrera”, Skay analiza aquí su lugar en la música.

Por Cristian Vitale

Salvedad: Skay Beilinson, viejo hippie de trinchera, se resiste a rotular su período post Redondos como carrera solista. O como trayectoria. O como cualquier sinónimo que implique una cadena principio-desarrollo-fin semipautada. Por varias razones, pero una en especial: “Carrera me suena a competencia, a llegar a algún lugar. Y solista no soy, porque sigo tocando en una banda. Yo simplemente armo y compongo”, dice, mientras va por el segundo café. La secuencia transcurre en un restaurante bastante caro de Palermo Chico. Poly, La Negra –siempre gentil–, se acaba de evaporar por el pasaje Russel, y el guitarrista reacomoda su osamenta larga y flaca sobre una silla de plástico bastante incómoda. Enciende un Gitanes, clava sus ojos verdes en una botella de agua mineral y tira una furibunda declaración de principios: “Yo tengo el sonido de la guitarra grabado en los huesos”. La frase, así, salida de un soplo, es la más útil del mundo para definir global y certeramente la tríada de discos que lleva editados. Explica y aúna –sin cavilaciones– los riffs desgarrados, deformados que atraviesan el Mar de los Sargazos; la crudeza sanguínea que revela Talismán y el sonido austero, “a madera” que delinea ciertos pasajes de La marca de Caín, disco que presentará el 7 y 8 de diciembre en El Teatro. En los tres, más allá de sus especificidades, lo que domina es el hueso Skay: único e incomparable.

Los contrastes, tal vez, sean de concepto. Si en su disco debut el guitarrista había construido un microcosmos sórdido, casi asfixiante, imaginando esos barcos varados en las Islas Bermudas que no podían llegar a tierra por abundancia de algas y terminaban enloqueciendo a los marineros –¿alegoría de la crisis del 2001?–, en La marca de Caín prevalece cierta celebración de la vida, con sus giros. Si en Talismán –el segundo– la búsqueda se asienta sobre tópicos más universales (la rabia, el futuro, la guerra), en éste el foco está puesto en claroscuros más autorreferenciales. En cierto escepticismo que, burlando su definición exacta, no anula la presunción de un futuro mejor. No es cosa del azar que Skay haya recurrido al mito bíblico de Caín y Abel. Hay un mundo en tensión, un maniqueísmo celeste/terrestre, un limbo que oscurece tanto como aclara, en el que el músico navega con soltura. Y genera, desde ahí, su propia exégesis: “La historia de Caín y Abel nos habla de dos hermanos que representan diferentes aspectos de lo humano. A Caín le toca lidiar con todos los asuntos de la Tierra, es el que representaría nuestra parte vinculada al mundo, a las relaciones, a lo material. Y Abel es lo espiritual. Es esa lucha entre el bien y el mal, lo sutil y lo denso”.

–El personaje de “La doble marca” es quien lleva la marca de Caín. “Estás marcado / estás condenado”, dice la letra. ¿A qué?

–Siempre hablamos con Poly de que en la gente que uno encuentra existe un dolor que se le nota en la mirada. Hay ciertas afinidades que llevan a uno a engrampar con ciertas personalidades y no con otras. Justamente aquellos que no encajan, que no tienen un lugar fácil dentro de la sociedad son aquellos con los que uno se relaciona más fácil. Poly les dice los cainitas, los que tienen la marca. No es una marca heroica, sino un signo de dolor que proviene de no encajar en el mundo establecido. Pese a ello, aún tienen sueños, aún siguen creyendo en otras cosas. En cierto modo, es algo autorreferencial.

–Cuando alguien compone una canción sentida, seguramente su estado de ánimo no es el de todos los días. Hay un plus. ¿Qué pasó cuando compuso ésta? ¿Cuál era su estado subjetivo?

–En el proceso creativo hay muchas instancias. La primera es absolutamente intuitiva... es la que aparece casi como un chorro de inspiración que, en mi caso, arranca desde lo musical. Con el tema de las letras, muchas veces no sé de qué voy a hablar: las empiezo a descubrir a medida que escribo. Tal vez escribo un verso, una frase, y la vuelvo a trabajar otro día. Siempre hay ideas que cuajan y otras que no. Cuenta también la musicalidad propia de la canción. La palabra, como letra de canción, tiene que tener su propia musicalidad.

Buen pie. Una de las particularidades del Skay cantante es, precisamente, su forma de decir rabiosa, áspera. En sus canciones, casi como norma general, prima el cómo decir sobre el qué decir. Basta escuchar cómo modula la palabra corazón en el primer track, “Angeles caídos”, o de qué manera pronuncia la frase “fuera del tiempo/ girando con vos” en “El viaje de las partículas”. Las palabras marcan, laceran, seducen. Y una concatenación de ellas, que a veces ocupan solo dos párrafos, puede entrarle por la parte al todo. ¿Ejemplo?: “Canción de cuna”. Skay transforma un blues en un arroró para un niño robot, y de ello resulta una canción de amor desconsolada. “Estamos viviendo ese tiempo ya, poco a poco nos va ganando el mundo tecnológico. Yo intento retomar aquella cosa más sensible en medio de este mundo, que nos invade todos los ámbitos.” Recorte atendible –éste del Skay letrista– dados los antecedentes. Pese a intentar componer algunas historias durante su paso por los Redondos, estaban claros los roles y el suyo no era precisamente el del lápiz. “Lo que me sale naturalmente es componer música. La cuestión de la letra me es más un trabajo”.

–¿Trabajo como sinónimo de sacrificio?

–No tanto. Pero en la música me puedo guiar mucho más por la intuición... lo que quiero decir con la música para mí está claro, pero el mensaje a través de las palabras se me hace más engorroso.

–Seguramente tiene que ver con un acostumbramiento. Durante todo el viaje de los Redondos, ése era el rol del Indio Solari.

–El Indio es uno de los grandes poetas del rock y yo, cuando intentaba escribir una letra, no encontraba la manera de trabajarla. Relegué esa parte, pero la empecé a descubrir en esta etapa.

–El disco no llega a los 40 minutos. ¿Cuál es la razón?

–Yo vengo de la época del long play y para mí es el tiempo de escucha perfecto. Cuando una obra se hace muy larga, llega un momento en que me cansa, y todo el concepto que le diste a un disco se diluye. Es el tiempo que vale para mí.

–¿Por qué recurrió a Hypnofón, la orquesta de Alejandro Terán?

–Cuando estaba armando los demos, vi que había un par de temas a los que les vendría muy bien un tratamiento de cuerdas. Unos amigos me recomendaron a Alejandro y fue un encuentro feliz. En “Una doble marca” sentí que su final epopéyico a la Tim Burton tenía que sonar con trompetas y violines...

–Apocalíptico...

–Claro. Buscaba algo que superara lo rockero-tradicional. A mí me gusta salir un poco de la estructura clásica, meter una gaita, una cantante lírica, un cuarteto de cuerdas.

–Pero siempre recurriendo a algo más folklórico que tecnológico.

–Tiene que ver conmigo: no tengo computadora, mail ni celular (risas). Igual, hay temas como “Arcano XIV” que tienen secuencias rítmicas y sonidos electrónicos. Creo que son herramientas que, en mi gusto, hay que tratar de dosificar para no perder el pulso rockero.

– ¿Este recelo con la tecnología fue parte de la discusión con el Indio durante la última etapa de los Redondos?

–No. Nunca hubo conflicto en ese sentido, porque la propuesta del Indio había sido trabajar con aparatos modernos y para mí fue interesante abrir el panorama desde la textura de la música, algo que en las etapas anteriores tratábamos de resolver desde los instrumentos acústicos. Nunca fue motivo de discusión.

–Tal vez sea imaginería. Está quien dice que usted se quedó con el sonido “puro” de los Redondos y el Indio, con el más “elaborado” o heterodoxo.

–Posiblemente eso tenga más que ver con mi personalidad como instrumentista. El Indio toca un poco de teclados, un poco de guitarra, pero no es su métiere, él trabaja más desde la parte conceptual, no tiene muchos recursos desde lo instrumental. Entonces, cuando nos separamos, cada uno siguió investigando desde los lugares en que tiene más dominio.

–¿Qué le provocó la separación en términos subjetivos? ¿Recuperó ciertos rasgos del Skay pre Redondos o lo siente como una continuidad?

–Como una continuidad. Yo me fui haciendo músico desde los 14 años, me fui formando de tocar y tocar. Cuando empezamos con los Redondos éramos unos perros totales, y fuimos mejorando con el tiempo. Comenzar solo es como seguir el mismo camino, con otras particularidades.

–De vuelta a Caín: en “Tal vez mañana”, la historia habla de un personaje desconsolado que sueña con ir a Katmandú, un lugar al que también apelan Pappo, Luca Prodan, Fito Páez...

–Es que fue el lugar mítico de toda nuestra generación... era la Meca del hippismo, el lugar donde uno iba a encontrar algún tipo de iluminación.

–La tierra sin mal.

–Posiblemente. Una tierra espiritual donde uno podía pasar otro tipo de experiencias y realidades.

–La canción es paradójica, porque el tipo que quiere ir a Katmandú es un loser que duerme entre andenes y vagones. Un desamparado que no puede moverse de ahí. ¿Es una manera de describir un escepticismo respecto de aquellos sueños?

–Yo veo al rock como una cultura que nació paralela a la oficial, como una contracultura que tenía paradigmas, valores, cuestiones relacionadas con la celebración de la existencia, diferente de lo que proponía la cultura del consumo. Era otra manera de vincularse con el trabajo, Dios, la naturaleza, la vida y la muerte. Lo que ocurrió es que toda esa contracultura fue absorbida por el sistema. Se transformó en slogan. Se perdió el sentido de red de cultura y todo quedó reducido a una cuestión de mercado. De todas maneras, son los mismos viejos sueños de la humanidad desde el principio de los tiempos. Y siguen siendo los grandes motores que impiden que el mundo se autodestruya en cualquier momento. La canción habla un poco de eso.

–Dados estos ideales colectivistas, más de anonimato, ¿cómo bancó haber sido parte de la banda más popular del rock argentino con el nivel de exposición que ello conlleva?

–Justamente, fue bueno entender que, cuando las cosas empezaron a carecer de aquel fuego que hacía que fuesen los Redondos, el tiempo ya había pasado. No sé si volverá a repetirse, pero uno debe ser fiel a sí mismo. También tiene que ver la edad. Cuando uno tiene cierta edad, hay un montón de cosas que dejan de tener el brillo, la zanahoria que tenían en otro momento. Las cosas más importantes empiezan a ser las más pequeñas y sutiles.

Via Pagina12

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“Chan chan” para el prócer del son

2007-11-18T09:19:00.001-08:00

El músico cubano, héroe de Buena vista social club, hubiese cumplido hoy 100 años

Por Karina Micheletto

A Compay Segundo la fama le llegó tarde. Más precisamente, a los 90 años. Llegó a vivir cinco como artista famoso, reconocido en el mundo y elevado a la categoría de gloria nacional en su país. Mucho antes, fue uno de los pilares del son tradicional cubano. También fue uno de los olvidados cuando este ritmo perdió fuerza como representante de “lo cubano” frente a las modas de otras músicas. Pero sus cinco años finales de gloria hicieron que 2007 fuese declarado en Cuba como año homenaje Compay Segundo 100 años, con la inauguración de un museo en la que fue su última casa. Hoy cumpliría 100 años ese músico que el mundo descubrió como parte de la banda de “viejitos con swing” del Buena Vista Social Club, y que muchos años antes formó parte de la guardia activa del son cubano. El se imaginaba cumpliéndolos vivo: además de explicar que a los 90 años tenía novia, “lo cual prolonga la vida”, el autor de “Chan chan” declaraba con orgullo que fumaba desde los 5, como su abuela. Y que si ella había llegado a los 115, no veía razón para no seguirle los pasos.

Nacido como Máximo Francisco Repilado en 1907 en el pueblo minero de Siboney, en Santiago de Cuba, Compay Segundo fue un músico autodidacta que empezó tocando el tres. Cuando su familia se trasladó a Santiago de Cuba, empezó a estudiar solfeo y clarinete, un instrumento al que siguió teniendo gran apego durante toda su vida, tanto, que ahora ocupa una vitrina preferente en su museo. El clarinete le abrió las puertas a la Banda Municipal de Santiago y, a comienzos de los ’30, a la de La Habana. Allí Compay comenzó a “trotar” con el son junto a leyendas como Miguel Matamoros y Benny Moré. A partir de los ’60, cuando el son tradicional comenzó a ser dejado de lado en la isla, suplantado por ritmos con más despliegue como la salsa, los soneros como Compay Segundo dejaron de sonar poco a poco en Cuba, recordados y valorados sólo por nostálgicos memoriosos. Hasta aquí, nada que no sea historia conocida, con sus correspondientes paralelos posibles con realidades de estas latitudes. Hasta que ocurrió lo impensado.

En 1998 apareció Buena Vista Social Club, un disco de músicos cubanos, la mayoría de los cuales ya habían pasado los 70 años. Además de Compay Segundo, integraban la banda de “viejas glorias” Ibrahim Ferrer, el pianista Rubén González y Omara Portuondo, la única mujer del grupo. Los viejitos soneros le recordaron al mundo lo bellos que eran los antiguos sones y boleros tradicionales, y lo bien que los podían hacer, aquí y ahora. El disco marcó un pequeño fenómeno, vendió más de un millón de copias, ganó un Grammy. Al año siguiente la movida se potenció con el documental de Wim Wenders, también producido por el guitarrista Ry Cooder.

Así, Buena Vista Social Club cambió los destinos de un puñado de músicos jubilados, que se transformaron en jóvenes estrellas, con carreras recomenzadas a los 70 o 90. En palabras de Elíades Ochoa, otro integrantes de la “pandilla sonera” del Buena Vista: “Ocurrió que dejaron de pensar que hacíamos música para viejos”. El boom de Buena Vista terminó repercutiendo no sólo en el resurgimiento del son y la música popular cubana en el mercado global de la world music. También los revitalizó fronteras adentro de la isla, más allá de que todavía provoque alguna mueca el hecho de que el “descubrimiento” haya llegado de la mano de un extranjero. Entre todas las flamantes viejas glorias del son de los ’90, el que siempre brilló con mayor intensidad, más allá de lo musical, fue el encantador Compay.

Se sabe que Cuba es un país especializado en el homenaje. En el caso de su cantor nacional, se instituyó que éste sería el año homenaje Compay Segundo 100 años y los festejos comenzaron a fines del año pasado, con la inauguración de una casa-museo en la residencia de La Habana donde el sonero vivió sus últimos años, ya bendecido por la gloria de Buena Vista Social Club y por premios como el Grammy.

Durante décadas, el haber tocado junto a algunos de los más grandes de la canción cubana no eximió a Compay segundo de combinar su oficio de músico con otro que le permitió completar su sustento: el de torcedor de tabaco. Además de formar parte de su modo de vida, los puros fueron una de sus pasiones. El Hupman Nº 4 de Montecristo –que empezó a fumar de niño– junto con el vaso de ron y sus sempiternos sombreros, se convirtieron en una marca de identidad. Por eso ahora, entre los homenajes por su centenario, se pondrán a la venta en todo el mundo humidores (cajas) con 150 puros con una anilla con su efigie. El mercado está en marcha: también se diseñó una línea de ropa –guayaberas, camisas y pantalones de lino como los que vestía el sonero– con la marca Compay Segundo.

En Cuba, parte de las celebraciones de hoy se concentrarán en un mausoleo en el cementerio Santa Ifigenia de Santiago de Cuba, donde descansan los restos del músico, junto a los de otros históricos de la canción cubana como Miguel Matamoros. El monumento, llamado Las Flores de la Vida, título de una de sus últimas canciones, consiste en un muro de mármol con 95 flores de bronce (una por cada año de su vida) que rodean la guitarra y el sombrero que siempre acompañaron al músico.

Claro que hay homenajes más cercanos a la esencia de Compay Segundo, es decir, a su música. La orquesta que lleva su nombre, dirigida por su hijo, Salvador Repilado, culmina por estos días un año de giras por Cuba y por el mundo. Además, el director italiano Stefano Mazzoleni se unirá a finales de mes a un concierto homenaje en La Habana de la Orquesta Sinfónica Nacional.

En sus últimos años de vida, el salto del “casi anonimato” a la fama había llevado al músico a recorridos improbables. Cantar ante el papa Juan Pablo II y ante Fidel Castro, por ejemplo. “Saltamos de las montañas a la fama, recorrimos medio mundo, nos paramos en los escenarios más exigentes y príncipes nos invitaron a sus grandiosas fiestas –había dicho–. Pero yo sigo siendo sencillo, como si estuviera empezando... ¡Nunca terminando!” También repetía siempre, puro en mano, una frase que por estos días se repite, entre tanto homenaje: “Si no fuera por el son, existiría en el mundo una tristeza bárbara”.

Via: Página12

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KENY ARKANA - Rap francés

2007-11-17T11:56:00.001-08:00

Keny Arkana , es simplemente un artista que parió el Rap francés desde.. uhm ..digamos desde la eternidad. Si conoces bien la terminología de la cultura Hip-Hop, pues te diría que es un artista Anti-Bling Bling, sino, solo te digo que de momento olvídate de las joyas, coches lujosos, c ulos y tetas gigantes. Te lo digo porque aquí se trata de textos currados, textos que simplemente al leerlos/escucharlos dices, la Hostia! Pincha aquí para leer los lyrics en francés, en estos textos podrás notar la clara tendencia socialista de esta artista.

Keny Arkana, mas que rapear, enrabia, revindica, arenga, vitupera, desafía, encarna, salta directamente al cuello de la injusticia..
Se define así: “yo no soy Rappera, soy una contestataria que hace Rap.”

Nació en Marseille en 1983, ha vivido su infancia saltando de un sitio a otro, fugas políticas de su familia ..etc, creciendo encuentra en la calle un medio de afirmar su sed de la libertad.

Su conciencia política se precisa y el Rap entra en su vida como un complemento evidente “me puse a escribir Rap a los 12 años, Por necesidad, Escribía cosas íntimas que me servían de exutorio y que guardaba para mi, y textos provocativos para joder la mierda y sembrar la rebelión.” El dolor de una adolescencia mecida por el menosprecio y la violencia han dejado marcas indelebles, esta rabia ha sido su compañero de viaje indefectible y que se notará claradamente en su flow..

Keny Arkana - Video: Victoria

Keny Arkana, no se limita a sus barrios marselleses, es una internacionalista convencida, su mensaje lo lanza a todos las esquinas del mundo, sobre todo al llamado “tercero,” eso le hizo llegar a los Chiapas en las guerrillas del Subcomandante Insurgente Marcos, ” .. me intereso por la política aunque no me reconozco en ningún partido, y extrañamente en el zapatisme me encontré. El lado alternativo y humanista del movimiento zapatista - todo lo que es la defensa de la naturaleza, el ser humano y su dignidad y su libertad - es universal.”

Keny Arkana - Video : La rage

Realiza por otra parte, en el 2006, con su hermana un cuaderno de viaje “Un Autre Monde est Possible” que da ampliamente la palabra a una visión altermondialiste.

Sitio Oficial: http://www.keny-arkana.com

Vía: blogs.hiphophispano.com/moroface

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La heterodoxia, según Wilco

2007-11-08T07:07:00.001-08:00

El grupo estadounidense empieza su gira por España

La banda de Jeff Tweedy actúa en Barcelona (hoy), Madrid (mañana), Zaragoza (el sábado) y Bilbao (el domingo), para presentar la reedición de lujo de Sky Blue Sky. El álbum, poco previsible, recoge todas esas influencias aparentemente irreconciliables que ellos mezclan de forma natural y que han convertido en marca de la casa.
Hay anécdotas del mundo de la música que son mucho más definitorias que ríos y ríos de tinta explicando algo que ahora, en la era de internet, uno puede entender en tres minutos, dando un click y oyendo ese disco que un pobre periodista nos intenta explicar con adjetivos y, en el mejor de los casos, onomatopeyas… Pero en el caso de Wilco, basta con explicar lo que les ocurrió hace cinco años para entender por dónde va este grupo y también de qué va su ya no tan nuevo disco, Sky blue Sky, un álbum en el que fusiona todo lo que ha sido. Desde su origen cercano al country, hasta lo más experimental, pasando por una clarísima influencia de maestros del jazz. Un trabajo que hace bien en reeditar porque afortunadamente es de asimilación lenta. De energía retardada. Pero volviendo a la anécdota, hay que advertir que la pieza clave de la evolución de Wilco llegó en el 2002, de la mano de Jim O’Rourke (el Sonic Youth) que fue, sin comerlo ni beberlo (¿o sí?) el catalizador de todo ello.
Wilco había comenzado siete años atrás publicando un primer álbum, A.M., de lo que los estadounidenses denominan “country alternativo” y, un año después, un segundo trabajo, Being There, donde ya se veía venir que aquello cada vez se iba electrificando y degenerando más. Además de estos discos propios, también iba obteniendo un cierto prestigio entre los entendidos porque el gran Billy Bragg le había llamado para que trabajara con él en una revisión muy sui generis e interesantísima de la obra de Woody Guthrie, el gran ídolo de Bob Dylan y de todos los músicos de country con inquietudes, de los que en vez de botas camperas llevan Converse All Star. Es decir, Wilco tenía una reputación merecida dentro del mundo de la música folk heterodoxa y empezaba a cuajar en determinados círculos independientes exclusivos. Quizá influido por el inconsciente colectivo que le conectaba con el Dylan del 65, tuvo su “momento Newport” y en 1999 publicó Summerteeth, un disco en el que apostó claramente por la electricidad roquera.
Llegamos por fin a 2002, siguiendo el instinto de Jeff Tweedy y en contra de Jay Bennet, decidieron llamar a Jim O’Rourke. Las intenciones estaban claras, si uno reclama a uno de los miembros (especialmente a O’Rourke) para que haga las mezclas de un disco, está buscando ruido. Es como si uno entra en un bar de carretera con luces de neón rosa, que se llama El Conejo de la Suerte y luego se queja de que la señorita con la que ha entablado conversación le ha pedido dinero a cambio de sexo… Wilco se había pasado al bando de lo experimental, de eso no cabía duda. Y aunque al final O’Rourke (que a arriesgado no le gana nadie y decidió que el experimento estaba precisamente en quitar los ruidos y las guitarras a lo Lee Ranaldo) le salió rana y, siguiendo con el símil, nada más entrar en el bar de los letreros de neón, le pidió en matrimonio.
Aquel disco le hizo que le echaran de su compañía, pero finalmente consiguió una nueva y ese fue el principio de su éxito absoluto. A partir de Yankee Foxtrot Hotel, Wilco se convirtió en un grupo respetado por el mundo independiente que tenía las ventas de cualquier banda comercial. Con el siguiente trabajo, A Ghost is born (2004), aquello quedó especialmente claro, ganó un Grammy como mejor Grabación y Disco de Música Alternativa y pese a las interrupciones, por culpa de la reclusión forzosa de Tweedy en una clínica para desengancharse de los analgésicos que tenía que tomar por culpa de sus migrañas, Wilco se convirtió en uno de los grandes grupos de rock del nuevo siglo. Y por mucho que juegue al desconcierto, es una de esas pocas bandas que le hacen creer a uno en la justicia poética y en que lo popular no tiene por qué ser siempre lo más fácil de digerir.

Silvia GRIJALBA

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“Dig, Lazarus, Dig!!!” Nuevo disco de Nick Cave & The Bad Seeds,

2007-11-07T00:29:00.001-08:00

El nuevo álbum de Nick Cave & The Bad Seeds, “Dig, Lazarus, Dig!!!”, se pondrá a la venta el 3 de marzo de 2008.

Este disco, que hará el número catorce de su discografía, ha sido producido por el propio grupo y Nick Launey, quien ya trabajó con ellos en el doble álbum “Abattoir Blues/The Lyre Of Orpheus”.

“Dig, Lazarus, Dig!!!” fue grabado durante el pasado verano en los estudios State Of The Ark, en Richmond, Londres.

Nick Cave And The Bad Seeds también anunciarán muy pronto las fechas de su nueva gira.

Fuente: NME

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César Isella será distinguido por sus amigos más famosos

2007-11-06T02:25:00.001-08:00

A la denominada "Cena homenaje por sus 50 años con la música" concurrirán figuras de todos los ámbitos, como: Mercedes Sosa, Fito Páez, Chaqueño Palavecino, León Gieco, Luis Landriscina, Víctor Heredia, María Marta Serra Lima, Luciano Pereyra, Marcela Morelo, Palito Ortega, Juan Carlos Saravia, China Zorrilla, Horacio Ferrer, Teté Costaurot, Estela Carlotto, Teresa Parodi, Juan Alberto Badía, Fanny Mandelbaum, Adriana Varela y Lito Vitale, entre otros.

Para renovar el cariño y destacar la exitosa y comprometida trayectoria artística, los amigos de César Isella realizarán una " Cena homenaje por sus 50 años con la música". La misma se efectuará el martes 13 de noviembre, a las 21 horas, en las renovadas instalaciones del ex restaurante Zorro Blanco, sito en Esteban Echeverría 1958 (colectora Panamericana y Malaver) , en Vicente López, provincia de Buenos Aires, a pasos de la avenida General Paz.

Allí, se congregarán famosos de todos los ámbitos, como: Mercedes Sosa, Fito Páez, Chaqueño Palavecino, León Gieco , Luis Landriscina, Víctor Heredia, María Marta Serra Lima, Luciano Pereyra, Marcela Morelo, Palito Ortega, Eduardo Falú, Juan Carlos Saravia, China Zorrilla , Horacio Ferrer, Teté Costaurot, Estela Carlotto, Teresa Parodi, Juan Alberto Badía, Adriana Varela y Lito Vitale, entre otros.

De la cena, que cuenta con el apoyo de la Secretaría de Cultura, Deportes y Turismo del Municipio de Vicente López, participarán también integrantes de SADAIC, empresarios de discográficas y salas teatrales, propietarios de editoriales, actores, diplomáticos, autoridades gubernamentales, responsables de medios periodísticos y artistas plásticos.
Por supuesto, en la gran noche de César Isella habrá shows musicales, cuentos y muchas sorpresas.

Kylie Minogue piensa en dejar la música y pasarse a la cocina

2007-11-06T02:20:00.001-08:00

OTR/PRESS.LONDRES

Kylie Minogue está cansada de las giras, la fama y el constante ajetreo de viajes que supone su actual estilo de vida. Por ello, la cantante se plantea abandonar de una vez por todas el mundo de la música y lanzarse a la aventura como una mochilera cualquiera, con su tienda de campaña y su aspecto asilvestrado. Eso sí, antes de dejarlo todo, quiere tener su propio programa de cocina, un espacio que no trate tanto de recetas y más de "cómo parecer caliente en la cocina".

La artífice de éxitos como 'Body Language' está cansada, más que de viajar, de hacerlo con el glamour y el lujo con el que lo hace siempre. En declaraciones a la revista 'Q' recogidas por Otr/Press, Kylie Minogue explica que le "encanta viajar", pero más aún "coger una mochila e irme". "Realmente estoy pensando en hacerlo, quizá con algún amigo. A lo mejor con William Baker, mi director creativo", asegura la artista, que regresó hace apenas un año al mundo de la música después de superar un cáncer de mama. "El Gran Willie y yo. Yo estaría feliz de viajar durmiendo en una tienda de campaña, pero creo que él no lo estaría tanto. No puede haber dos divas en el escenario y normalmente es él", confiesa la cantante, que, en tono más serio, garantiza que ese tipo de viajes "es lo que me encantaría hacer". Kylie explica esta necesidad vital en que "en el fondo, y en la superficie, soy una auténtica 'aussie' (apelativo peyorativo que se utiliza para referirse a los australianos) necesito sentirme asilvestrada".

Sin embargo, antes de cumplir sus sueños aventureros, Kylie quiere algo más, tener su propio espacio televisivo dedicado a la cocina y poder rivalizar con la reina del género en Reino Unido, Nigella Lawson, escritora y periodista dedicada al mundo culinario. "Me encantaría tener mi propio programa de cocina, que no fuese tanto sobre cocina, sino más bien de cómo parecer caliente en la cocina", exclama la cantante. Las insinuaciones de Kylie en torno a su hartazgo por el ritmo de vida actual llegan al mismo tiempo que los rumores de que la cantante podría haber cancelado una gira mundial prevista para 2008 por motivos de salud. "El tour no se va a llevar a cabo. Me rompe el corazón, pero tomó mi salud muy en serio", afirmó la cantante en declaraciones a 'The Sun'. Sin embargo, su discográfica, Warner Bros, asegura que "nunca hubo un tour programado" y llega a afirmar que "los rumores de una gira en 2008 son falsos".

Lo mejor de la música de Marruecos en el Fórum de las Culturas

2007-10-29T01:12:00.001-07:00

Hassan Hakmoun, conocido internacionalmente por su música de raíces africanas, logró reunir a un nutrido grupo de regiomontanos y visitantes durante su primera presentación, la noche del sábado en el espacio del Latido del Mundo, del Parque Fundidora.

Monterrey.- Lo mejor de la música representativa de Marruecos está presente en esta ciudad con el cantante Hassan Hakmoun, quien forma parte de las expresiones culturales del Fórum Universal de las Culturas Monterrey 2007.

El intérprete, conocido internacionalmente por su música de raíces africanas, logró reunir a un nutrido grupo de regiomontanos y visitantes durante su primera presentación, la noche del sábado en el espacio del Latido del Mundo, del Parque Fundidora.

Si n decir muchas palabras a la audiencia, el artista del norte de Africa transmitió al público su pasión a través de la música, que lo siguió con aplausos al ritmo de las percusiones, batería, guitarras, órgano, tumbas y castañuelas del grupo.

La aceptación del público a Hakmoun fue inmediata, tras escuchar los primeros acordes de la música, e incluso algunas personas, quienes no conocían la trayectoria del cantante africano, comentaron “esto parece que va a estar bueno”.

Aunque en un inicio, los visitantes al espacio de Latidos del Mundo parecían evaluar silenciosamente cada uno de los acordes de los instrumentos del conjunto africano y la potente voz de Hakmoun, quien cantó en árabe, rompieron en un estridente aplauso al término de la primera canción.

Para las siguientes melodías, el cantante marroquí contaba ya con la calidez de las familias regiomontanas, que se iban sumando cada vez más al escuchar el ritmo de la música, hasta lograr llenar las butacas del recinto.

Hassan Hakmoun se presenta nuevamente en la ciudad este domingo a las 20:00 en el Parque Fundidora como parte de la programación del Fórum Universal de las Culturas 2007.

Notimex - milenio.com

"La música es como el sexo, sabe mejor si estás acompañado"

2007-10-28T13:14:00.001-07:00

BLANCA DURÁN

GRANADA. Militante convencido y fiel devoto del rock'n'roll, Ariel Rot deslumbra cada vez que desenfunda su guitarra eléctrica y la saca a bailar. Aunque asegura que estos diez años han sido tan frenéticos que necesita tomarse ahora las cosas con "mucha calma", no ha podido evitar rodearse de (buenos) amigos e invitarlos a compartir con él algunas de sus mejores canciones.

-Treinta años en la música dan para muchas canciones. ¿Cómo eligió las de esta gira sin sentir que dejaba fuera a un buen puñado de sus 'hijas'?

-Tengo mucho repertorio, pero siempre intento sacar los temas dependiendo del día y el lugar en el que me encuentro. A veces hay canciones que con el tiempo uno olvida y deja de tocar, pero pasan los años y, cuando las vuelves a recuperar, las encuentras de otra manera. En la gira intento centrarme en los últimos diez años, pero siempre hay un lugar para Tequila y Los Rodríguez.

-Cuando llegó a España en 1976 encontraría una escena musical muy distinta a la de ahora... ¿Qué le llamó la atención entonces para decidir quedarse en Madrid?

-Yo era muy chico, tenía 16 años, y venir a España fue una decisión familiar. Nada más llegar me llamaron la atención muchas cosas. Todos los viernes iba con Alejo (Stivel) a un club a escuchar música en directo y allí descubrimos grupos como Ñu, donde tocaba Rosendo, que nos impactó mucho. Todos tenían algo curioso, porque no había una escena propia y estaba todo muy desmembrado, pero era auténtico.

-En su último disco se reúne con amigos músicos y se permite la osadía de hacer Dúos, tríos y otras perversiones. ¿Existe tan buen rollo entre los rockeros españoles?

-Lo bonito de la música es hacerla con otros. Es un poco como el sexo, que se puede hacer solo pero siempre es mejor acompañado. Reunirse con otros músicos es una oportunidad para trabajar con gente nueva y conocerla en su estado más puro, que es en el estudio y en versión acústica; eso crea una intimidad y una fraternidad especiales. En la música siempre se trata de jugar.

-¿Y quién eligió a quién?

-Yo creo que fue la canción la que eligió al cantante. No había un concepto homogéneo, así que dependía de quien me acompañase. Había algunos que conocían mucho el material y tenían varios temas que les apetecía tocar y otros que tenían muy clara una sola canción. Yo ejercí muchísimo de anfitrión y de productor al mismo tiempo y procuré darle a cada uno lo mejor.

-Músicos de su generación han cambiado mucho en este tiempo y, lo mismo hacían discos de tangos que se dedicaban a producir a otros artistas. ¿No le pica el gusanillo de hacer nuevas cosas?

-Yo vengo del rock, mi lenguaje es el rock. Puedo coquetear con muchos géneros, con la milonga, el tango, la ranchera, el jazz, la música brasileña... pero siempre voy a tocar a mi manera, que es la escuela del rock, que es lo que yo manejo, lo que aprendí y se convirtió en mi manera de expresarme.

-Pero del rock que tocaba con Tequila, al que creaba con Los Rodríguez y al que canta ahora solo existen muchas diferencias...

-Todo ha sido una evolución. En la época de Tequila no podría haber hecho lo que estoy haciendo ahora, porque ni estaba preparado ni me apetecía, me estaba desarrollando como guitarrista. En los últimos años me enfoqué muchísimo en la composición y en la voz, que eran dos cosas nuevas para mí. Cada momento tuvo sus cosas maravillosas y también sus momentos más duros, así que me quedo con lo que hay hoy, o mañana en todo caso.

-Da la impresión de que se lo pasa igual de bien en salas pequeñas que en teatros, en fiestas de pueblos o en grandes festivales. ¿Nunca le cambia la energía?

-Es que cuando hago un concierto es para darlo todo. El viaje es largo, vamos a sitios muy lejanos de casa y nuestro cometido es intentar que las dos horas sobre el escenario sean un momento único y mágico. Si el público o el entorno no es cien por cien favorable, hay que intentar que lo sea. Me dedico a esto desde hace treinta años y tengo que hacerlo bien, no puedo tener uno malo.

-¿Habría cambiado algo su carrera si, en lugar de llegar hace treinta años a Madrid, lo hubiera hecho ahora, en 2007?

-Cuando vine sentía mucho el rock. Para nosotros era una militancia, una pasión, era nuestra religión. Yo tenía muy claro desde los trece años que me iba a dedicar a esto, y si hubiese nacido en otra época posiblemente no hubiera sido así. Tuve la suerte de vivir los años dorados del rock, lo que es un privilegio, y ésta es la consecuencia. Si hubiese nacido en pleno auge del hip hop pues probablemente escucharía también rock, pero sería un bicho raro.

-¿Va a confesar alguna vez el pacto que ha firmado con el diablo?

-Me encantaría engañar con mi edad, pero los discos me delatan. No puedo decir que tengo 25 años porque las cifras no dan, pero confieso que uso los mismos productos de belleza que Marilyn Manson...

-¿Qué se podrá escuchar de Ariet Rot en los próximos 30 años?

-No tengo ni idea. Tengo ganas de tomármelo con mucha calma. Los últimos diez años fueron muy intensos de actividad y lo siguen siendo, porque hasta diciembre tengo la agenda repletísimas de actividades por España y Argentina. Tengo ganas de relajarme un poquito y no ponerle fecha al próximo disco.

-Pero en 30 años algo caerá...

-Probablemente yo seré el que caiga en los próximos 30 años.

Via: diariogranadahoy.com

“Al rock se lo comió la máquina”

2007-10-27T01:45:00.001-07:00

la cofradia de la flor solar: cuarenta años y un nuevo disco

El grupo pionero del hippismo y la vida comunitaria en Argentina produjo un nuevo álbum, que se puede bajar gratis de la red.

Por Cristian Vitale

En marzo de 1972, con Lanusse en el poder, un comando secuestró a Morcy Requena y cuatro oscuros lo molieron a golpes durante toda la noche. La herramienta “persuasiva” era, llanamente, macartismo rockero. “Somos los que matamos a Tanguito, si te llegamos a ver otra vez en La Plata, te va a pasar lo mismo que a él”, le repetían, entre golpe y golpe. Fue el comienzo del fin de La Cofradía de la Flor Solar. La golpiza a Morcy, más una orden específica del Ministerio del Interior, terminó con la casa en la que este grupo había establecido, durante cinco años, la comunidad hippie más significativa de Argentina. Hasta ahí había sido una banda de rock –cuyo núcleo formaban el mismo Morcy, Kubero Díaz y Manija Paz– más un resto de gente que se dedicaba a otras ramas del arte: Rocambole y sus dibujos, Enrique García y su filosofía, Daniel Beilinson –hermano de Skay– y sus artesanías... Veinticinco estudiantes “anarcos” de la Facultad de Bellas Artes de La Plata que habían ganado el Centro de Estudiantes y convivido en casas tomadas, quintas o cualquier lugar eficaz desde donde clavar dardos en el corazón del status quo. “La Cofradía era una casa donde vivían un montón de locos”, evoca Morcy.

Ese año bisagra motivó una diáspora. Algunos se fueron a El Bolsón con Miguel Cantilo; otros fundaron la feria artesanal de Mar del Plata –La Cofradía prácticamente inventó la artesanía urbana–; unos pocos migraron a Brasil y el resto se repartió entre Paraná y Europa, donde hubo un intento de mixtura con Miguel Abuelo –La Cofradía de la Nada– y algunos problemas con Scotland Yard. “Empezamos a circular por esos puntos, y así fuimos manteniendo vivo el espíritu... pero jamás volvimos a vivir juntos”, dice Requena. ¿Qué queda hoy?: una formación acotada. La Cofradía no existe más como tal, pero sí como grupo de rock. Morcy resiste en el bajo, secundado por Gustavo Meli en batería, Sebastián Rivas en guitarra, Kubero Díaz –cuando las giras con Gieco se lo permiten– y Rocambole, que se encargó del arte de tapa de dos discos “recientes” (El café de los ciegos, 1997, y Kofrádika, 1998), más los dibujos que acompañan la edición on line de Kundabuffer último disco. “Lo subimos a la página –www.lacofra diadelaflorsolar.com– con la idea de conmemorar los cuarenta años... es un regalo, todos lo pueden escuchar gratis”, informa Requena.

Paradoja: La Cofradía, en tanto banda de rock, es más prolífica hoy que en su época de esplendor. Los tres discos en diez años del pasado reciente superan a una producción “histórica” que sólo registra dos simples (“Sombra fugaz por la ciudad” / “La mufa”; “El payaso”/ “Si algún día recuerdas”, 1969), más un long play de nombre homónimo, editado un año antes de la diáspora. “Esto se explica fácil”, sostiene el bajista. “En aquella época, la música era apenas una expresión más entre las tantas que llevábamos a cabo: como había que vivir hacíamos artesanías, talleres de serigrafía, pintábamos carteles, armábamos afiches, organizábamos happenings o recitales, como el primer gran festival que hubo en Argentina: las treinta horas de rock en el Atenas de La Plata, donde tocaron más de 200 bandas.” Stop. La rémora, más los Buenos Aires Rock contemporáneos, recuerdan –por si acaso– la preexistencia del rock al negocio del rock. Hoy, el bombardeo mediático fetichiza la idea de que el género “es”, en tanto solventado por corporaciones. Una breve fuga hacia atrás marca sólidamente que no. “Al rock se lo comió la máquina en Argentina”, opina Requena. “Hoy le canta a la Pepsi... a grandes auspiciantes que son los dueños de la movida cuando, en sus inicios, fue todo lo contrario. Por eso carece de mensaje y está lleno de cholulos.”

Requena vive en Mendoza desde 1983 y tiene cinco hijos nacidos en diferentes partes del planeta (Madrid, Amsterdam, Buenos Aires, Mendoza) y cuatro nietos. “¿Genética hippie?”, se ríe. “Mi hijo siempre me carga: ‘Tengo un padre ro-ckero y una abuela zen’. Creo que cuando los hijos maduran, valoran la historia de otra manera, y más cuando la tienen de primera mano. La Cofradía fue una historia de rebelión, si te rebelás contra ella, tenés que ser un careta total.” El bajista se resiste a creer que la prédica de La Cofradía y la razón de existir de su generación hayan quedado como el signo de una época. Para él, sigue siendo un hecho contracultural. “Fue una movida que aún hoy resulta medio inexplicable. Un ejemplo: nosotros vinimos a tocar a Mendoza en 1974, en una de esas giras loquísimas que hacíamos. Tocamos en la Plaza Independencia y andábamos con los pelos largos, barbudos, en patas, con las mujeres y los chicos... era una imagen fortísima para la gente. Creo que hoy también lo sería, porque las cosas no han cambiado mucho. Nos tomábamos tres ácidos, nos subíamos a un escenario y tocábamos tres horas y media y no nos importaba si la gente se quedaba o no. No sé si el establishment de hoy bancaría eso.”

–Existe otra razón, más bien vinculada con los valores que ustedes pregonaban: el mundo recién está acusando recibo de lo importante que es cuidar la naturaleza.

–Nosotros pensábamos que el amor, la paz o la ecología iban a llegar en ese momento, pero va a tardar en darse. Recién está naciendo la preocupación por el tema ecológico... salvar los bosques, las ballenas, las especies, el aire y el agua, eran cosas que proponíamos en los setenta, y se ha convertido en un problema grave y mundial. El hecho de vivir en comunidad también era un hecho ecológico.

–Dado el devenir de Rocambole y Skay, que solía tocar con ustedes, muchos ven en los comienzos de Los Redonditos de Ricota una evolución “natural” de La Cofradía. ¿Concuerda?

–Creo que el hecho artístico de La Cofradía, con su independencia militante, se traspasó de alguna manera a Los Redondos. Pero ellos, musicalmente, fueron una conjunción muy especial entre las letras del Indio y la música de Skay... la continuidad fue más bien cultural que estética. Ambas experiencias, eso sí, trataron de sobrevivir en medio de una sociedad totalmente careta.

Via: Pagina12

Carajo y Divididos, en el Rock al Parque

2007-10-26T03:55:00.001-07:00

Las bandas lideradas por Corvata y Ricardo Mollo fueron invitadas a participar del festival de rock al aire libre más grande de Latinoamérica que se realiza en Colombia.

Carajo y Divididos se presentarán en el festival de rock al aire libre y gratuito mas grande de Latinoamérica "Rock al Parque" a realizarse en la ciudad de Bogota, Colombia. La cita esta programada para el dia 3 de noviembre. Además, el cd ‘Inmundo’ será editado por Universal Colombia.

ASÍ SERÁ ROCK AL PARQUE 2007

Un festival que integrará todas las expresiones artísticas en torno al Rock y que reflejará la identidad de esta cultura, caracterizarán la versión número 13 del Festival de Rock al aire libre y gratuito más grande de América Latina, Rock al Parque.
El Festival, organizado por la Alcaldía Mayor de Bogotá a través de la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte, se realizará del 3 al 5 de noviembre en el Parque Metropolitano Simón Bolívar.
Dos escenarios simultáneos, con posibilidad de un tercero, un cartel musical que mostrará lo mejor del rock colombiano y las nuevas tendencias en el ámbito del rock latinoamericano y la presentación de los proyectos ganadores de la convocatoria interdisciplinaria - temporada joven 2007, adelantada por la Secretaría de Cultura en las áreas audiovisual y de Patrimonio, hacen parte de las novedades que trae esta nueva edición del Festival.

En el área audiovisual, Rock al Parque, presentará los proyectos ganadores del concurso de videos musicales, que darán una mirada a las diferentes tendencias asociadas a la cultura Rock en Bogotá y los ganadores del Concurso de Rock: Memoria de ciudad, que premia a los realizadores de filminutos, que reflejan la identidad de la cultura del Rock y todos sus géneros en la ciudad. Estos Videos y filminutos se presentarán como cortinillas en los intermedios de las bandas durante los 3 días de Festival.
En la parte musical, Rock al Parque 2007 presentará las 16 mejores bandas de Bogotá, ganadoras de la convocatoria adelantada por la Secretaría de Cultura, y que se sometieron a un proceso de audiciones, el pasado lunes 24 y martes 25 de septiembre, en el Teatro Libre de Chapinero, con participación de 44 bandas y 4 más invitadas como ganadoras de festivales de Rock que se desarrollan en diferentes localidades de la ciudad.

El jurado, encargado de seleccionar estas 16 bandas, estuvo conformado por Andrés Felipe García, René Philippe Siegenthaler Torres y Carlos Hernan Reyes Lega, quienes decidieron por unanimidad seleccionar los siguientes grupos: BAJO TIERRA - EXPERIMENTO ALEPH - VIETATO - TOXIC - VULGARXITO - SEIS PEATONES-ZELFISH PEREZ - CUENTOS DE LOS HERMANOS GRIND - PR1MAL- RATON PEREZ - INJURY-TRIPLE X - HUEVO ATÓMICO - RAIZ - IMPROMTUS AD MORTEM y SIGMA.
La representación de Bogotá en Rock al Parque podría aumentar a 24 bandas, si se confirma la posibilidad de un tercer escenario en el festival, tema que es estudiado por la Secretaría de Cultura. Si se habilita dicho escenario, las siguientes 8 bandas, seleccionadas por el jurado en las mismas audiciones, harían parte oficial del cartel de Rock al Parque 2007: Estas agrupaciones que se encuentran en lista de espera son: VIA RUSTICA - HOTEL MAMA - K-93 - NADIE - TWO WAY ANALOG - 69 NOMBRES - DAR A CADA UNO LO QUE ES SUYO Y BLACK SHEEP ATTACK.
Como invitados nacionales, Rock al Parque tendrá la participación de: ATERCIOPELADOS, SIDESTEPPER, MORFONIA, ALERTA, CHUCHO MERCHAN, THE HALL EFFECT, TRES DE CORAZÓN, SUPERLITIO, ULTRÁGENO Y AGONY.
La cuota internacional de Rock al Parque 2007, confirmada hasta el momento, incluye 12 bandas exponentes de una gran variedad de sonidos, que van desde el rock fusión, hasta metal, rock progresivo, hardcore, indie y pop. Estas bandas son: DIVIDIDOS y CARAJO (Argentina) - LOS BUNKERS ( Chile), EL CUARTETO DE NOS (Uruguay) - ROCOLA BACALAO (Ecuador)- LOS AMIGOS INVISIBLES(Venezuela) - CIENFUE (Panamá) - THERMO(México)- FINDE (México) - QUIERO CLUB (México) - COHEED & CAMBRIA (Nueva York, USA) y HAVE HEART (Boston, USA).

A SU REGRESO, CARAJO CIERRA EL AÑO EN CAPITAL FEDERAL CON DOS SHOWS EN EL TEATRO (AV. RIVADAVIA 7806, FLORES), EN EL MARCO DEL "CLUB CARAJO", EL VIERNES 9 Y SÁBADO 10 DE NOVIEMBRE.

Via: 5track.com

Silvio Rodríguez regala a Barcelona sus clásicos en una de sus últimas giras

2007-10-24T00:03:00.001-07:00

En el primer concierto de su gira española, que podría ser una de las últimas según sus palabras, el trovador cubano se empleó a fondo y repasó durante más de dos horas su discografía más conocida.
El músico cubano estuvo acompañado en el escenario por el trío Trovarroco, formado por Rachid López, César Bacaró y Maikel Elizarde, por la flautista Niurka González y por el percusionista Oliver Valdéz.

El silencio inicial se rompió con la canción 'El necio', a la que siguieron otros clásicos como 'Rabo de nube', 'Quien fuera', 'La maza', 'La era está pariendo un corazón' o 'Mariposas'.

El público, fiel seguidor de Rodríguez, tal y como se ha podido comprobar con el paso de las canciones, no se despertó de su letargo hasta que los acordes de 'Oleo de mujer con sombrero' salieron de la guitarra del artista.

A partir de ahí, una afición más que entregada fue coreando las canciones que el músico interpretaba y le pidió a gritos, en más de una ocasión, un título concreto.
Otros asistentes, en cambio, entre los que se encontraba una nutrida representación de chilenos que ondeaban una bandera de su país, han preferido lanzar consignas como '¡Viva Cuba!', '¡Viva el 'Che'!' o '¡Viva Valparaíso!'.
Tal vez por ser uno de los últimos conciertos del artista en España, numerosos fans se han acercado durante todo el recital al pie del escenario para fotografiar y grabar al cantante.

Decenas de cámaras digitales y los destellos de sus pequeñas pantallas, se podían ver por toda la platea.
Parejas jóvenes y no tan jóvenes, así como grupos de amigos y familias enteras, han ocupado buena parte del BTM aunque sin llenarlo del todo.
De hecho, los llantos de un bebé que se han oído durante un par de canciones y más de una cabellera canosa hacen pensar que todas las edades estaban representadas en el concierto de hoy.

A mitad de la función, Silvio Rodríguez ha dejado libre el escenario para que Karel García, joven trovador con el que Rodríguez ha trabajado en los estudios 'Ojalá', que tiene en La Habana, interpretara un par de canciones suyas.

Pero no sólo este gesto demuestra que Silvio Rodríguez, de 60 años, es amigo de sus amigos, ya que el cantautor dedicó una canción al también músico Noel Nicola, fallecido hace un par de años, y a Ernesto 'Che' Guevara, para quien ha rescatado la canción que le compuso hace más de treinta años, 'América, te hablo de Ernesto'.

Al final del concierto, con un público ya totalmente entregado, el artista ha hecho tres 'bises', con las luces ya encendidas, en los que los asistentes han gozado a pleno pulmón con 'Ojalá'.
'En el claro de la luna' ha sido la canción elegida por el maestro para terminar el concierto de hoy.

Mañana se despedirá de Barcelona y seguirá su gira hacia Valencia, Alicante, Murcia, Castellón, Granada, Tenerife, Las Palmas y Madrid, donde cerrará este tour, tal vez el penúltimo, si no el último, que haga.

Terra Actualidad - EFE

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Marilyn Manson inicia su gira europea de presentación de su último álbum "Eat Me, Drink Me (junio 2007).

2007-10-23T01:27:00.001-07:00

Marilyn Manson inicia su gira europea de presentación de su último álbum "Eat Me, Drink Me (junio 2007).

El 19 de Noviembre comienza en Lisboa su paso por la península y continúa continuará los días 20 en Madrid, 22 Barcelona y 23 en Bilbao.
“A mediados del año pasado caí en una enorme depresión. Me vi sumido en agujero negro. Estuve paralizado, sin poder hacer nada. Había perdido la esperanza. Una amiga cogió un cuchillo de carnicero y me dijo: ‘Venga, te lo pongo fácil. Apuñálame. Estaba dispuesta a hundirse conmigo. Fue en ese momento cuando me di cuenta de que tenía que salir del pozo. Y reaccioné. De repente me sentí liberado, escribía una canción, me daba una vuelta por casa, y la grababa inmediatamente. Finalmente, de la desesperación y la esperanza surgió este disco, como una herida abierta. Mis nuevas canciones están claramente escritas para seducir a alguien. No quiero que la gente piense que el disco es una especie de explotación de mi vida personal, pero representa perfectamente quién soy y qué siento en este momento”.

Marilyn Manson expurga sus demonios más personales en su esperado nuevo disco. Eat me, Drink me constituye una vuelta a los elementos básicos del rock oscuro que incitó a Brian Warner a formar el mítico proyecto que adopta el nombre de su polémico alias.

Tras atravesar un periodo difícil en su vida personal, Manson ha parido un disco inspirado, de línea rockera y muy accesible, siempre manteniendo el elemento de morbosidad que le ha caracterizado durante su trayectoria artística. Temas adictivos y sorprendentemente fáciles, como el primer single “Heart-Shaped Glasses (When The Heart Guides The Hand)” , himnos góticos cargados de dramatismo (“If I Was Your Vampire”) y temas de puro rock de estadio, como el estupendo “They Said That Hell´s Not Hot” configuran el que, hasta la fecha, es el disco más inteligente y accesible del Reverendo.
Un disco sorprendente que viene acompañado de una frescura inaudita.

Via: Ociojoven

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El cantautor cubano Silvio Rodríguez inicia en Barcelona una gira por nueve ciudades españolas

2007-10-22T10:43:00.001-07:00

El cantautor cubano y cofundador de la Nueva Trova Silvio Rodríguez inicia mañana en el Barcelona Teatre Musical (BTM) una amplia gira que recorrerá nueve ciudades españolas, tras el éxito de su anterior tour por España y sus conciertos en Latinoamérica.

La gira, que se iniciará en Barcelona con un doble concierto mañana y el 24 de octubre, finalizará el 18 de noviembre en el Palacio de Deportes de Madrid, tras recorre r Valencia (27 de octubre), Alicante (29), Murcia (31), Castellón (3 de noviembre), Granada (5), Las Palmas (9) y Tenerife (11).
Acompañando al artista, la gira cuenta con la presencia de Niurka González en la flauta y clarinete, Oliver Valdés en la percusión y el Trío Trovarroco, formado por Rachid López, Maikel Elizarde y César Bacaró.
Silvio Rodríguez utiliza los elementos de la música tradicional cubana con un sentido de síntesis de sus valores principales, teniendo en cuenta además ritmos y melodías de lo mejor de la música popular de otros países.
El trovador cubano, que ha sido nominado a los Grammy Latino 2007 por su disco 'Érase que se era', ha aportado un gran prestigio a un movimiento que revitalizó la canción cubana y la situó en el plano internacional.

Via: Terra Actualidad - Europa Press

Soda Stereo y Maná juntos en el Festival de Música 2007

2007-10-21T03:23:00.001-07:00

Es un hecho, Maná y Soda Stereo forman parte del cartel internacional del esperado Festival Movistar Música 2007, que se llevará a cabo el próximo martes 27 y jueves 29 de noviembre, en el Hipódromo La Rinconada. La información fue emanada desde las oficinas de Evenpro.

La muy aclamada agrupación mexicana Maná, intérpretes de “Labios compartidos” primer sencillo de su última producción, “Amar es Combatir”, tienen la tarea de iniciar el Festival más esperado por toda Venezuela. Mientras, que el día jueves 29 se podrá disfrutar de toda la furia del rock argentino que nos traerá la súper banda Soda Stereo, con su gira “Me verás volver”.

SODA STEREO Y SU GIRA “ME VERÁS VOLVER”
El Festival Movistar Música se celebra en el momento propicio, ya que a diez años del último show en vivo de Soda Stereo, la banda ha decidido festejar su éxito con la gira “Me verás volver” que se iniciará en el estadio River Plate de la ciudad de Buenos Aires, donde las entradas se agotaron a tan sólo horas de haber anunciado las fechas. El tour recorrerá distintos países de América como Chile, Perú, Venezuela, Estados Unidos, México, Ecuador y Colombia, entre otros, y concluirá antes de fin de año.
El trío integrado por Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti, vienen a reencontrarse con su público venezolano para recordar y entonar sus más exitosos y conocidos temas.
La gira “Me verás volver” de Soda Stereo promete ser un verdadero acontecimiento. Se trata de un espectáculo de grandes magnitudes en cuanto a escenario, sonido y luces. Los recitales que el grupo ofrecerá en Latinoamérica se realizarán en estadios con capacidades entre 20 mil y 60 mil personas.

MANÁ CON LO MEJOR DE SUS TEMAS ÉXITO
Por su parte, la agrupación mexicana Maná viene cosechando grandes éxitos con esta última gira, donde en los Estados Unidos lograron un impresionante récord y se convirtieron en la primera agrupación latina en llenar cuatro fechas consecutivas en el Staples Center de Los Ángeles ya que agotaron todas sus localidades.
Esta última gira mundial “Amar es combatir” comenzó en España el 15 de junio de 2007 en Zaragoza. Recorrió 17 ciudades españolas. Después de un pequeño descanso, pusieron rumbo al continente americano, donde reanudaron su gira por Estados Unidos. En este gran espectáculo, Maná trae su más ambiciosa producción que incluye cascadas de agua, luces móviles y varias pantallas que apoyan visualmente el show. Todo esto se suma a la energía que los mexicanos han puesto siempre en escena.
La preventa de las entradas arrancó ayer sábado 20 de octubre en Hard Rock Café (Sambil), Recorland (Sambil y CCCT), Esperanto (Tolón y San Ignacio), Cinex (El Recreo), Mipunto.com y evenpro.com. Los afiliados al club Movistar obtendrán un 15% de descuento en los precios de las entradas que van desde Bs. 106.000 / Bs. F 106.

Soda Stereo hizo delirar a 60 mil personas en su regreso a Argentina

2007-10-20T03:15:00.001-07:00

“Por fin”, les dijo el vocalista y líder de la banda Gustavo Cerati a los fanáticos que colmaron el estadio, en una noche cálida de Buenos Aires, y agregó que esperaba desde hace mucho tiempo este regreso.

Buenos Aires, Arg.-El grupo de rock argentino Soda Stereo hizo delirar esta noche a 60 mil personas en el estadio “Monumental” de Buenos Aires, en su regreso a los escenarios luego de una década y en lo que fue el inicio de su gira latinoamericana “Me verás volver”.

El tema “Juegos de seducción” fue el elegido para el regreso a los escenarios, dejando en evidencia que pese al tiempo la banda sigue tan aceitada como cuando decidieron ponerle fin a su producción. “Dicen que la música es combinar sonidos, pero es el arte de mover los elementos a distancia. Gente. Telekinesis”, anunció Cerati antes del segundo tema que fue precisamente “Telekinesis”, haciendo recordar a los espectadores los inicios de la banda, en la década del 80.

Cerati fue el eje de la escena, pero también dejaron su impronta Charly Alberti (batería) y Zeta Bosio (bajo). Éxitos como “La ciudad de la furia”, “Pic nic en el 4to B”, “Cuando pase el temblor”, “Corazón delator”, “Sobredosis de TV”, o “Persiana americana”, fueron seguidos con devoción por los fanáticos.

Casi sin interrupciones, “los Soda” recorrieron gran parte de su historia discográfica, que marcó a fuego a varias generaciones y que sirvió de exportación para la música del rock argentino en toda la región. El escenario tuvo un magnífico juego de luces, y el estadio lució cuatro pantallas de plasma para poder seguir el recital, para que se pudiera observar sin problemas desde todos los sectores.

El recital discurrió con temas muy conocidos de la banda y otros que tocaron pocas veces, y que terminaron siendo 27, tras más de dos horas y media. Así se sucedieron “Primavera cero”, “El séptimo día”, “Un millón de años luz”, “De música ligera”, para concluir la parte principal del recital, y la nueva frase de Cerati: “A la gran fiesta del rock, salud”.

El público mostró heterogeneidad de edades y sexo, y no sólo hubo argentinos, sino que pudieron observarse banderas de Venezuela, México y Chile entre los concurrentes. Soda Stereo tocará el sábado y domingo en Buenos Aires nuevamente, para luego recorrer Latinoamérica, comenzando con Santiago de Chile, el próximo miércoles 24, y luego Guayaquil, el 27.

Para los bises eligieron, entre otros, temas como “Cae el sol”, “Prófugos” y “Nada Personal”, que cerró el recital para mostrar a los tres integrantes de la banda felices y exhaustos con el regreso.

via: milenio.com

Etiquetas de Technorati: soda estereo , conciertos , rock argentino

Soda Stereo cumple su promesa con lleno en estadio del River

2007-10-20T03:13:00.001-07:00

BUENOS AIRES, Argentina | AP

En la última línea de su canción Ciudad de la furia, Soda Stereo dice me verás volver. Una década después, la legendaria banda de rock argentina cumplió la noche de este viernes su promesa con un lleno total en el estadio del River Plate, en el mismo escenario donde se despidió de sus fanáticos.

Los tres miembros de la banda, Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti, fueron recibidos con ovaciones y gritos por las 70.000 personas que llenaron el estadio, desbordándose en las gradas y la cancha.

Sobre el escenario, dominado por cuatro pantallas gigantes de video, los tres músicos, vestidos de negro como sombras, abrieron la noche con la canción Seducción, ante la gritería y el éxtasis de los presentes.

Cientos de personas hicieron cola durante la madrugada y algunas incluso acamparon desde la víspera en el estadio capitalino, donde arrancó la gira de la banda, que la llevará a nueve naciones.

El momento en que empiece el show la verdad es que no sé qué me pasará por la cabeza, si me pondré a llorar, si me emocionaré. Pero los estoy esperando hace mucho. Es un sueño, dijo Santiago Moscufu, de 17 años, al igual que la mayoría luciendo una camiseta de Soda Stereo.

El joven tenía apenas siete años cuando el trío integrado por Cerati, Bosio y Alberti se separó en 1997, luego de casi 15 años de éxitos en Argentina y el resto de Latinoamérica con temas como De música ligera, Persiana americana y Cuando pase el temblor.

Y los 10 años de espera parecen haber expandido la base de seguidores en su país natal y otros donde los boletos para la gira, adecuadamente llamada Me verás volver, se han agotado.

Luego de tres presentaciones consecutivas en la Ciudad de la furia, el grupo visitará Chile y seguirá por Ecuador, para regresar a Buenos Aires con otros dos conciertos y continuar por México, Los Angeles, Colombia, Panamá, Venezuela, Miami y Lima.

Luciano Lekerman, de 30 años, quien opera el sitio www.sodafans.com, dijo que desde que la banda anunció su reencuentro el número de visitantes se ha triplicado.

La comunidad sodera es la más grande que cualquier banda rockera hispana. Soda es un sentimiento inexplicable y lógicamente al ser tan híbrida y dispar física y culturalmente la manifestación varía en su intensidad y fervor, declaró Lekerman a la AP vía e-mail.

Me verás volver termina oficialmente con un concierto en Córdoba, Argentina, el 15 de diciembre, pero los tres músicos han dicho que podrían regresar a Buenos Aires después.

Sólo los Rolling Stones han ofrecido cinco conciertos en el estadio Monumental de River Plate, que normalmente alberga a 63.000 hinchas de fútbol.

Cuantos más conciertos mejor, dijeron los fans, muchos de los cuales planean asistir hasta a tres.

Algunos amigos me dicen vos estás loco. Después de 10 años vas a volver a ir a verlos? Y yo les repito, en la medida de las posibilidades, a donde sea, expresó Claudio Velez, para quien resultaba inevitable una reunión de Soda Stereo.

En algún lugar de nuestras mentes sabíamos que se iban a juntar. Solamente que no sabíamos cuándo, dijo su amigo Marcelo Arroyo, de 30 años.

Desde que compré las entradas, y ahora en estos últimos días más, me hago la película (del show) en la cabeza, añadió. Cómo será, cómo empezará, el ingreso mismo al estadio... qué dirán, todo eso... Me lo estoy imaginando todo.

La escenografía para el tour está diseñada por Martin Philips, quien ha trabajado con Nine Inch Nails y Daft Punk.

Soda siempre se caracterizó por sorprender a la gente, musicalmente y estéticamente, y yo creo que esta no va a ser la excepción, dijo Arroyo.

Vélez, de 33 años, estuvo en el concierto de despedida de Soda Stereo hace 10 años y tenía grandes expectativas para el viernes: Como el vino, más viejo, mejor.

SIN FRENO DE CRYSTAL PISTOL A GALLON DRUNK

2007-10-19T02:33:00.001-07:00

Los de Bandini Producciones sufren en otoño un subidón de adrenalina post-estival que les provoca organizar conciertos y más conciertos. Al margen de las 'Naked sessions', de su mano vendrán la próxima semana a la sala Tropicana de Santoña dos referencias internaciones de muy distinto pelaje: por un lado, los canadienses Crystal Pistol, auténticamente arrolladores. Por su estética parecen salidos de los suburbios angelinos; por su sonido y su buen hacer en directo, el quinteto se nos presenta como un explosivo cóctel a medio camino entre los primeros Backyard Babies, Black Halos. Faster Pussycat e incluso Marilyn Manson. En definitiva, la suciedad sleazy y el punk-rock más anfetamínico en estado puro.
Y por otro lado, los británicos Gallon Drunk con su rock&roll primitivo y su ruido sin freno. Si Nick Cave, PJ Harvey, Shane McGowan o Morrissey se han declarado seguidores de este cuarteto, por algo será...

Via : el diariomontanes es

Einstürzende Neubauten nueva e independiente producción

2007-10-18T04:25:00.001-07:00

El 19 de Octubre, la legendaria banda Einstürzende Neubauten lanzará su nueva e independiente producción en la Unión Europea, llamada “Alles wieder Offen”.
La banda trabajó fuera de los márgenes establecidos o típicos de la industria musical a la hora de plasmar la obra en un disco, ya que demoraron más de 200 días en grabarlo (Nótese que fue en su propio estudio, financiado por su red internacional de colaboradores, via www.neubauten.org).

En una entrevista para Re-public Blixa, sostuvieron que el proceso de lanzamiento (suscripciones de fans, albums autoproducidos, promoción independiente) no sirve para poder seguir trabajando y costeando los discos independientes, lo cual los llevó a la decisión de dejar de trabajar en futuros álbums.
Pese a todo, la distribución de este álbum -al parecer el último- tendrá la vá normal, por su sello Potomak, pero la versión para los fans tendrá canciones adicionales y un DVD opcional con el making-off.

El trackist comercial será el siguiente:

Die Wellen
Nagorny Karabach
Weil Weil Weil
Ich Hatte Ein Wort
Von Wegen
Let’S Do It A Dada
Alles Wieder Offen
Unvollstaendigkeit
Susej
Ich Warte

Vía: El Claustro

Demasiado viejo para el rock and roll, demasiado joven para morir

2007-10-16T03:08:00.001-07:00

Jethro Tull. Biografía y discografia

Con el liderazgo del compositor, cantante y flautista escocés Ian Anderson (nacido el 10 de agosto de 1947 en Edimburgo) Jehtro Tull se convirtió en uno de los grupos esenciales dentro de la música blues-rock, folk-rock y prog-rock británica de finales de los años 60 y comienzos de los 70.

Anderson ya había estado tocando en diversos conjuntos de blues y jazz durante sus años más mozos, como The Blades o Jon Evans Smash, hasta que en 1967 decidió formar en Luton los definitivos Jethro Tull junto al guitarrista y vocalista Mick Abrahams (nacido el 7 de abril de 1943 en Luton), el bajista Glenn Cornick (nacido el 24 de abril de 1947 en Cumbria), y el batería Clive Bunker (nacido el 12 de diciembre de 1946 en Lancashire).

El debut en vinilo de la banda se produjo en el sello MGM. El grupo editó ahí y en 1968 un tema escrito por Abrahams, “Sunshine day”. Abrahams en estos inicios era uno de los principales componentes del grupo, en especial por su excepcional habilidad en la guitarra, que ponía de manifiesto en vivo en diferentes festivales y locales londindenses, como el mítico Marquee.
Su segundo single fue el tema de Ian “A Song for Jeffrey”, publicado en Island Records, compañía discográfica en la que debutaron en formato LP con “This was” (1969), un gran disco (número 10 en Gran Bretaña) de blues-rock co-producido por la banda y Terry Ellis que cosechó excelente resultado comercial.
En 1968 también habían publicado su primer single de renombre, “Love Story” (número 29), el cual fue continuado en 1969 por “Living in the past” (número 3) y “Sweet dream” (número 7).

Tras este álbum Abrahams dejó el grupo para formar Blodwyn Pig. Este fue un duro golpe para Jethro Tull ya que Mick era un componente básico con su guitarra, pero claro, dos gallos en el mismo corral son muchos gallos. Su reemplazo en las seis cuerdas sería Martin Barre.
Sin embargo, con la orquestación de David Palmer, el grupo de Ian Anderson fue compactando su propio sonido tendente al hard-folk-rock progresivo y con “Stand up” (1969) alcanzaría el número 1 en la lista de Lps del Reino Unido, llegando al 20 en el Billboard estadounidense.

Glenn Cornick, después de este álbum, decidió volar por su cuenta y se largó para fundar Wild Turkey. Sus compañeros, con el añadido del teclista John Evan, apuntalaron su buena senda con “Benefit” (1970), álbum (número 3 en el Reino Unido) que iba poco a poco ampliando su fama en los Estados Unidos (número 11), en donde comenzaban a llenar sus vibrantes conciertos.

En 1970 también editaría uno de sus singles más triunfales, “The Witch’s Promise” (número 4).

El bajista Jeffrey Hammond-Hammond (el de “A song for Jeffrey”) enriqueció las texturas sónicas del grupo para grabar su obra maestra, el conceptual “Aqualung” (1971), legendario disco (número 4 en Gran Bretaña y 7 en los Estados Unidos) de comentario religioso-espiritual con piezas como “My God” y “Locomotive Breath”.
Después de “Aqualung” Clive Bunker dejó su puesto en la batería a Barriemore Barlow y el grupo prosiguió su gloriosa trayectoria con “Thick as a brick” (1972). El disco progresivo, editado en Chrysalis, llegó al número 5 en el Reino Unido y alcanzó lo más alto en los Estados Unidos a pesar de ser criticado en algunos sectores como pretencioso.

“A passion play” (1973) confirmó el estatus de superestrella de los Jethro Tull, y en especial de Ian Anderson, en el mundo del rock, principalmente en los Estados Unidos, ya que mientras en su país las ventas decaían en los Estados Unidos sus conciertos eran recibidos con entusiasmo y las ventas eran inmejorables, como lo demuestra su segundo número 1 en la lista de LPs del Billboard, y el número 2 de “War child” (1974) y el 7 del magnífico disco “Minstrel in the gallery” (1975).

Por el contrario “A passion play”, en Inglaterra, solamente llegó hasta el puesto 13, “War child” al 14 y “Minstrel in the gallery” al 20. Las acusaciones de excesiva ambición y pretenciosidad no parecían hacer mella en la audiencia estadounidense, a la que importaba bien poco lo que dijeran cuatro plumillas.

Después de “Minstrel in the gallery” Jeffrey dejó el grupo, siendo sustituido por John Glascock, músico que fallecería poco después a causa de problemas cardiacos. Cruzado el ecuador de la década de los 70 presentaron discos posteriores tan estimables como “Too old to rock’n’roll: Too young to die!” (1976), “Songs from the wood” (1977) o “Heavy horses” (1978).
En los años 80 y 90 lo más prominente de Jethro Tull fueron sus siempre sobresalientes interpretaciones en vivo ya que sus LPs no estaban a la altura de sus mejores momentos.

Discografía

1968 - This Was

1969 - Stand Up

1970 - Benefit

1971 - Aqualung

1972 - Thick as a Brick

1972 - Living in the Past

1973 - A Passion Play

1974 - War Child

1975 - Minstrel in the Gallery

1976 - Too Old to Rock 'n' Roll: Too Young to Die!

Chrysalis Records

1977 - Songs from the Wood

1978 - Heavy Horses

1978 - Bursting Out

1979 - Stormwatch

1980 - A

1982 - Broadsword and the Beast

1984 - Under Wraps

1985 - A Classic Case

1987 - Crest of a Knave

1989 - Rock Island

1991 - Catfish Rising

1992 - A Little Light Music

1993 - Nightcap

1995 - Roots to Branches

1999 - J-Tull Dot Com

2002 - Living with the Past

2003 - The Jethro Tull Christmas Album

2004 - Nothing Is Easy: Live at the Isle of Wight 1970

2005 - Aqualung Live

2007 - Live At Montreux 2003

04.12.07 en Barcelona Apocalyptica

2007-10-15T07:42:00.001-07:00

Los cellos del metal vienen desde Finlandia a conquistarnos.

04.12.07
ES – Barcelona – Apolo

anticipada: 25,00 [Castelló, Overstocks, Revolver]
mar/04 dic '07: 20:00
Sala Apolo [ver datos del local]

http://www.apocalyptica.com/home/

Apocalyptica es una banda de Cello Rock formada en Helsinki, Finlandia en 1992 por 4 violonchelistas graduados de la academia de música clásica Sibelius. Es conocida por tocar canciones Metal con violonchelos.

Historia

Apocalyptica se formó en 1992 en la academia de música clásica Sibelius de Helsinki en Finlandia bajo el nombre de Cello House Band, cuando cuatro amigos hacían covers de sus bandas favoritas sólo por diversión, pero con la diferencia de que los tocaban con sus cellos. Al principio solo tocaban en fiestas, campamentos y frente a sus amigos pero luego empezaron a tocar en clubes.

En 1995 tocaron en el Teatro Heavy Metal Club y Kari Hynninen, un representante de Zen Garden, los invitó a grabar un disco. Como la mayoría de sus covers eran de Metallica decidieron grabar el disco exclusivamente con canciones de ellos. Así, en 1996 bajo el nombre de Apocalyptica (fusión de Apocalypse y Metallica) surgió Plays Metallica by Four Cellos, el cual vendió millones de copias alrededor del mundo. Ese mismo año, el 18 y 19 de Noviembre, abrieron para Metallica durante sus dos conciertos en Helsinki.

En 1998, tras el éxito de su primer álbum, lanzaron Inquisition Symphony, que contenía más de sus covers de Metallica y de otras bandas como Sepultura, Faith No More y Pantera. Además incluía tres temas originales compuestos por Eicca Toppinen.

Tras este disco empezaron las giras, entrevistas y apariciones en revistas importantes de música. Un año después Antero Manninen decide salir de la banda para seguir con sus estudios de música clásica. Fue reemplazado por Perttu Kivilaakso, quien al principio no pudo entrar a la banda ya que aun era menor de edad.

Un año después lanzaron su tercer disco, Cult, que incluía únicamente canciones originales, pero no quisieron dejar atrás sus raíces, así que incluyeron dos covers más de Metallica y un cover del clásico del compositor noruego Edvard Grieg, In the Hall of the Mountain King.

Este fue un gran paso para ellos, no sólo porque era su primer disco con solo temas originales, sino porque también incluyeron otros instrumentos como contrabajos, percusiones, cellos eléctricos y por primera vez incluyeron una colaboración vocal. Un año después lanzaron su primer DVD en vivo, Live.

Discografía

Discografía detallada: Discografía de Apocalyptica

Plays Metallica by Four Cellos (1996)
Inquisition Symphony (1998)
Cult (2000)
The Best of Apocalyptica (2002)
Reflections (2003)
Apocalyptica (2005)
Amplified // A Decade of Reinventing the Cello (2006)
Worlds Collide (2007)

Origen
Helsinki, Finlandia

Estilo(s)
Cello Rock
Cello Metal

Tiempo
1996 - actualidad

Discográfica(s)
Columbia
Sony BMG
20/20 Records
Universal
Island Records
Mercury Records

Bersuit. Barcelona 2007 - 22 y 23 de octubre en Sala Razzmatazz

2007-10-15T07:31:00.001-07:00

Apertura puertas:
TBC h
Anticipada: 22 €
Taquilla: 25 €
Puntos de venta anticipada:
Tick Tack Ticket (902 150 025)
Tel:To buy tickets from abroad: 0034 934450660 - Email: central@ticktackticket.com - Web: www.ticktackticket.com

http://www.salarazzmatazz.com

Bersuit Vergarabat es un grupo de Rock de la Argentina; tras unos primeros discos de rock, se hizo notable a fines de los años noventa por unir este género musical con ritmos latinoamericanos —como la cumbia, el cuarteto, la chacarera o el candombe— y letras cargadas de críticas hacia el sistema político y la sociedad.

Origen
Buenos Aires, Argentina

Estilo(s)
Rock
Cumbia
Chacarera
Candombe
Cuartetazo
Murga

Tiempo
1987-Presente

Discográfica(s)
Universal
Surco

Miembros

Gustavo E. Cordera
Juan Carlos Subirá
Carlos E. Martín
Oscar Humberto Righi
Rene Isel "Pepe" Céspedes
Daniel Suárez
Alberto Verenzuela
Carlos "Cóndor" Sbarbatti

Sitio web
www.bersuit.com

La banda se formó formalmente en 1992, a partir de los miembros de Henry y la Palangana; en su alineación actual está constituida por: Gustavo E. Cordera (voz), Juan Carlos Subirá (teclados, acordeón y voz), Carlos E. Martín (batería y percusión), Oscar Humberto Righi (guitarra), Rene Isel "Pepe" Céspedes (bajo y voz), Daniel Suárez (voz y coros), Alberto Verenzuela (guitarra), y Germán "Cóndor" Sbarbatti (voz, coros y charango); en formaciones anteriores participaron también Charly Bianco (guitarra y voz) y Rubén Sadrinas (voz).

En homenaje a los internos de la residencia psiquiátrica del Hospital Municipal José Tiburcio Borda de Buenos Aires, visten siempre en escena el pijama que los distingue; la difundida historia de la internación de Cordera en el mismo es una leyenda urbana, pero la afinidad de la banda con los fenómenos de la locura y la marginalidad es innegable. El "look" de las pijamas como el mismo Cordera ha explicado también surge como una parodia al atuendo de cuero que usan los grupos normalmente vinculados con el rock y heavy metal.

Están fuertemente vinculados al productor Gustavo Santaolalla, uno de los grandes del rock en español o latino, con quien trabajan desde el LP Libertinaje.

Entre sus éxitos más famosos, se destacan: "El Tiempo no Para" (Cazuza),"Yo Tomo", "Se viene", "Señor Cobranza" (cover de Las Manos de Filippi), "La argentinidad al palo" y varios más.

Cabe destacar que, gracias al doble CD titulado "La argentinidad al palo", la banda recibió el respetado Premio Gardel de Oro 2005, así como otra estatuilla por Mejor Álbum.

Una de las canciones, El Tiempo No Para del álbum Y Punto... (y grabada en vivo en De la Cabeza), es el cover de O Tempo Não Para, del músico y poeta brasileño Cazuza, que murió de SIDA en 1990. El 12 de mayo de 2007 tocaron en el estadio de River Plate frente a 66.000 personas. El estadio estuvo practicamente lleno y se disfruto de una gran fiesta, bien caracteristico de la banda. Entre mediados del 2007 y fines del mismo año, sacaran un nuevo CD el cual sera presentado en la gira que se realizara en España. Este nuevo álbum llevara el nombre " De ahí soy yo"

Discografía

Álbumes

1992 - Y Punto

El tiempo no para
La Papita
Diez Mil
Tuyu
Homenaje a los locos del Borda
Venganza de los muertos pobres (Afro)
Hociquito de Ratón
La Logia (Iambo - Iombo)
Como nada puedo hacer
Sistema al mejor postor

1993 - Asquerosa Alegría

Fuera de Aca
Sin Son
Tu pastilla fue
Clara
Cha Cha Cha
Ausencia de Estribillo
Si Amanece
Decile a Tu Mama
Balada de Guang Chang Kein
Los Elefantitos
Vamos, No llegamos
Nepore'y (Tu ausencia)
Buceando en el Riachuelo

1996 - Don Leopardo

Espiritu de esta selva
Bolivian surf
Bolero militar
Yo no fui
Cajon 5 estrellas
Cielo Trucho
Abundancia
Ojo por ojojo
La mujer perfecta
Madrugon
Ruego
Querubin
Encapuchados
En trance
Requiem
Al fondo de la red
Pie de gallina
Mi caramelo

1998 - Libertinaje

Yo tomo
A los tambores
De onda
Se viene
Murguita del sur
Sr. Cobranza
Vuelos
Gentes de mierdas
Sincerebro
A marça de Deux
C.S.M
¿Que Paso?

2000 - Hijos del Culo

El gordo motoneta
La del toro
El viejo de arriba
Cancion de juan
Desconexion sideral
Porteño de ley
Caroncha
La petisita culona
Toco y me voy
La vida boba
Grasun
Negra Murguera
La bolsa
Veneno de humanidad
Es Importante

2002 - De la Cabeza (en vivo)

De la cabeza
El tiempo no para
Danza de los muertos pobres (afro)
El viejo de arriba
Espiritu de esta selva
Vuelos
Mi caramelo
Un pacto
Perro amor explota
Tuyu
Yo tomo
Sr. Cobranza
La Bolsa
Murguita del sur
Se viene el estallido
Hociquito de ratón/Diez mil

2004 - La Argentinidad al Palo (disco doble)

Se es (CD 1)

Coger no Es Amor
La Soledad
Va Por Chapultepec
Convalescencia En Valencia
Fisurar
Al Olor Del Hogar
La Argentinidad Al Palo
Ades Tiempo
El Baile De La Gambeta
No Seas Parca
Como un Bolu
La Calavera

Lo que se es (CD 2)

Shit, shit, money, money
Porno star
La oveja negra
Otra sudestada
Zi, Zi, Zi
Hecho en Buenos Aires
Mariscal Tito
Y no esta solo...
Pajaro negro
Murga de la limousine
El viento trae una copla

128 cover inedito lacocaina

2005 - Testosterona

Yo
Me duele festejar
En la ribera
Sencillamente
O vas a misa...
Esperando el impacto
Andan yugando
Madre hay una sola
Vamo´ en la salud
Inundacion
Barriletes
La flor de mis heridas
...Y llegara la paz

DVDs

2004 - De la Cabeza
2006 - La Argentinidad al Palo

Curiosidades

La canción O vas a misa... ha sido elegida para la banda sonora del videojuego FIFA 07, junto con otras canciones de otras grandes bandas a nivel mundial.

Es tradición que en los recitales, durante la canción "Hociquito de Ratón" Cordera eliga a unas cuantas chicas del público. Acto siguiente, las muchachas (generalmente adolescentes) se desvisten el torso mostrando los senos y bailando con los integrantes de la banda.

Enlaces externos

Fotos: Nocturama Fotoblog
Textos: Wikipedia

Nick Cave compone la banda sonora de la nueva película de Brad Pitt

2007-10-14T18:00:00.001-07:00

El disco de “The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford” se publicará en octubre y, en febrero de 2008, lo próximo con The Bad Seeds.

Nick Cave tiene preparados un par de discos para los próximos meses. El primero de ellos verá la luz en octubre y será la banda sonora que ha compuesto, junto a Warren Ellis, para el filme “The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford”, protagonizado por Brad Pitt, Casey Affleck, Sam Shepard, Robert Duvall y Mary Louise Parker.
Cave y Ellis ya habían trabajado juntos en el western australiano "The Proposition" (2005), para el que Cave también escribió el guión.
El otro álbum será el nuevo de Nick Cave & The Bad Seeds, que se pondrá a la venta en febrero de 2008.

Texto: Juan Rebenaque

"Acordes con Leonard Cohen", el nuevo álbum tributo al cantautor canadiense

2007-10-10T02:27:00.000-07:00

Luis Eduardo Aute, Santiago Auserón, Perla Batalla, Constantino Romero y Elliott Murphy son algunos de los 16 artistas que participan en "Acordes con Leonard Cohen", un doble álbum en directo en el que cantan los poemas más conocidos del cantautor canadiense.
"Acordes con Leonard Cohen" se grabó en directo el pasado año durante la celebración del Festival de Portaferrada en Sant Cugat del Vallès (Barcelona), en el que varios artistas del panorama nacional e internacional se reunieron para homenajear la figura y la obra de Leonard Cohen.

La fecha coincidía con el 50 aniversario de la publicación de su primer libro de poemas, "Comparemos mitologías", para el que el canadiense se inspiró en su poeta favorito, Federico García Lorca. No es esta la primera vez que un nutrido grupo de artistas muestran su devoción al cantautor canadiense, como el álbum "I'm your fan" que reunió en 1991 a R.E.M, John Cale, Nick Cave o Peter Astor, y "Tower of Song", publicado en 1995 y en el que Billy Joel, Sting, Elton John, Willie Nelson y Bono versionaron los clásicos de Cohen.

En "Acordes con Leonard Cohen", artistas de "bagajes muy diversos", como Duquende, Jackson Browne, Jabier Muguruza, Elliot Murphy, Santiago Auserón, Luis Eduardo Aute y Toti Soler, entre otros, interpretan algunos de los poemas de Cohen, parte de ellos adaptados al castellano por el poeta y traductor Alberto Manzano.

Tratándose de Cohen, que derrumbó las barreras entre géneros para unir la poesía del blues, del rock, el jazz o el pop, no podía ser de otra manera que los artistas que ahora le rinden homenaje lo hagan desde el flamenco, el rock o la canción de autor.

Entre los músicos que participan en este doble álbum destaca la presencia del hijo del homenajeado, Adam Cohen, para interpretar "Bird on the wire" y "Pequeño vals vienés", así como Anjani Thomas, compañera sentimental del artista, que canta "Thanks for the dance" y "Half the perfect world". A todos ellos se une el "rapsoda" -según le define Alberto Manzano- Constantino Romero, que ofrece un breve recital poético con textos de la obra literaria y discográfica del canadiense.

Después de darse a conocer como poeta, Cohen dio el salto a los escenarios en 1967, cuando publicó su primer álbum, "Songs of Leonard Cohen", tras el cual vendrían "Songs from a room" y "Songs of love and hate", que le confirmarían como uno de los principales cantautores del panorama norteamericano. En los últimos años, el mito en torno a la personalidad de Cohen se ha incrementado desde su acercamiento al Budismo: en 1993 se fue a vivir a un monasterio Zen en California, donde residió casi siete años para convertirse en un monje Zen al que se le otorga el nombre de "Jikan" (el Silencioso).

Junto al doble cd de "Acordes con Leonard Cohen" se incluye un DVD que recoge íntegramente la actuación conjunta de todos los artistas que participaron en el homenaje.

Molotov

2007-10-09T17:35:00.000-07:00

Molotov es un grupo de rock mexicano. Originario de la Ciudad de México, se caracteriza por sus críticas al gobierno, no sólo mexicano, sino de algunos otros países; sus letras anuncian de una forma irónica y divertida la forma de pensar de sus integrantes.

Todo comienza a mediados de 1995 cuando dos amigos, Tito Fuentes (guitarra) y Micky “ Huidos ” Huidobro (bajo), se juntaban para tocar, se inscribieron en un concurso y prometieron que si lo ganaban tocarían en ese grupo. Coincidentemente ganaron. 21 de septiembre del mismo año, Javier De la Cueva "J" y “La Quesadillera” se unen para ensayar, creándose la banda, aunque este último se va y lo sustituye Elbright, el Gringo Loco, al igual que en febrero de 1996 Javier abandona el grupo y entra Paco Ayala.

Durante todo el año 1996, la banda tocó en todos los antros de Ciudad de México y empieza a tener un pequeño grupo de seguidores. Su pistoletazo de salida como banda de éxito fue al telonear a Héroes del Silencio en Monterrey y después a La Lupita en Puebla.

Durante un concierto en el que abrían para Illya Kuryaki and the Valderramas, un cazatalentos de la Universal les propuso grabar un disco. Fue un período difícil, en los conciertos la banda vendía cassettes, mientras se preparaba para entrar al estudio.

En julio de 1997 ¿Dónde Jugarán las Niñas? aparece en el mercado causando enorme controversia (parodia del disco de Maná ¿DÓNDE JUGARÁN LOS NIÑOS?), con tiendas negándose a venderlo por sus letras y su portada. Molotov sale a vender sus discos en la calle, protestando así contra la censura que estaban recibiendo.

Su álbum de debut "¿Dónde Jugarán Las Niñas?" tuvo repercusión tanto en países hispanos como anglosajones. En cambio, sus letras incluyen una mezcla de política, sexo y malas palabras, hecho que les hizo ser casi literalmente expulsados de México y estuvieran un tiempo en España. "¿Donde Jugarán las niñas?" es una parodia al disco que lanzó a Maná, "¿Dónde Jugarán los Niños?". La portada consiste en una chica bajándose de un coche o carro con las bragas bajadas. El diseño de la falda de la joven la identifica como proveniente del sistema público de educación mexicana, se deduce entonces con una máxima edad de 18 años.

La banda asegura también que fue "malinterpretada" con su canción más popular de ese tiempo, "Puto", pues fue considerada una ofensa para la comunidad gay. El estribillo de esta canción repite varias veces la frase "matarile al maricón". El grupo alegó que tan solo "se referían a las personas que no tuvieran valor para divertirse y brincar en sus conciertos". Como resultado de esta polémica, su primer concierto en Alemania estuvo lleno de gays y lesbianas con los brazos cruzados, además en la radio estuvo censurada y la palabra Puto era sustituida por "Chucho".

La primera canción de rock latino elegida nº 1 por los oyentes de la radio más popular de los Estados Unidos, fue Voto Latino, en España tuvo gran repercusión Gimme tha Power, llegando a encabezar la lista de singles.

Molotov recibe un reconocimiento sin precedente para un grupo de hip-hop en español, en publicaciones urbanas tales como Vibe que mencionó: “Los (músicos de) Molotov son unos incendiarios por naturaleza…con dardos envenenados dirigidos directo al corazón del paternalismo opresivo del gobierno. Ellos se han convertido en la respuesta latina a nuestros Rage Against The Machine”.

En 1998 encabezan el Surco Fest Concert en Buenos Aires, Argentina. Consiguen vender más de 800.000 copias en todo el mundo. El álbum debut se edita en Alemania, Suiza, Japón, Australia e Israel. Realizaron una gira por los Estados Unidos al lado de bandas como: los Deftones.

Los remixes del Dónde jugarán... se titulan Molomix incluyendo una versión del clásico de Queen, “Bohemian Rhapsody” titulada: “Rap, Soda y Bohemia”, además incluyendo una nueva canción: “El Carnal de las Estrellas”, esta última debido a la negación de Televisa de pasar los vídeos de la banda.

En la Bass Player de diciembre de 1998 se declara a Molotov la banda con el bajo más potente de los últimos años.

En verano del 1999 continúa irrumpiendo en EEUU, siendo el único grupo de habla hispana en presentarse en el Vans Warped Tour 1999, y el Watcha Tour, su versión latina, que visita 14 ciudades de Estados Unidos.

En septiembre de ese mismo año Apocalypshit es lanzado al mercado en todo el mundo, haciendo una presentación por toda Europa, incluyendo Rusia.

En 2001, la banda después de dos años de gira constante decide tomarse un descanso de un año, llevando a cabo proyectos como la BSO de “Y tu mamá también” y ”Atlético San Pancho”, y participar en un homenaje a Los Tigres del Norte. Volvieron a tocar en el Watcha Tour.

En 2003 sale Dance and Dense Denso , con su primer sencillo, Frijolero.

En 2004 salió al mercado su álbum de versiones Con todo respeto en el que tocan estilos que van desde la salsa a lo punk, como Me Convierto en Marciano, una versión cumbia del clásico I turned into a Martian de los Misfits o Rock Me Amadeus. Y el rock clásico como "Perro Negro Y Callejero" de El Tri.

Durante 2005 hicieron una gira de presentación en la que visitaron España durante el mes de marzo y durante agosto y septiembre.

Su último trabajo como grupo fue el vídeo Quieren Ver Golazos, originalmente hecho como cortinilla para las transmisiones de futbol de Televisa. El doble sentido del vídeo propició que al final el director de Televisa Deportes Javier Alarcón rechazara su transmisión, a pesar de que la producción del mismo fue de manera conjunta entre Molotov y Televisa.

Posteriormente (en voz de Tito Fuentes y Paco Ayala), los Molotov exigieron su pago proporcional de la producción a la televisora en el programa de Brozo El Notifiero. Hasta el momento, no se conoce el resultado final; se especula que en realidad sólo fue una estrategia publicitaria del grupo.

Falsa Separación

El 12 de enero de 2007 se anunció la separación del grupo debido a problemas económicos y diferencias creativas, según algunos de sus miembros .

En su contrato con la casa discográfica está planeado grabar un disco de estudio que posiblemente sera el último y también grabar un CD en vivo. Para despedirse el grupo quiere hacer un concierto gratuito.

Micky Huidobro (junto a Francisco Aveleyra) produjo como un proyecto propio un disco de dos volúmenes titulado Muchachitos de Porra, cuyas canciones son dedicadas a los Pumas de la UNAM y su entorno. Cuenta con la participación de otros grupos y artistas como Alex Lora, Finde, Grupo Marrano, Tanke, Los Estrambóticos y Las Ultrasónicas, así como de algunos jugadores del equipo de futbol como Antonio Sancho y Francisco Palencia.

La separación, no fue más que una estrategia mediática, para crear un nuevo disco, en conjunto, pero componiendo cada miembro por separado. Fueron lanzados cuatro EPs, cada uno hecho por cada integrante de la banda (Paco, Tito, Micky y Randy), cada EP con cuatro canciones, compitiendo cada uno en una votación pública por conseguir la mejor canción. Los EPs tienen como título, Hasta la basura se separa de Micky Huidobro, Tito Fuentes grabó Sintitolo, Randy Ebright, Miss Canciones y Paco Ayala el Plan Ayala. Para referirse a la supuesta separación de Molotov, Paco Ayala comentó en una entrevista: “Eso de que la banda se separaba fue una mentira estratégica y malévolamente planeada; nos separamos artística y musicalmente porque siempre nos juntábamos para hacer un disco, y esta vez nos separamos para hacerlo. Por eso se llamará ‘Eternamiente’”. Para su vuelta en el 2007 Molotov prepara su gira que los llevará por Argentina, Chile, México, Bolivia, etc...

Discografía

* ¿Dónde Jugarán Las Niñas? (1997)
* Molomix (1998)
* Apocalypshit (1999)
* Dance And Dense Denso (2003)
* Con Todo Respeto (2004)
* Con Todo Respeto (edición especial) (incluye el tema "Me vale Vergara") (2005)
* Eternamiente (2007)

Vídeo

"Frijolero" en YouTube
"Hit me" en You Tube

Fuente: Wikipedia

Laura Veirs

2007-10-09T12:41:00.000-07:00

Laura Veirs

Laura Veirs cantautora de Colorado con siete álbumes a sus espaldas, en los que ha pasado del country y el folk intimista al pop. La música de Laura Veirs es todo sensibilidad y buen gusto. Es una música para relajarse y disfrutar.

Studio albums

* Laura Veirs, self-released, 1999
* The Triumphs and Travails of Orphan Mae, self-released, 2001
* Troubled by the Fire, Bella Union, 2003
* Carbon Glacier, Bella Union (UK), February 2004, Nonesuch Records (US), August 2004
* Year of Meteors, Nonesuch Records, August 2005
* Saltbreakers, Nonesuch Records, April 2007

Live albums

* Lore of Ears, Kelp Monthly, 2004

Compilation appearances

* "Black-Eyed Susan (demo)" on Remote Wing, Knw-Yr-Own, 2001
* "The Water's Gone (But Life Is Long)" (with Danny Barnes) on Shipwreck Day, Knw-Yr-Own, 2002
* "17" on Flotsam and Jetsam: 2005 What The Heck Fest Sampler", Kelp Monthly, 2005
* "Cast a Hook in Me" on The Sound the Hare Heard", Kill Rock Stars, 2006

Also featured on

* The Young Rapture Choir, RMB, 2006
* "Yankee Bayonet (I Will Be Home Then)," The Crane Wife, Capitol, 2006
* Sailor System CD by Your Heart Breaks, Don't Stop Believin Records, 2006

Videos

Magnetized
Galaxies
Wrecking
Lost at Seaflower Cove

Official website

Unofficial website

Interview with Laura Veirs

Amy Winehouse

2007-10-09T09:51:00.000-07:00

Amy Winehouse

Amy Jade Winehouse (nacida el 14 de septiembre, 1983) es una cantante y escritora británica de jazz y soul. Su albúm debut, Frank (editado en 2003) fue nominado a los Premios Mercury Music y ganó un Ivor Novello award en 2004, por su single "Stronger than Me". En 2006, sacó su segundo álbum, Back to Black. El 14 de febrero de 2007 ganó un Brit award en la categoría de Mejor Artista Británica. El pasado mes de junio, Winehouse nuevamente ha sido nominada a los Mercury Prize, por "Back to Black"; su disco ha alcanzado el platino en EE.UU, y como broche de oro ha conseguido tres nominaciones a los MTV Video Awards, a entregarse en septiembre.

Primeros años

Winehouse nació en el seno de una familia judía y con tradición musical en el jazz. Se crió en los suburbios de Southgate, Norte de Londres, y fue al colegio Ashmole School. Contando con 10 años, Winehouse fundó una banda de rap llamada Sweet 'n' Sour, Amy describió esta aventura como " el pequeño grupo de judíos Salt 'n' Pepa". Acudió a la escuela de teatro Sylvia Young Theatre School a los 12 años, pero fue expulsada a los 13 por "no aplicarse" y hacerse un piercing en la nariz. Más tarde fue al Colegio Británico de Selhurst, Croydon.

Creció escuchando distintos tipos de música desde Salt 'n' Pepa a Sarah Vaughan y le regalaron su primera guitarra a los 13 años.

Su amigo, el cantante Tyler James, le dio su maqueta a un productor, comenzando su carrera profesional a los 16 años. Firmó su primer contrato con su actual discográfica Island/Universal.

Vida personal

Durante la promoción de su álbum apareció en la prensa británica en repetidas ocasiones por asuntos relacionados con su "vida privada". En septiembre de 2006, salió a la luz que Winehouse adelgazó seis tallas debido a los comentarios sobre su talla[1]. En una entrevista en el periódico The Daily Telegraph Magazine (16 septiembre de 2006), cuando le preguntaron si esa fue la causa del adelgazamiento ella respondió: "No. No. No escucho a nadie más que a mi misma ... sería una niñata sino fuera así. Si alguien me dijera que tengo que perder kilos - cuando no tendrían que decirlo - No lo escucharía nunca más."
Amy Winehouse en el festival Eurockéennes de 2007.
Amy Winehouse en el festival Eurockéennes de 2007.

En el mismo mes, el periódico The Independent publicó un artículo hablando de su diagnóstico como maniaco depresiva y su negativa a ser tratada con medicamentos[2]. En octubre de 2006, Winehouse admitió haber tenido desorden en sus hábitos alimenticios. "Un poquito de anorexia, un poquito de bulimia. Creo que no estoy del todo bien, pero creo que ninguna mujer lo está"[3].

Los siguientes dos meses, Winehouse hizo numerosas apariciones en los medios británicos en los que se apreciaban comportamientos propios de una alcohólica. Apareció alcoholizada en el show The Charlotte Church Show (el cual se encuentra colgado en (YouTube),[4], mandó callar a Bono en la rueda de prensa de los Q Awards[5]. En una entrevista, Amy dijo: Una noche una chica se me acercó y me dio un beso en la mejilla, luego se dirigió a mi novio y le dijo: "Dios, sí que está jodida verdad?"; en ese momento vi todo rojo y le di un golpe en la cara, luego regresé a mi departamento y golpeé a mi novio también", "no fue gracioso" añadió sonriendo.[6][7]. Cuando se le preguntó por sus reacciones cuando bebe, Winehouse respondió: “Lo paso bien algunas noches, pero luego me paso y le arruino la noche a mi novio, tomo demasiado, soy alcoholica, realmente lo soy.”[7]

El 7 de enero de 2007 Winehouse canceló un concierto en la G-A-Y Part cuando después de su primera canción salió a vomitar, según se dijo producto de una intoxicación [8]. En los premios Elle Style el 14 de febrero de 2007, a Winehouse se le fotografió una serie de cicatrices nuevas y más antiguas en sus brazos [9].

Vídeo

Amy Winehouse - Rehab

Álbumes

* Frank (2003)
* Back to Black (2006)

Amy Winehouse

Fuente: Wikipedia

Wilco

2007-10-09T03:57:00.000-07:00

Wilco es un aclamado grupo de rock estadounidense, conocido en sus inicios por sus raíces country,y que en la actualidad se ha consolidado como una de las referencias básicas de la escena alternativa norteamericana.

Jeff Tweedy, el principal compositor y cantante de la banda, fue miembro del grupo seminal de los años 1980 y 1990 Uncle Tupelo. Tweedy compartía la tarea de componer y cantar con su compañero de grupo Jay Farrar, que dejó Uncle Tupelo y formó Son Volt. Tweedy formó Wilco con los restantes miembros de Tupelo (el bajista John Stirratt, el batería Ken Coomer y violinista Max Johnston. El nombre de la banda viene de la abreviatura utilizada en el argot militar "We´ll accomplished", algo así como "Nosotros cumpliremos" en castellano.

Wilco ha ido ganando popularidad desde su primer lanzamiento, el álbum A.M. de 1995, que es el único de los discos de la banda que todavía se parece al sonido de Uncle Tupelo. El disco contó con la producción de Brian Paulson y el trabajo de guitarra solista de Brian Henneman. Alcanzó el número 27 en la lista de descubrimientos de Billboardy y el 34 en la Pazz & Jop Critics Poll de The Village Voice de 1995.

Más tarde se unió al grupo el multi-instrumentista Jay Bennett, lo que expandió su ya rico sonido, añadiendo más música electrónica y de teclado, además de incorporar también la fuerza de una segunda guitarra. En 1996 lanzaron el doble álbum Being There, que obtuvo buenas críticas (alcanzó el puesto 14 en la Pazz & Jop Critics Poll de 1996) y un devoto grupo de fans, pero unas ventas mediocres, llegando al número 73 en la lista de álbumes de Billboard. La canción «Outtasite (Out Of Mind)» entró en el top 40 de música rock.

En la primavera de 1995, Nora, hija de Woody Guthrie, había entrado en contacto con el cantante y compositor Billy Bragg para escribir música para una selección de letras de Guthrie. Su padre había dejado unos miles de letras escritas entre 1939 y 1967; ninguna de ellas tenía música, aparte de unas vagas notaciones sobre el estilo. Bragg entraría en contacto más tarde con Wilco, pidiéndoles que también participasen en el proyecto. Wilco aceptó y, además de grabar con Bragg en Inglaterra, tuvieron una buena cantidad de canciones para finalizar.

Más que recrear las melodías con el estilo de Guthrie, Bragg y Wilco crearon música nueva, contemporánea para las letras. Lo que parecía una empresa arriesgada sorprendió a todo el mundo; el resultado, publicado en 1998 con el nombre de Mermaid Avenue, recibió elogios unánimes. El álbum ganó una nominación a los Grammy como mejor álbum de folk contemporáneo y se colocó en el número cuatro de la Pazz & Jop Critics Poll de 1998, justo por detrás de Live 1966 de Bob Dylan.

En 1999, la banda publicó Summerteeth, mostrando una evolución desde el country al rock eléctrico. Canciones como «Can't Stand It» y «I'm Always In Love» demostraron el gran cambio en su sonido. Reprise, su compañía de discos, tenía grandes expectativas, pero el álbum sólo alcanzó un decepcionante número 78 en la lista de álbums de Billboard. A pesar de todo, obtuvo el favor de la crítica y alcanzó el número 8 en la Pazz & Jop Critics Poll de 1999. Sumerteeth también significó un nuevo enfoque en la creación de sonidos de estudio que fueran añadidos como efectos a la grabación en vivo. La fascinación por estos sonidos crecería en posteriores discos del grupo.

La banda regresó a sus raíces country con el calurosamente acogido Mermaid Avenue Vol. II, una especie de secuela del proyecto original. Muchas de las pistas eran descartes de las primeras sesiones de Mermaid Avenue, pero también se añadieron algunas canciones más, incluyendo «Someday Some Morning Sometime», que adelantaba las líneas de su próximo trabajo. Mermaid Avenue Vol. II llegaría al puesto 32 en la Pazz & Jop's Critics Poll de 2000.

Mucha gente de la industria de la música considera el siguiente álbum de la banda, Yankee Hotel Foxtrot, uno de los mejores discos de 2002, además de una obra destacada en términos de innovación. Lo que empezó siendo un disco que continuaba el camino musical emprendido con Summerteeth se transformó en un monstruo que atraería muchos elogios y muchos problemas.

Glenn Kotche reemplazó a Coomer (que más tarde se uniría al grupo Swag) en la batería e introdujo una forma de tocar las canciones más musical y con más improvisaciones. También se incorporó al grupo el multi-instrumentista Leroy Bach para que pudieran duplicar mejor en directo los complicados arreglos de estudio.

La producción parecía marchar bien, aunque había conflictos importantes entre Bennet y sus compañeros de grupo. La situación estalló cuando se le pidió a Jim O'Rourke, de Sonic Youth, que remezclara el álbum a pesar de las objeciones de Bennet. En contra de la creencia popular, O'Rourke no añadió ruidos vanguardistas en la mezcla sino que eliminó algunos de los que habían grabado Wilco.

Bennet no estaba satisfecho con la participación de O'Rourke y fue despedido de la banda al poco tiempo de acabar el álbum. Bennet más tarde comenzó un proyecto con su colaborador durante largo tiempo Edward Burch y lanzó The Palace at 4 A.M. el mismo día que Yankee Hotel Foxtrot fue publicado finalmente.

La situación empeoró cuando Reprise Records, la compañía de la banda y una subsidiaria de Time Warner, rechazó el disco. Así se inició una larga búsqueda para encontrar una nueva casa para el grupo. Mientras tanto, Wilco permitió la descarga del disco de su sitio web tras comprar las cintas de grabación por 50.000 dólares estadounidenses. Irónicamente, la banda acabó fichando por Nonesuch Records, otra subsidiaria de Time Warner, y el disco se lanzó en la primavera de 2002.

Tras ser publicado, Yankee Hotel Foxtrot llegó al número 12 en la lista de álbumes de Billboard, siendo la posición más alta que ha alcanzado ningún disco del grupo hasta la fecha (2005). El disco vendería más de 500.000 copias y sigue siendo el más vendido del grupo hasta la fecha.

Algunos fans rechazaron los ruidos de muchas de las pistas del disco, pero la banda atrajo nuevos seguidores que apreciaban la nueva dirección. A pesar de las dudas de Reprise sobre su viabilidad comercial, canciones como «Heavy Metal Drummer» y «Jesus, etc.» se convirtieron en habituales de las emisoras de radio de rock progresivos y alternativo. Todavía más impresionante es que Yankee Hotel Foxtrot llegó al número uno de la Pazz & Jop Critics Poll de 2002, consiguiendo 2328 puntos en 201 votos. El segundo lugar lo obtuvo el disco Sea Change de Beck, con 1506 puntos en 139 votos.

El director de cine Sam Jones, que hizo la fotografía de portada para Yankee Hotel Foxtrot, capturó gran parte de esa época en película y a partir de ese material publicó el documental en blanco y negro I Am Trying To Break Your Heart. Una escena ya clásica incluye una ácida disputa entre Tweedy y Bennett sobre el principio de la canción «Heavy Metal Drummer», que acabó con Tweedy corriendo al servicio a vomitar (debido a las migrañas crónicas que ha padecido desde su juventud). El DVD contiene la película con metraje y comentarios extras, además de otros extractos de actuaciones en vivo.

En 2004, Bach abandonó el grupo, dejando a Wilco como sexteto, incluyendo ahora al aclamado guitarrista de jazz Nels Cline y también a Pat Sansone, miembro del proyecto secundario de Stirratt The Autumn Defense.

El siguiente álbum de Wilco, A Ghost Is Born se lanzó el 22 de junio de 2004, una fecha que fue retrasada para que Tweedy entrase en una clínica de rehabilitación para su adición a los calmantes para sus migrañas. Este evento también tuvo como consecuencia que no fuesen cabeza del cartel ese mismo año del Coachella Valley Music and Arts Festival en Indio, California. Elogiado por los críticos, A Ghost Is Born fue el primer disco de Wilco en entrar entre los diez primeros puestos de las listas de álbumes de Estados Unidos, comenzado en el octavo puesto. Con el disco Wilco ganó, en 2005, su primer Grammy por Grabación y disco de música alternativa. Además, también obtuvo el décimotercer puesto en la Pazz & Jop Critics Poll de 2004.

En noviembre de 2005 la banda editó un doble disco en directo, Kicking Television grabado entre el 4 y el 7 de mayo de ese año en el Vic Theater de Chicago.La grabación es un documento preciso del sonido del grupo en directo en su formato como sexteto.

Durante los últimos meses de 2006, Wilco se consagra a la grabación de la esperadísima continuación de A ghost in born.El nuevo álbum se llama Sky blue sky y se edita el 15 de mayo de 2007. Acerca de este lanzamiento, el baterista Glenn Kotche ha afirmado que muchos de los temas han sido compuestos colectivamente en el estudio, a diferencia de las grabaciones anteriores a las que Jeff Tweedy llegaba con canciones estructuradas para que la banda hiciera la instrumentación de acompañamiento. El álbum se aleja del estilo de sus dos últimos álbumes, abandonando la garra y la visceralidad de estos y adoptando tiempos más tranquilos a través de los cuales repasa los grandes movimientos musicales norteamericanos, como el jazz, blues, country, soul, pero sin faltar a su propia identidad musical.

Albums
* A.M. - (28 de marzo, 1995)
* Being There - (29 de octubre, 1996) #73 US
* Summerteeth - (9 de marzo, 1999) #78 US, #38 UK
* Yankee Hotel Foxtrot - (23 de abril, 2002) #13 US, #40 UK
* A Ghost is Born - (22 de junio, 2004) #8 US
* Kicking Television Live in Chicago- (15 de noviembre, 2005)
* Sky blue sky- (15 de mayo, 2007)

Colaboraciones
* Mermaid Avenue (con Billy Bragg) - (23 de junio, 1998) #34 UK
* Mermaid Avenue Vol. II (con Billy Bragg) - (30 de mayo, 2000)

Sencillos
* «Box Full Of Letters»
* «Outtasite (Outta Mind)» (2 de junio, 1997)
* «Can't Stand It» (5 de abril, 1999)
* «A Shot In The Arm» (28 de junio, 1999)
* «War On War» (21 de mayo, 2002)

Fuente: Wikipedia